VALMIR SANTOS

São Paulo – Uma passa­gem pelos títulos dos espetáculos apresentados nas décadas de 20 e 30 – – sua época de ouro no Brasil -,  dá o tom do que foi o Teatro de Re­vista entre nós: “Forrobodó, a Capital Federal”, “O Rei do Po­leiro”, “Olelê!… Olalá!…”, “Ta­tu Subiu no Pau”, “Pirão de A­reia”, “Bom Que Dói”’, “É da Pontinha”, “Dá no Couro”, “An­gu de Caroço”, “Abafa a Ban­ca”, “Em Ponto de Bala”, etc… Importado da França, ganhou urna roupa­gem que tra­duziu o espí­rit:o de um povo como poucas ex­pressões ar­tísticas o fizeram.

Muito do que se vê nos palcos con­temporâneos remete ao es­cracho, ao humor es­pontâneo, à alegria dos poucos diálo­gos (esque­tes) e de mu­itos números musicais que representa­ram o Teatro de Revista. Foi a “con­creta tradu­ção teatral” do País, defende a pes­quisadora Neyde Veneziano em “Não Adianta Chorar – – Teatro de Revista Brasileiro… Oba!”, livro recém-lançado pela edito­ra Unicamp.

Conhecida pela, sua atuação acadêmica e sobretudo pela di­reção teatral (“Alma­naque Brasil” foi um musical que emplacou em suas mãos), Neyde Veneziano especiali­zou-se no assunto. Seu acalentado estudo vai além do embasa­mento histórico. Co­mo escreve na sua in­trodução, a autora quer transcender os estereótipos da vede­te, da banana, da tropi­cália. Tudo bem, são dados concretos. Mas por trás das baianas, das músicas e dos ba­langandãs existe tam­bém o conceito cultu­ral.

“Que venha também a consciência de um teatro que contribui para a nossa for­mação cultural, que fixou nos­sos tipos, nossos costumes, nos­so modo genuíno de falar “à brasileira”, reivindica Veneziano. As 203 páginas ganham um tra­tamento que passa longe do me­ramente acadêmico (exceção feita à não tradução de trechos em francês ou italiano para o português, afunilando o acesso à uma compreensão efetiva). Claro, a autora não fez um texto “metarevista”, com o humor de antanho – e nem seria o caso. O livro é, sim, uma reforço histó­rico, uma acentuação de um gênero que geralmente é revisita­do equivocadamente com pecha de arte inferior. Ledo engano.

Numa época em que não e­xistia o rádio, tampouco a televi­são, era na platéia do teatro que o público ia conferir a retrospec­tiva dos acontecimentos do ano. Daí a re-vista… Imaginem as famosas retrospectivas globais de fim de ano levadas ao palco em números musicais ou esquetes (textos breves, diálogos curtos). As revistas de ano eram uma de­liciosa sátira ao País, principalmente aos políticos.

Nem burleta, nem cabaret, nem vaudeville, nem café-con­certo, nem music-hall, nem ope­reta, enfim, Neyde Veneziano toma o cuidado de distinguir as manifestações geralmente asso­ciadas à revista. A autora, então, a define assim: “Espetáculo li­geiro, misto de prosa e verso, música e dança, faz, por meio de inúmeros quadros, uma resenha, passando em revista fatos sem­pre inspirados na atualidade, uti­lizando jocosas caricaturas, com o objetivo de oferecer ao público uma alegre diversão”.

O livro estabelece ligações com a origem primitiva do teatro popular de cinco, seis séculos atrás – sua veia cômica, bufona, paródica –, para o plataforma ao qual se lançou a revista. Enquanto gênero, segundo o livro, a re­vista nasceu no século 18, nas ru­as da França. Nas barracas das feiras, improvisavam-se históri­cas ou situações carnavalescas nas quais os protagonistas cria­vam com um olhar “ao avesso” em relação ao mundo.

Uma revista à brasileira ga nna corpo entre as décadas de 20 e 30. A Semana de Arte Moder­na, em 1922, a revista se mo­derniza com um melhor trata­mento cênico, com detalhes da iluminação ao desnudamento das pernas das moças no palco. Carlos Betten­court, Cardoso de Menezes, Marques Porto e Luiz Peixoto es­tão entre os me­lhores revistó­grafos da histó­ria do Brasil. O Rio de Janeiro, então capital fe­deral, reinou ab­soluto abrigando a maioria dos es­petáculós. Quanto aos in­térpretes, desta­caram-se Henri­queta Brieba, Alfredo Silva, Áracy Cortes, Pepa Ruiz e Edith Falcão.

Pouca gente sabe, mas a cantora Carmem Miranda ten­tou pegar carona no movimen­to teatral popular daquela épo­ca, mas chegou tarde. Numa das suas raras apresentações no Brasil, em 1930, com “Vai Dar que Falar”’, de Porto e Peixoto, ela foi vaiada porque era “ex­cessivamente realista” em ce­na. Depois de evoluir das rese­nhas anuais para uma posição assumidamente carnavalesca, não dava para ignorar a pers­pectiva popular.

São informações esclarece­doras como essas que a pesqui­sadora Neyde Veneziano expõe em “Não Adianta Chorar…”. Se exegese, sem saudosismo barato, contextualizando o leitor em relação à situação política em voga – aliás, a revista consti­tuia caldeirão propício –, o livro resulta num documento valioso para o Teatro Brasileiro. A breve iconografia e a relação dos prin­cipais espetáculos complemen­tam esta que pode ser considera­da uma incursão afetiva de Vene­ziano sobre tema apaixonante. Afinal, foi um tempo em que se ria com alusões políticas e soci­ais de fazer censor corar.

Não Adianta Chorar – Teatro de Revista Brasileiro…Oba! – De Neide Veneziano. Editora Unicamp (Cidade Universitária, Caixa Postal 6074, Campinas-SP, CEP 13083-970, tel. 19 788-2170). R$ 22,00.

VALMIR SANTOS

São Paulo – A peça começa simbolicamente com a ‘‘crise do espetáculo”. Em cena aberta, Marco Nanini disponta da platéia en­carnando o seu Sr. Jordain, o “burguês ridículo” do título. Dai para frente, o que se tem é uma sincera homenagem ao teatro, à comédia especificamente, representada pela verve de Moliè­re. É o ator Molière, mais do que o dramaturgo francês do século 17, que dá o ar da graça em “O Burguês Ridículo”.

Guel Arraes e João Falcão, vindos de humorísticos da tele­visão, experimentam a arte da direção e, de quebra, respondem pela adaptação. Tomam como ponto de partida “Burguês Fidalgo” e acrescentam trechos de outras peças de Molière, como “As Sabichonas” e “As Preciosas Ridículas”. Tal cruzamento resulta em um texto que preser­va muito da comédia francesa da qual Molière é estrela-mor.

Claro, um texto originário de Molière não pode trair a crítica de fundo social e político. Não é à toa que o autor é levado aos palcos brasileiros com tanta fre­quência. Ri-se da hipocrisia familiar; ri-se da jogatina política; ri-se da escassez ética. Ri-se, em Molière, com um gostinho amar­go de realidade. Como se três sé­culos não houvessem passado.

Na direção, Arraes e Falcão depositam tudo no ator. Para tanto, têm um elenco afinado com a proposta cênica. Nanini encabeça com sua notável presença de palco, já conhecida de montagens anteriores. Aliás é uma surpresa agradável identi­ficar a coerência do trabalho deste ator. Cita-se a irresistível montagem de “O Mistério de Ir­ma Vap” ou a recente “Kean”. Nanini está sempre metido no teatro dentro do teatro. É uma condição que só a maturidade propicia aos grandes atores.

“O Burguês Ridículo” tem ainda a figura impagável de Ary França como Dorante. O sangüessuga fiel do Sr. Jordain é um dos melhores papéis da carreira deste comediante. Seja no drama “Édipo Rei”, sob o vôo dionisía­co de Renato Borghi, seja na di­vertida “O Doente Imaginário”, com Cacá Rosset, França domina plenamente as nuanças de cada personagem. Nele, o público sempre vai encontrar o esforço criativo, o empenho pela verdade interpretativa.

Outro destaque é a emprega­da Nicole de Betty Gofman. A a­triz coloca corpo e voz a favor da caricatural. Mas não o faz gratu­itamente. Ao contrário, vai no li­mite de ser ridícula na acepção pejorativa do termo. O trabalho de Betty e a relação entusiasmada do público com sua personagem confere um status merecido pa­ra ela que também se entrega com risco e competência.

É um grande espetáculo, com atuações marcantes. Uma noite com os comediantes do rei, com a cenografia majestosa e não-empolada de Fernando Mello da Costa, mais os figuri­nos clássicos e leves de Emília Duncan, enfim, uma noite com essa trupe resume-se a um en­contro com um teatro levado a sério em suas mínimas exigên­cias.

O Burguês Ridículo – Adaptação da obra de Molière. Direção e tradução: Guel Arraes. Tradução: José Almino. Com Bruno Garcia, Dora Pellegrino, Oberdan Junior, Virgínia Cavendish e outros. Sexta e sábado, 21h; domingo, 18h. Teatro Cultura Artística/Sala Esther Mesquita (rua Nestor Pestana, 196, Centro, tel. 258-3616). R$ 25,00.

“As Sereias” mergulha no “telebesteirol”
 

Mas a atualização aponta para um ratamento interpretativo mais direcionado

São Paulo – Muito do espí­rito besteirol se perdeu nos últimos tempos. Não se tem mais aquela ingê­nua irreverência, o susto do im­proviso, a língua ferina. A des­pretensão lavada do seminal grupo Asdrúbal Trouxe o Tram­bone, na carona da abertura po­lítica do País, deu o tom do hu­mor nos palcos brasileiros no i­nício dos anos 80. Agora, resta o consolo televisivo de alguns resquícios em “Casseta & Pla­neta”, por exemplo.

O esforço é grande no teatro, mas parece que tanto a platéia quanto os atores estão sendo tolhidos pela imaginação catódica. Ou seja, o que se vê resvala mui­to na novela das sete. O que não chega a comprometer o entrete­nimento, diga-se de passagem. Atende à espectativa do público, ávido por uma deixa, por uma gag que lhe faça cócegas.

Quando ainda não sofria o bombardeio midiático ao qual se submete atualmente, Miguel Falabella chegou a dividir a cena com Guilherme Karam em “As Sereias da Zona Sul”. Era um texto que ele escreveu a quatro mãos com Vicente Pereira, o au­tor de “Solidão, a Comédia”. Adaptada agora, dez anos depois, para as duas ótimas atrizes Rosi Campos e Zezeh Barbosa, a pe­ça é sintomática da comédia destes anos 90.

Sim, há um pouco do Asdrúbal (Regina Casé, Luiz Fernan­do Guimarães). e de Dercy Gonçalves nas interpretações. Mas a atualização aponta para um tra­tamento interpretativo mais di­recionado.

Escolada em humor radical, Rosi Campos é uma “sereia” que não ousa avançar, se atirar ao mar do riso que captura pela es­sência. Nem no átimo de uma fa­lha, quando a sonoplastia não sintoniza com um gesto seu exa­gerado. Mesmo o pequeno escor­regão não a lança para a formidável contribuição dos erros em se tratanto do exercício de divertir.

Na adaptação do texto que a­gora dirige, Falabella investe no contraponto entre Rosi e Zezeh Barbosa. Esta é dona de uma a­tuação histriônica, popular – lembra uma Dercy, um Grande Othelo. Zezeh provoca empatia imediata. Ela se destacou no musical “O Mambembe”, uma incursão pouco convincente de Gabriel Villela pelo gênero. Fa­labella assistiu à montagem e a escalou para a sua novela “Salsa e Merengue”.

Dificilmente “As Sereias…” funcionaria com outra dupla. Rosi e Zezeh são perfeitas para as quatro esquetes. A melhor, disparada, é aquela na qual in­terpretam duas socialites em uma sauna. Descascam impro­périos contra a ralé, até que as personagens são “castigadas” no desfecho hiláno.

Hildinha ou Ivete, entre ou­tras, as mulheres de Rosi e Zezeh se esmeram na mesquinhez. Elas passam rímel no terceiro olho, resumem suas vidas numa edição de bolso e soltam pérolas como: “Sou uma mulher que só pensa quando está maqueada”. No ou­tro extremo, a peça visita a angústia existencial de uma poeta, que se sai com a espantosa frase-síntese do mundo contemporâ­neo: “A única porta secreta é a que nos separa de nós próprios”.

A dobradinha Falabella-Vi­cente Pereira resultou em diálo­gos ligeiros, como convém à co­média. Falabella trouxe o texto para o presente e contextuali­zou os papéis femininos, respei­tando o entretenimento. O críti­co não assistiu à versão mascu­lina de “As Sereias…”, mas sus­peita que ambas correspon­deram à qualidade cênica de sua época. Hoje, esse que pode ser chamado de “telebesteirol” é mais um dos frutos deste fi­nal de século acelerado. Feliz­mente, a compactação ainda não estancou de vez a arte do ator que Rosi e Zezeh sabem fa­zer valer em cena. Apesar de tudo.

As Sereias da Zona Sul – De Miguel Falabella e Vicente Pereira. Direção: Falabella. Com Rosi Campos e Zezeh Barbosa. Quinta a sábado, 21h; domingo, 19h. Teatro Hilton (rua Ipiranga, 265, Centro, tel. 259-5508). R$ 20,00 e R$ 25,00 (sábado). 80 minutos. Estacionamento gratuito na rua Epitácio Pessoa, 75.

VALMIR SANTOS

São Paulo – Maria Adelai­de Amaral é a veia femi­nista da dramaturgia bra­sileira. Há 20 anos, a au­tora reflete em seus textos sobre a condição da mulher no mun­do: a família, o amor, o preconceito social… São muitos os ân­gulos. Em “Inseparáveis”, ela volta à carga com um dos espe­tábulos mais contundentes da carreira.

As personagens Maria Regi-na e Ana estão na faixa dos 40 anos e como que passam a lim­po a vida. O reencontro aconte­ce depois de anos sem se verem. Ao rememorar os primeiros mo­mentos daquela amizade, com certa nostalgia, elas acabam também encontrando o chão da realidade em que vivem.

Maria Regina está decidida a romper um casamento de 25 anos. Ana, já divorciada, vem de uma frustração amorosa com homem mais novo. É dessa gangorra paradoxal entre um passarinho nas mãos e muitos voando que se dá os conflitos e as intersecções. A autora de “In­separáveis” proporciona ao pú­blico um mergulho na alma das personagens tão comuns em seus anseios de felicidade, em suas misérias amorosas, em seus apegos à esperança.

“Eu nunca me apaixonei por ninguém, nem pelo meu mari­do”, garante Maria Regina. Nos últimos anos, o único prazer pa­ra ela, na hora do ato sexual, éespremer os cravos nas costas do marido insensível. “Você não imagina o quanto este País é implacável com as mulheres como a gente”, dispara Ana. Se uma moça de 25 anos é considerada “velha” para certas carreiras, o que dirá uma mulher de seus 40 anos. Maturidade e vivência são descartadas por uma regra per­versa de mercado.

Mas Maria Adelaide Amaral não se furta ao humor. Por mais que a temática seja dura — mas necessária -, a escritora respinga um senso cômico em suas per­sonagens. Para arrematar, intro­duz um homem na história. Gu­to, o marido abandonado por Maria Regina, acumula os cha­vões machistas, as chantagens de cama, o blablablá comum de quem não é capaz de perceber a infelicidade da companheira.

Casamento, solidão, orgasmo fingido, menopausa – um texto com tal abordagem existencial requer atrizes de peso. Irene Ra­vache (Maria Regina) e Jussara Freire (Ana) sustentam cerca de duas horas de espetáculo com uma harmonia espantosa. As du­as expõem suas personagens com conhecimento de causa. As nuanças das falas, o repertório gestual, a emoção em estado bru­to – enfim, trata-se de um casa­mento orgânico e introspectivo com Maria Regina e Ana.

O contraponto Guto também é encarnado com talento por E­duardo Conde. Sua imagem de canastrão é perfeita. Suas súpli­cas para ter a mulher de volta são impagáveis. Diz que vai “morrer de tristeza’’; recomenda tratamento contra “frigidez”. Quando se convence de que Ma­ria Regina não voltará atrás, então tira a máscara do ridículo e avisa que vai arranjar uma garo­ta novinha para desfilar por aí.

A direção de José Possi Neto aposta exatamente no potencial de Irene Ravache e Jussara Frei­re. É um texto que gira em torno da amizade e isso fica muito pa­tente em cena. A cenografia de Felippe Crescenti transcende a sala-de-estar, figurinha carim­bada nas montagens das peças da autora.

“Inseparáveis” mostra que a virada na vida independe da ida­de. Sob a premissa da felicida­de, da paz consigo, toda e qual­quer movimentação que se faça é sagrada. No texto e na inter­pretação, paira um sentido de -humanidade que se fixa na mu­lher pelo enfoque, mas no fundo não tem sexo.

Inseparáveis – De quinta a sábado, 21h; domingo, 19h. Teatro Faap (rua Alagoas, 903, Pacaembu, tel. 824-0104). R$ 20,00 e R$ 30,00 (sábados). 90 minutos. Até setembro.

“Filhas de Janete Clair” faz autocrítica
 

Homenageando a telenovela, a comédia traz dois atores no papel de comadres hilárias

São Paulo – Telenovela, essa paixão nacional, ganha uma bela homena­gem em “As Filhas de Janete Clair”. Trata-se de um pro­jeto antigo do ator Armando Fi­lho, noveleiro confesso que já contabilizou ter assistido a 271 tramas na televisão. Ele convi­dou Jandira de Souza para desenvolver a pesquisa e finalizar o texto. Em cena, estão o pró­prio Armando e Fausto Franco nos lpapéis de Corina e Delaide.

As personagens simples­mente acompanham novelas desde a primeira produção bra­sileira, “2-5499 Ocupado”, exibida pela extinta TV Excelsior, em 1963. Daquela história pro­tagonizada por Tarcísio Meira e Glória Menezes, 34 anos atrás, até os avançados anos 90, a peça conta a trajetória da amizade en­tre Corina e Delaide.

Elas fizeram das novelas das seis, das sete e das oito a história paralela de suas vidas. Muito se fala do poder encantatório dos folhetins eletrônicos e da imi­nente solidão que se esconde por trás do fenômeno. A monta­gem materializa essa constata­ção no palco, onde o público ri e se emociona com as peripécias daquelas cinqüentonas hilárias.

Os perfis são emblemáticos. Corina não tira Carlão da cabe­ça desde que assistiu à cena fi­nal de “Pecado Capital” (1976). O corpo estendido em plena o­bra do rnetrô carioca, coberto por jornais, e ainda por cima enlutado pela canção de Paulinho da Viola (“Dinheiro na mão é vendaval/É vendaval/Nas mãos ­de um sonhador…”) foi transposto da ficção para a realidade da personagem. Desde então, Corina não teve outro homem, ­amargando uma angústia infinita. Mesmo com o surgimento de ­outros heróis, de outros galãs, continua infeliz.

Delaide aparenta maior tato­ com a vida. Assimila modas e trejeitos que de tempos em tempos as novelas soltam. Experi­mentou o casamento, mas o marido morreu. Viúva, foi à luta, mas só teve decepções.

­“As Filhas de Janete Clair” é uma homenagem, sim, como se disse. Mas enseja também uma autocrítica. Não fosse a novela, a que Corina e Delaide poderiam se apegar? Quantas pessoas, Brasil afora, não se alimentam dos mesmos sonhos e padecem dos mesmos sofrimentos? Sonhos e sentimentos alheios, mas tão próximos, tamanha a identificação com os personagens.

De volta à montagem, o que se tem é uma verdadeira antologia televisiva no palco. Corina  e Delaide se encontram para assistirem juntas ao último capítulo de “Vale Tudo”. Como todo o Brasil, elas também querem sa­ ber quem matou Odete Roit-man, a céebre personagem de Beatriz Segall. É nessa noite que se desenrola a história da peça.

Elas têm brincadeiras próprias, voltadas para as novelas. A cada palavra-chave, simulam personagens globais, remetendo a cenas que acompanharam em outras épocas. São citados tipos como Nono Corrêa, Dona Xepa, Perpétua e Viúva Porcina. As falas, as imagens de artistas projetadas em slides e as cenas em que brincam de intérpretes, com direito a figurinos e caracterizações, enfim, tudo soma cerca de150 referências a novelas.

O bombardeio de informações se instala sem enfado. A história flui de forma que mesmo os não-noveleiros acompanhem seu ritmo. Não se descarta a ficção em nenhum momento. A “realidade” das novelas é ínserida sem prejuízo da magia teatral.

As atuações de Armando Filho e Fausto Franco são responsáveis em grande parte por isso. Em especial Armando. Sua Corina é lapidada no tom de voz, no tratamento delicado da emoção. Fausto, como o próprio papel pede, é mais expansivo, exagerado. Ambos têm sua graça e conquistam a empatia do público logo no início, quando surgem metidos em vestidos floridos.

Na direção, Eduardo Silva (atuando em “Os Reis do Im­proviso”), tomou cuidado em não caracterizá-los como travestis. O que se vê são duas mu­lheres em cena, com seus cacoetes, suas crisesinhas. Há também alguns números musicais, sob direção de Gustavo Kurlatm acentuando a leveza do espetáculo. A trilha sonora, assinada por Aline Meier, é um capítulo à parte, trazendo temas de novelas. Lembra-se de “Rock’n Roll, Lulaby”, interpretada por B.J. Thomas em “Selva de Pedra”? Está lá…

A cenografia de Marisa Re­bollo tipifica milhares de lares dos brasileiros. O sofá a poucos centímetros da televisão, a cozinha, os quadros de artistas nas paredes. O projeto de “As Filhas de Janete Clair” tem o mérito de tratar com inventividade um assunto tão enraizado no imaginário nacional. Não é à toa que na estréia, no final de semana passado, o espetáculo teve sessões extras, por causa da empatia do público. Uma montagem simples e com a força que só o teatro pode ema­nar.

As Filhas de Janete Clair – De quinta a sábado, 21h; domingo, 20h. Teatro Brasileiro de ComédiaAssobradado (rua Major Diogo, 315, Bela Vista, tel. 604-5523 e 606-4408). R$ 10,00. 75 minutos. Até 31 de agosto.

VALMIR SANTOS

O Festival Ibero-Americano do Teatro de Cádiz, na Espanha, chega à sua 12ª edição com os cofres em baixa. Para se ter um idéia, a principal porta do teatro latino na Europa tinha, cinco anos atrás, um orçamento de US$ 2 milhões. Para a edição de outubro próximo – entre os dias 16 e 15 -, a organização conta apenas com US$ 350 mil. “O Festival de Cádiz é como a própria arte do teatro, que sempre dizem que está em crise”, raciocina o diretor artístico do evento, o espanhol Pepe Bablé. “Oxalá sempre esteja, porque a vida é crise”. Ele acompanhou o Festival de Teatro de Curitiba, em março, e conversou com O Diário.

Lançado e 1975, o Festival Ibero-Americano de Cádiz nutriu sua importância histórica abrigando os principais grupos da vanguarda de teatro latino. No final dos anos 70, início dos 80, havia uma acentuação política. O engajamento explícito tinha seu espaço de expressão contra os regimes autoritários em voga em muitos países.

“Era uma época áurea, de redescobrimento do teatro, e tínhamos muito apoio”, lembra o organizador. Essa perspectiva de palco militante foi diluída com a queda de todos os muros. A partir dos anos 90, a cidade turística de Cádiz bateu de frente com uma “agonia econômica” que se estende até os dias de hoje.

Se depender deste homem que carrega o teatro na veia – seus descendentes familiares fundaram a companhia de bonecos mais antigos do mundo, a espanhola La Tia Norica (1750), a qual ele segue dirigindo -, o festival vai dar a volta por cima.

“Não vamos jogar a toalha”, promete Bablé. Além da prefeitura de Cádiz, o festival tem apoio do Ministério da Cultura da Espanha, da Junta de Andaluzia e da universidade local, entre outros organismos.

Para a edição deste ano, a intenção é reunir grupos de seis ou sete países (no ano passado, foram nove). Do Brasil, está praticamente fechada a apresentação da peça “Deadly”, com o grupo No Ordinary Angels, encabeçado pelo ator Rodrigo Matheus e por uma atriz da Nova Zelândia. Foi dos espetáculos que Bablé mais admirou em Curitiba – cita também “Tristão e Isolda”, de Enrique Diaz e sua Cia. de Atores do Rio de Janeiro.

A programação inclui ainda o segundo Congresso Ibero-Americano do Teatro, com enfoque para o teatro pedagógico. Serão 12 dias de reflexão, “um escritório vivo e orgânico do teatro latino”, acredita Pepe Bablé. Todo ano, Cádiz realiza uma mostra temática sobre determinado país. A intenção é apresentar um leque cultural e artístico, com exposições, shows, peças, etc. No ano passado, a Colômbia foi contemplada. Neste, quem ganha destaque é o México. Ano que vem, o Brasil deverá ganhar a sua vez – pelo menos é a intenção de Bablé.

Uma característica muito importante do festival é a celebração do encontro entre os grupos. “A gente promove um contato de pele, de união, de troca sobre a arte da representação”, afirma o organizador. Comparado ao aparato empresarial de eventos como o de Curitiba, por exemplo, Cádiz é provavelmente o último dos festivais românticos. Não no sentido depreciativo d termo, caduco mas no que propõe como alicerces básicos; a pesquisa da linguagem cênica, idiomática, um diálogo com todo o continente.

Bablé quer ir mais longe. Sonha com a transcendência da concepção do teatro. Deseja uma “casa do teatro latino-americano”. É uma visão antropológica. “O homem nunca pôde abandonar sua terra; é preciso cultivar Cádiz pelo resto da América”, argumenta Cádiz. De fato, é a mais americanizada das cidades européias. A cidade possui 150 mil habitantes e 30km de praias.

Cabeça e, por extensão, coração do festival Bablé foi autor durante 21 anos. Agora, cuida da direção da La Tia Norica. No ano passado, ele montou “El Montaplatos”, Herold Pinter. Para o próximo, quer levar ao palco uma peça do dramaturgo francês do momento, Berrnad Koltès, que explora a violência urbana deste final de século.

Quando à mostra que conferiu em Curitiba, Bablé identifica um predomínio do papel do diretor. “Desaparece o ator e o público sai prejudicado, porque precisa de uma comunicação mais de pele, direta”, raciona. Para ele, o teatro tem poder de fogo para impactar e comover revelando que o mundo não está tão bem como a mídia anda pintando por aí. “O autor tem esta força da palavra e a gente precisa ir ao teatro escutar a palavra viva e não ser inválido pelas imagens, como acontece atualmente.”

Viotti dramatiza a arte do encontro

O dramaturgo Plínio Marcos comemorou seus 40 anos de teatro com uma conversa-espetáculo. Surgia como ele é, sem qualquer resquício de distanciamento (como maquiagem, figurino ou iluminação estilizada). Não havia personagem que não ele mesmo, em luz geral, texto improvisado. Agora o veterano Sérgio Viotti, 36 anos em cena, vai por um caminho semelhante, no qual o público pode perder um entretenimento convencional, mas ganha na saudável transferência da oralidade que o tempo humano se incumbiu de escantear aos poucos. E, outro detalhe, no mesmo palco da Cultura Artística.

Por mais que se queira acentuar a interpretação, a magia do vão público-espetacular, Sérgio Viotti é um personagem de si mesmo em “Humoresque”, espetáculo que tem um fundo autobiográfico encerra hoje a sua participação na atual temporada teatral paulistana.

Seu diretor, Dorival Carper, o deixa bastante à vontade. Paletó e gravata, em tom formal, um humor quase britânico – aliás, que tem um quê de Hitchcock que deixa um suspense no ar -, Viotti vai citando amigos como Sofia, Luci, Agenor, enfim, personagem das suas reminiscências que se tenta transmitir ao espectador.

Ainda esboça uma nuance de voz, uma expressão corporal, sutil – mas todos os tipos, sem a pretensão do humor rasgado, apresentam poucas variações. “Depois dos 50, sempre a gente acorda com uma coisa doente”, conta Viotti – narrador, com uma pitada de sarcasmo. A intenção é sempre pela via do humor.

Sérgio Viotti é homem de palco, de televisão. Usa toda sua versatilidade, apesar de alguns limites da idade. É um proseador que explora os recursos faciais e gestos pequenos, sempre circunscrito ao miolo do tablado. Ali, em pé ou sentado, ele comanda o bate-papo, relatando seus “causos”.

“Humoresque” celebra o encontro. Um artista veterano que soube lavar o ofício com amor e dedicação. Com coragem e disposição para superar muitas coisas e chegar à condição de criar seu próprio personagem, sem precisar de máscara. Talvez esteja aí o ápice para quem vive do (e para) o teatro.

Humoresque – Texto e interpretação: Sérgio Viotti. Direção: Dorival Carper. Última sessão hoje, 18h. Teatro Cultura Artística (rua Nestor Pestana, 196, Vila Buarque, tel. 258-3616). R$ 20,00. 60 minutos.
 

Bill T. Jones globaliza os movimentos
 

Coreógrafo passou por São Paulo na semana e impactou com magia da sua dança universal

Os bailarinos da companhia atingem, durante a apresentação, uma universalidade de gestos e movimentos que não o identificam geograficamente. São bailarinos do mundo. A companhia do coreógrafo norte-americano Bill T. Jones dançou em São Paulo, na semana passada, e deixou seu recado de globalização da dança, capitalizando-a com moeda humana.

A estréia, numa noite tumultuada, marcada por atraso de uma hora, tinha tudo para atrapalhar. A tensão do público foi convertida em energia logo que abriram-se as cortinas do Teatro  Sérgio Cardoso, por conta da atuação de Miguel Anaya e Christian Canciani em “Soon” (1988).

Síntese

Na coreografia seguinte, “After Black Room” (1996), a companhia Bill T. Jones/Arnie Zane parece sintetizar seu momento atual. Os corpos mergulhados em penumbras e cores desenham um vocabulário de muita introspecção. É um trabalho que exala a dor no que ela tem de pulsão de vida.

Bill T. Jones, soropositivo, que perdeu o companheiro Arnie Zane, vítima de Aids, sabe como ninguém do que está tratando. Toda a sua dança tem essa perspectiva de urgência, de finitude. O coreógrafo não tem tempo a perder e quer viver até o infinito.

Uma coreografia, “Lisbon” (1977), por conta dos percalços técnicos que impediram a afinação da luz, acabou sendo excluída da programação da primeira noite. O encerramento se deu com “Some Songs”, em que o grupo vai num crescendo, num jogo de luz e música, até provocar a catarse na comunhão com o público.

A essa altura, pouco mais de meia-noite, só restou aplaudir e ovacionar os rapazes e garotas de Bill T. Jones, tão próximos do Brasil quanto da África ou Estados Unidos, o berço deles. O coreógrafo subiu ao palco, juntou-se ao elenco e foi reverenciado de pé pelo público. É um gênio do movimento.

VALMIR SANTOS

VALMIR SANTOS