São Paulo – O fantasma do irlandês Oscar Wilde (1854-1900) continua puxando a coberta das seciedades hipócritas e ditas pu­ritanas. Há 102 anos, o escritor irlandês foi julgado e condena­do a trabalhos forçados por comportamento “pervertido e homossexual”. Até os dias de hoje, a sentença histórica serve como símbolo da luta pela liber­dade sexual. “Oscar Wilde”, o monólogo interpretado por Eli­as Andreato, expõe uma “carta” do autor de “O Retrato de Dori­an Gray” despachada ao seu a­mante e, mais abrangentemente, à sociedade que condenou.

Despachada entre aspas. Wilde nunca a enviou. Lorde Alfred Douglas, ou Bosie, como tratava o jovem por quem se a­paixonou, faltou com a recipro­cidade quando o caso desse “a­mor que ousa dizer seu nome” veio à tona. Chegaram ao co­nhecimento do marquês de Queensberry, pai daquele belo rapaz, correspondências na qual o remetente tecia loas ao desti­natário do tipo “Tu és a coisa di­vina que eu desejo”.

Foi um escândalo para a épo­ca. Julgado numa Londres mo­narca, meca do conservadoris­mo de então, Wilde não teve a­tenuante. Ainda mais porque dono de língua afiadíssima, tão cruel e espantosamente sensata com as vicissitudes humanas (leia, nesta página, diálogo in­defectível com o promotor). Custou-lhe dois anos vendo o sol nascer quadrado, submetido a trabalho forçado.

No monólogo em cartaz na ironicamente intitulada Sala Vi­toriana, do Stúdio Cristina Mutarelli – um novo, pequeno e a­conchegante espaço na Capital -, temos a palavra de Wilde embalsamada pelo corte refratá­rio às regras de uma falsa moral.

Em menos de uma hora, as frases se amontoam e parecem não caber mais no palco/cela diminuto. O público de cerca de 20 pessoas, lotação máxima, es­pia as deduções cristalinas de Wilde quanto ao que há de mais comezinho numa relação opres­sora.

Frasista contumaz, o autor de “A Importância de Ser Pru­dente” e “Salomé”, estilhaça com lascívia e sem complacên­cia. Exemplos:

“Nunca adorei ninguém, a não ser a mim mesmo.”

“Porque todos os homens matam o que amam mas nem to­dos morrem por amor?”

“A arte só começa onde ter­mina a imitação.”

“Estamos no país dos hipó­critas.”

“A arte não deve aspirar ao público; é o público quem deve aspirar à arte.”

“Eis o resultado de tê-lo en­viado uma carta.”

São algumas das muitas fra­ses jorradas por uma interpreta­ção intensa de Elias Andreato. Ele domina o timming de cada fala. Se relaciona tranqüilamen­te com o pouco espaço que divi­de com uma poltrona, uma taça de alumímo, um varal… O ator, que vem de outro monólogo im­placável, “Van Gogh”, no qual mergulhava fundo na loucura sã, volta a atingir o equilíbrio neste “Oscar Wilde”, desta vez não necessariamente com tanta introspecção. Afinal, Oscar Wilde era de uma elegância de um dândi.

Viven Buckup, a preparado­ra corporal que vem se dando muito bem na direção (“Para Sempre” e “Cenas de Um Casamento”), consegue aqui, mais uma vez, desfocar a montagem da figura predominante do dire­tor. Quanto menos aparece, mais se percebe o trabalho de Vivien, que parece dialogar com tranqüilidade com seus atores.

Atuação e texto harmonizam de tal forma que resta a limpi­dez do verbo ecoando nas quatro paredes – contando a imaginária. Quando mede o tempo pelo “latejar da dor”; quando condena a superficialidade das relações, sejam heteros (o casa­mento com Constance, aos 30 anos, foi para ele uma decepção) ou homossexuais; quando condena a unanimidade burra da o­pinião pública; quando ridicula­riza a imprensa sensacionalista; enfim, quando raspa lá dentro de si para transformar bílis em poesia, Oscar Wilde, via Andre­ato, não reivindica outra coisa que não a supremacia do belo sobre o sofrimento – aquele como conseqüência deste.

Uma ode à condição de artis­ta numa época tão adversa – é­poca que se reproduz em novos códigos, de quando em quando -, “Oscar Wilde”, o monólogo, lapida a emoção com poder arrebatador de transferência. O autor, o ator e a cenografia do talentoso Namatame suspen­dem o tempo e o espaço e transpõem o espectador para aquele lugar nenhum em que o pensa­mento é banhado pela luz e pelo silêncio.

Oscar Wilde – Adaptação e interpretação de Elias Andreato. Direção: Vivien Buckup. Sexta e sábado, 21h30; domingo, 20h. Studio Cristina Mutarell (avenida Nove de Julho, 3.913, Jardim Paulista, tel. 885-7454). R$ 15,00. 20 lugares. Até 28 de setembro.

‘O Homem e a Mancha’ leva à introspecção

 São Paulo – Caio Fernando Abreu, um dos nomes mais importantes da literatura brasileira contemporânea, autor de “Morangos Mofados”, tam­bém se inclinou para o campo da dramaturgia. Faz pouco tem­po, estava em cartaz na Capital “A Maldição do Vale Negro”, um melodrama. Antes de mor­rer, em 1995, ele deixou pronto “O Homem e a Mancha”, mo­nólogo interpretado agora por Marcos Breda, sob direção de Luiz Arthur Nunes, ambos con­terrâneos e amigos de Abreu.

Morto em decorrência da Aids, o autor consegue exorcizar a doença sem mencioná-la. Pre­fere enveredar pelos labirintos da literatura, especificamente da dramaturgia, para produzir um texto que diz respeito ao momen­to pelo qual estava passando. “O Homem e a Mancha”, ao mesmo tempo, constitui um exercício instigante de introspecção.

Abreu remove a máscara e pede um ator despido de perso­nagem. A história começa as­sim. Aos poucos, o ator, no caso Breda, ingressa no universo de Miguel Quesada, agora sim no plano da ação propriamente tea­tral. Quesada é um aposentado que abdica de viver e decide se manter recluso em sua casa – um distanciamento comparado a Proust ou Onetti, citados inclu­sive. Romper com o mundo lá fora é o cúmulo da interioriza­ção; do voltar-se para si como ú­nica forma de manter-se agarra­do ao fio da vida que resta.

O movimento de Quesada, um delírio em que tempo e espa­ço se deslocam a todo instante, deixa explícito a convivência de Caio Fernando Abreu com a do­ença. As crônicas, publicadas no jornal “O Estado de S. Pau­lo”, prenunciavam o transborda­mento da sensibilidade.

Não, “O Homem e a Man­cha” não é uma efeméride. Pos­sui estrutura dramatúrgica, traz no cerne um libelo à arte da interpretação – o ator perde sua neutralidade para o persona­gem, e depois a recupera ao fi­nal; mas nunca se sabe onde co­meça uma ou termina outra.

Marcos Breda tem um de­sempenho comovente, uma en­trega total ao texto. Com toda a pobreza dos recursos de ceno­grafia e iluminação, à la Eugê­nio Barba, sobrepõe-se o seu trabalho de interpretação. Na Sala Minam Muniz do Teatro Ruth Escobar, o espaço peque­no empresta maior visceralida­de na aproximação com o pú­blico.

O diretor Luiz Arthur Nu­nes pretende esse despojamen­to, como indica o espírito da o­bra de Abreu. Nessa pulsão o­nírica, em que vírus e imagina­ção se confundem, “O Homem e a Mancha” confessa a necessidade do outro. A chance de compartilhar com familiares e amigos, principalmente com a criação literária, foi um alento para o escritor e dramaturgo gaúcho.

O Homem e a Mancha – Sexta, 22h; sábado, 21h; e domingo, 20h. Teatro Ruth Escobar/Sala Miriam Muniz (rua dos Ingleses, 209, Bela Vista, tel. 289-2358). R$ 15,00. Até 28 de setembro.