São Paulo – Ainda com as imagens daquele velhinho bailando no palco, o crítico sai de casa, na manhã seguinte à estréia, quarta-feira passada, de “Caminho no Céu, Caminho na Terra” (Tendoh, Chidoh). Subia uma ladeira, quando deparou com um belo quadro da natureza: um arco-íris çoberto parcialmente por nuvens cinzas. O vento anunciava chuva. Esse contraponto entre as cores primitivas e a escuridão de nimbos acabou revelando, no fundo, um cadinho de compreensão da dança de Kazuo Ohno. Nas trevas e na alma, ele arrebata com seu corpo magro, a pele manchada pela velhice. Aos 91 anos, em sua terceira visita ao Brasil, Ohno continua semeando a palavra e o gesto em prol da ligação umbilical do homem com o universo que o cerca. Por mais que se busque uma teoria, uma nesga de lógica, o que dança e pulsa no butô do mestre japonês é a vida no que ela tem de essência e su­blime. O ser e estar como antena do cosmo.
 

“Caminho no Céu, Caminho na Terra” foi o primeiro dos dois espetáculos que ele dança na Temporada Sesc Outono 97. Acompanhado do filho, Yoshito Ohno, 58 anos, também estava progra­mado para apresentar, ontem e hoje, “Ninféias” (Suiren). As duas coreografias são inspiradas em pintores.
 

A primeira remete às serigrafias de Shohaku Soga, artista japonês do século 18. A segunda tem como referência a série “Lírios D’Agua” do francês Claude Monet.

Em “Caminho no Céu, Caminho na Terra”, Yoshito Ohno surge na platéia, caminhando em direção ao palco, com um vestido florido, uma plumagem azul despontando na cabeça careca – uma peculiaridade sua.
 

Fica evidente a presença de Yoshito como um vetor entre os dois caminhos abertos por Kazuo Ohno e Tatsu­mi Hijikata, os dois mentores da dança surgida no pós-guerra. Yoshito equilibra o Dionísio e o Apolíneo em seu corpo. Seu silêncio gestual transcende a noção de tempo e espaço. Tem o vagar do pai,  mas também a visceralidade do pai artístico, Hijikata.
 

Em seguida, Kazuo entra incorporando um persona­gem de uma das serigrafias de Shohaku Soga. Com cabelos esvoaçantes, espetados com varinhas de bambu, ele carrega uma vassoura de piaçava. A imagem é primitiva, como convém à perspectiva ancestral que o dançarino im­prime em toda a sua obra, di­alogando também com os mortos, além dos vivos.
 

Yoshito volta, agora todo de branco. As frestas do seu canal com o público não che­gam às comportas de Kazuo Ohno. O filho dança com uma interiorização sutil, que mais hipnotiza o olhar do que propriamente comove.
 

Kazuo Ohno agora aparece todo de preto, paletó, calça e um chapéu com rosa vermelha na aba. Seus gestos não são ex­pansivos como se verá logo de­pois, quando entra de vestido preto, também com chapéu, a­ludindo à sua personagem-mor, La Argentina. Foi em 1929 que o jovem Kazuo assistiu pela primeira vez à apresentação da bailarina argentina Antonia Marcé, La Argentina, que vi­veu na Espanha.
 

É aí, na comunhão do ho­mem, da mulher, da criança e do velho, enfim, que o mes­tre conduz todos para uma e­moção bruta, universal. Ka­zuo Ohno desconstrói um dos maiores mitos pop, Elvis Presley, dançando uma músi­ca romântica. Na hora do a­plauso, ganha uma rosa de uma espectadora. Se prosta, se joga no chão, não cabe em si de agradecimento, de doa­ção. Improvisa uma bis com a rosa na mão, trêmulo, vi­brante com a troca de ener­gia. E a vida, na síntese do butô, por um momento gira em torno daquela flor. A vida cabe ali como uma mágica.

São Paulo – O diretor Marco Antônio Braz co­meçou a dizer a que veio no ano passado, com “Perdoa-me Por Me Traíres”. A peça, montada à margem do circuito, num corredor espremido do In­dac, na Capital, aos poucos caiu no boca a boca e ganhou uma temporada de sucesso no Centro Cultural São Paulo. Braz, um dos novos nomes da atual gera­ção, e seu grupo Círculo de Comediantes, também jovens re­cém-formados, atravessam ago­ra um momento inusitado para quem vive de teatro. Estão em cartaz com três espetáculos:

“Viúva Porém Honesta”, “Artu­ro Ui – Essa Onda Vai Te Pe­gar!” e “Antonio Mora Recebe Fernando Pessoa”, este um mo­nólogo.
 

Inevitável a comparação. “Perdoa-me…” primou pela lei­tura assumidamente aberta do humor explícito de Nelson Ro­drigues, na maioria das vezes relegado ao porão da pornogra­fia. Braz chamou atenção pelo domínio do espaço cênico, horizontalizando a cena e dispondo público na sua lateral. Nada de novo, mas bem feito. Houve um trabalho acurado na preparação dos atores, com uma atuação marcante de Flávia Pucci no pap­el do tio neurótico apaixonado pela sobrinha sedutora.
 

Na nova visita a Nelson Rodlrigues, a sensação é de que o Círculo de Comediantes se encontra exatamente num circuito fechado. Ocupando o palco do Teatro Sesc Anchieta, mantém perspectiva de corredor em boa parte do espetáculo, ainda que diante de uma platéia convenc:ional, italianamente falando.
 

Quando os coros se desloc­am alegoricamente, de uma ponta a outra, como que cuspi­dos pelo gelo seco, o espectador sabe que já viu aquilo em algum lugar, especificamente em “Per­doa-me…”. Foram tantas as montagens neste “boom” de Nelson Rodrigues que mesmo sua “farsa irresponsável em três atos”, na fórmula que Braz e o Círculo repetem, termina en­trando num vácuo desalentador.
 

O diretor se preocupa tanto em solucionar o entra-e-sai nas laterais e centro, em “viajar no túnel do tempo com suas luzi­nhas, que termina pôr despreza­r a potencialidade do elenco. A decepção maior em “Viúva Po­rém Honesta” é um certo ranço amador-chique que disponta no grupo em certas passagens, a começar pela protagonista, Joa­na Curvo, a viúva Ivonete. A a­triz faz uma colegial bastante superficial. A transição entre a estudante ninfeta e a mulher e­picentro da história não seduz. Joana abusa dos trejeitos infan­tis. Ivonete, a viúva, é muito mais que isso.
 

Em outro extremo, porém, está o Dr. Lambreta (Claiton Freitas), exemplo de como fazer uso da caricatura sem descarac­terizar o personagem; ao contrá­no, fazê-lo crescer aos olhos do espectador.
 

Com a montagem mediana, resta contemplar o festival de frases-feitas que Nelson Rodri­gues dispara em sua peça raivo­sa, escrita logo depois da péssi­ma recepção de público e crítica a, justamente, “Perdoa-me…”. “Todas as mulheres sentam, por­que não minha filha”, começa o pai da moça, Dr. J.B. (Maurício Marques, esgarçante o tempo todo), poderoso dono de jornal.
 

E a verve nelsonrodriguea­na – não raro machista e pre­conceituosa -, concentra-se principalmente no trato com a crítica teatral. Criou um perso­nagem-alvo, Dorothy Dalton, gay que é levado à condição de crítico da nova geração, atrope­lado por um carrinho de sorve­te chiquea Bon. Freud, ou “Se­gismundo”, é espicaçado na pele de um psicanalista. A falsa hipocrisia da família, com seu “pudor bestial”, também não escapa.

Viúva Porém Honesta – De Nelson Rodrigues. Direção: Marco Antônio Braz. Com Círculo de Comediantes. Quarta a sábado, 21h; domingo, 19h. Teatro Sesc Anchieta (rua Dr. Vila Nova, 245, Consolação, tel. 256-2281). R$ 15,00. Até 29 de junho.
 

“Arturo Ui” perde com seu tom “hiper-realista”
São Paulo – A terceira mon­tagem em cartaz de Braz e do Círculo de Comedian tes é “Arturo Ui – Essa Onda Vai Te Pegar!” É a que dá um passo adiante em relação a “Perdoa- me Por Me Traíres”, marco da e­mergente trajetória do diretor e grupo. Volta o “corredor” desta vez no histórico Teatro Oficina, de Zé Celso e seu Uzyna Uzona. É ali que Braz e grupo parecem encontrar o seu ideal estético.
 

“Arturo Ui” busca a consa­gração do espaço, a veemência do Uzyna Uzona em “Ham-Let” ou “Bacantes”, por exemplo. A angústia da influência de Zé Celso em Braz fica na intenção. O discurso e a prática são outros quinhentos.
 

O anti-capitalista Brecht faz em seu texto original, “A Resis­tível Ascenção de Arturo Ui”, mais uma dura crítica ao regi­me, centrando fogo no embrião autoritário que culminaria com Hitler na Alemanha nazista. Uma máfia do Bronx, bairro norte-americano, corrompe simples plantadores de couve-flor, bem como os comerciantes e o cartel que estão por trás dele.
 

Tal relação inescrupulosa, uma máquina de moer seres hu­manos em troca do lucro, serviu de parâmetro para adaptação de Valderez Cardoso Gomes. Por assimilação, portanto, a monta­gem toca em CPI, nhenhenhén, PM de Diadema e por aí vai. Ar­turo Ui, o personagem princi­pal, é um gangster nato, um He­rodes ou Stálin dos tempos que correm. Movido por ambição desmessurada, domina de gran­des comerciantes, como Totó Fidélis, “70 anos de honestida­de”, até pobres quitandeiros, re­produzidos aqui como sem-ter­ra.

A atualização-estilização in­clui, ainda, a música-tema de Batman, um rap de Thaíde e DJ Hum ou uma abertura de antigo programa de um antigo progra­ma de desenho infantil (“… do que caubói que dá cem tiros de uma vez”).
 

Estilização talvez não seja bem a palavra, mas o espetácu­lo, ao final, dá sensação de que denuncia a violência por denun­ciar. Retrata a realidade com muita intenção de fidelidade, a ponto de exibir trechos da ação de PMs em Diadema. Esse o­portunismo instantâneo, de as­sociação imediata com os acontecimentos, têm efeito contrá­rio, tiram impacto.
 

O que vemos é reproduzido com tamanha riqueza de deta­lhes que uma arma na cabeça de uma sem-terra, indefesa, não vai além do óbvio; não acres­centa. Predomina essa “hiper-realidade” que apaga o épico brechtiano, mesmo nesta fábula, a favor de uma tradução urbana, aqui-agora à décima potência.
 

Ainda assim, em “Arturo Ui” vislumbra-se um diretor mais coerente, intérpretes mais entregues. Guilherme Kwasinski, por exemplo, no papel-título, parece buscar inspiração sobretudo na linguagem dos quadrinhos. Chega a ela de forma sutil, sem a fragmentação estanque e com a elegância de um Noel Rosa, por mais que a equação seja ab­surda.
 

A cena em que um ator, den­tro da peça, ensina gestos e pos­turas “corretas” ao gangster­mor, para melhor se posicionar em público e dominar as mas­sas, acaba se revertendo numa homenagem ao teatro, evocando Shakespeare e seus fundamentais Júlio César e Titus Andronicus.
 

Na metalinguagem, o vídeo é avassalador. Uma das passagens é de uma brutalidade atroz: Num desses documentários mundo-cão, um homem tem seu braço arrancado à força, puxado por uma corda. O preço, aí, é al­to para o teatro: a imagem pren­de mais atenção do que a perso­nagem ensangüentada que cru­za o palco.
 

Entre o horror e a sabujice política, o submundo do crime e os refestelados da alta socieda­de, o Brecht de Braz, Círculo de Comediantes e adaptador de­monstra potencial para encantar e espantar muito mais do que os meros 90 minutos em que se es­força para entreter e entreter – dado o acento musical.
 

E a “fábrica” Braz não pára. Em julho, o diretor estréia no Rio de Janeiro um novo Nelson Rodrigues, “Beijo no Asfalto”, com a excelente Flávia Pucci no elenco. 
 

Arturo UI – Escola Onda Vai Te Pegar! – Adaptação de Valderez Cardoso Gomes para o texto de Bertolt Brecht. Direção: Marco Antônio Braz. Com Círculo de Comediantes. Quinta a sábado, 21h; domingo, 20h. Teatro Oficina (rua Jaceguai, 520, Bela Vista, tel. 606-2818). R$ 10,00. Até 10 de junho.
 

Montagem sobre Pessoa é como uma piada mal contada

São Paulo – Fernando Pes­soa (1888-1935) é um fe­nômeno. Os versos do po­eta português e seus heterôni­mos (Alberto Caeiro, Ricardo Reis e Alvaro de Campos, os principais) continuam, nos dias de hoje, atraindo multidões. En­cabeça, por exemplo, a lista dos livros de bolso mais vendidos recentemente, provando veio popular escondido nas entreli­nhas do nacionalismo místico e do sebastianismo que povoam sua obra.
 

Para espantar ainda mais o desassossego, o diretor Marco Antônio Braz e o ator Maurício Marques escreveram um monó­logo que “brinca”, como eles di­zem, com o poeta.
 

De fato, “Antonio Mora Re­cebe Fernando Pessoa”, o texto, é direcionado para a comédia. Médium português quer “incor­porar” o poeta, mas só consegue trazer à tona os seus heterôni­rnos. A história, em si, é engraçada mas a montagem carece de apelo. Como uma piada mal contada.Também no elenco de “Viúva Porém Honesta”, com o mesmo grupo Círculo de Comediantes, Márcio Marques não está à vontade em cena. Talvez seguindo concepção de Braz, cria uma dependência demasia­ia da resposta do público. Antes espera do que oferece.
 

Essa relação ficou evidente na sessão para menos de dez pessoas. Com a platéia vazia, Marques se vê encurralado com seus personagens. A cabana do médiun (personificado pelo heterônimo Antonio Mora, o “fi­lósofo” dentre os pessoanos), que deveria ser a “caixa mágica hermética”, não reflete nenhum encantamento. Ao contrário, serve simbolicamente de esconderijo.
 

Com uma interpretação con­tida – tipos que às vezes lem­bram espasmo do fantasma de Collor ou desses pastores tele­vangélicos -, enfim, Marques não sustenta o vôo para fazer o público decolar.

Falta-lhe, quem sabe, um en­contro efetivo com os papéis que vão se sucedendo no palco espaçoso.
 

Curiosamente, na cena final, em que se desloca da intenção cômica para aflorar o drama, na interpretação/declamação de um poema de Pessoa, uma ode à fé crista, Marques atinge essa relação de completude. Emoci­ona, sim, mas já cruelmente tar­de.
 

Antonio Mora Recebe Fernando Pessoa – De Marco Antônio Braz e Maurício Marques. Direção: Braz. Com Marques. Quinta a sábado, 18h30. Teatro Sesc Anchieta (rua Dr. Vila Nova, 245, Consolação, tel. 256-2281). R$ 10,00. Até 28 de junho.

Tua boca é mais

vermelha do que os pés dos

que machucam as uvas

nos lagares –

É mais vermelha do

que os pés dos pombos

que habitam os Templós

Tua boca é como

um ramo de coral trazido

do crepúsculo do mar,

é como a púrpura dos reis

Nada no mundo é tão

vermelho, como o

vermeho da tua boca

Deixe-me beijar a tua

boca, Iokanaan (Oscar Wilde)

São Paulo – Oscar Wilde faz da metáfora uma fi­gura de linguagem mar­cante na sua “Salomé”. Lua, mulher, estrela — fenômenos na­turais e humanos são citados no texto que tem como eixo a reli­gião e a interferência do huma­no no destino. “Não se pode a­char símbolo em tudo que se vê (…), fica um horror”, sentencia Herodes, o pai da princesa pro­tagonista. A frase, dentro da pe­ça, revela a nuvem de paralelos que termina por roubar muito da ação na montagem em cartaz no Teatro Faap até hoje – a partir da próxima sexta muda para o Arthur Rubinstein, no clube A Hebraica, também na Capital.
 

Diante das metáforas, resta a contemplação. O diretor José Possi Neto se sai bem na resolu­ção da cena. Aprofunda o tom místico da história bíblica que vem através de séculos. A lenta movimentação dos atores, a in­definição de espaço e tempo (vagamente sugerido no figuri­no) compõem um quadro de tin­tas orientais.
 

Água e fogo são elementos evocados. O cénário de Felipe Crescenti traz um lago artificial e cordas que ascendem ao céu, permitindo a exploração dos planos superior e inferior.
 

A “Salomé” vertida por Wilde, no final do século pas­sado, equilibra a exposição da filha protagonista e dedica atenção também ao pai, Hero­des. Aqui, são interpretados por Christiane Torloni e Luis Melo. A parceria recente na te­levisão não depõe contra – o que se esperava em se tratando do talento de Melo e da presen­ça marcante de Christiane.
 

Melo catalisa com seu He­rodes, por vezes remetendo à fúria de um Macbeth ou de um camponês messiânico, como respectivamente em “Trono de Sangue” e “Vereda da Salva­ção”, ambas dirigidas por An­tunes Filho.
 

Ele capta cada filigrama, de­senha o personagem com pro­fundidade; beira o transe aos o­lhos do público.
 

“Pode transformar água em vinho (…), mas não permito que ressuscite mortos”, pondera He­rodes quando ouve o paradeiro de Cristo. É dos momentos em que o ator esbugalha a loucura.
 

Christiane Torloni abraça a sensualidade. Corresponde à beleza e perversão de Salomé, “filha de Sodoma, do adulté­rio”, que pede a cabeça de lo­kanaan, ou São João Batista. Seduz o padastro com sua dan­ça e, em contrapartida, exige a cabeça daquele que lhe recusou a boca. Iokanaan, papel de Tu­ca Andrada, é o profeta em oposição ao mal. Não sucumbe à princesa e, para tanto, paga com a vida.
 

Herodias, mãe de Salomé, surge na interpretação descon­certante de Cláudia Schapira. Depois da dobradinha com Lu Grimaldi em espetáculos como “Violeta Vita”, eia volta à cena encarnando uma verdadeira megera. Herodias abandona o marido, irmão de Herodes, pa­ra ficar com este. E alavanca da roda da fortuna que prega suas armadilhas. E sucumbe tam­bém.
 

Em pouco mais de uma hora, “Salomé” condensa o mito, im­põe um ritmo cadente, mas consistente, e projeta bons atores para conduzir o público em uma viagem pontuada pelo conflito entre desejo e poder.

Salomé – De Oscar Wilde. Direção: José Possi Neto. Com Luis Melo, Christiane Torloni, Caco Ciocler, Luis Miranda, Lais Galvão, Augusto Vieira, Jorge Penha, Beto Sodré e outros. Última apresentação hoje, 19 horas. Teatro Faap (rua Augusta, 903, Higienópolis, tel. 824-0104). R$ 25,00. A partir da próxima sexta-feira (18), a montagem muda de endereço e passa a ser apresentada no Teatro Arthur Rubinstein/A Hebraica (rua Hungria, 1.000, Jardim Paulistano, tel. 818-8827). Preço e horário não divulgados. Duração: 75 minutos.
 

“Dama do Cerrado” não garante gargalhada

Rasi não atualiza, mas reme­te ao escroque político da “a­bertura”. ACM, Maluf, Rosea­na, Aecinho… Eles continuam na ativa. Verão de 85, véspera da posse de Tancredo Neves, eleito pelo Congresso Constitu­inte. As eleições diretas não vingam e o País consola-se com seu primeiro presidente civil depois do período militar.
 

Mas veio mais uma daquelas intervenções históricas, sabe-se lá se destino, que deixam todo mundo de boca aberta de quan­do em vez: a supreendente in­ternação e, dias depois de tanta agonia, o anúncio da morte de Tancredo pelo porta-voz Anto­nio Britto.
 

É sobre este fundo sócio-po­lítico que o autor solta um hu­mor que só não é mais rasgado por causa da contenção do texto e pela própria característica da dupla principal, Otávio Augusto e Suzana Vieira.
 

Não há uma tirada, uma fra­se de efeito cortante. “Inocente não sobrevive em Brasilia”, dis­para em tom quase formal Leda Florim (Suzana) – socialite de meia-tigela que envolve-se com um deputado da corja para tirar, ela também, proveito próprio.

A atriz vai ao que parece ser seu limite na comédia, sem acrescer ao que o público já co­nhece da televisão. A perua Le­da, comedida, desata a sua ban­carrota para o cabeleireiro que não vê há duas décadas. É nessa retrospectiva que se tem notícia do jogo de bastidores, com fofo­cas pinçadas aqui e ali.
 

Quem serve de “parede”, mas vai muito além, é o cabelei­reiro Fúlvio, na pele de Otávio Augusto. O “gueixa” (um troca­dilho para gay?) surge com o quimono e vive entrando em vi­agens com maconha, cocaína, haxixe, LSD. Um figurino de cores berrantes, um cenário i­gualmente digno de filme de Al­modóvar, de salão de beleza, uma iluminação espalhafatosa, enfim, ainda assim a piada está nos trejeitos de Otávio Augusto.
 

Ele consegue se utilizar do estereótipo sem exceder, com timining até para cenas abertas. Quando surge vestido em preto, sadomasoquista, já tem o públi­co nas mãos.
 

Despretensiosa, “A Dama do Cerrado” dá conta do recado mas não assegura gargalhada deliberada, franca. 
 

A Dama do Cerrado – De Mauro Rasi. Com Suzana Vieira, Otávio Augusto, Beatriz Lyra e Luciano Mallman. Quinta e sexta, 21h; sábado, 20h e 22h; domingo, 19h. Teatro Jardel Filho (avenida Brigadeiro Luís Antônio, 884, Bela Vista, tel. 605-8433). R$ 28 a R$ 32. 90 minutos.

Um Villela moderno e tradicional em ‘Ventania’

Oposição bem e mal, sol e lua; a di­cotomia de Zé e Vi­cente, dois persona­gens fundidos em um só; enfim, flancos explorados em meio à lingua­gem pop da peça que remete aos anos 70. Assim, canções lúdicas dividem espaço com Elvis Pres­ley, The Doors, George Michel.
 

Villela transita com tranqui­lidade entre a tradição e a mo­dernidade. Não abre mão das luzinhas, do Cristo, da rusticidade do cenário, do seu teatro como ele é. Contudo, incorpora-se à a­temporalidade musical sem soar datado. Não se trata de um “Hear” saudosista, por exemplo.
 

“A Vida é dia útil; a vida não é domingo”, propaga Vicente, tentando instigar Zé, o poeta, o sonhador. As palavras têm seu peso medido em “Ventania”.
 

A alma da mãe de Zé e Vi­cente, morta, trava um embate com sua mãe, avó dos rapazes, que também têm que lidar com a irmã Luiza.
 

Mas um dos problemas re­correntes de Villela está na direção de ator. Ela sucumbiu em “O Sonho”, por exemplo, com o elenco despreparado do Teatro Castro Alves, da Bahia. Em “Ventania”, os irmãos interpre­tados por Davi Taiu (Zé) e Eri­berto Leão (Vicente) ficam aquém da loucura ou santidade.
 

Malu Valle, no papel da mãe morta; Sílvia Buarque, a irmã, e sobretudo Lorival Prudêncio, como avó, eles sim, dão conta da interpretação e sustentam a montagem – todos coadjuvan­tes. 
 

Ventana – Mais três sessões: sexta (18), 22h; sábado, 22h; e domingo, 20h). Tom Brasil (rua olimpíadas, 66, Vila Olímpia, tel. 820-2326). R$ 15 a R$ 40.

CURITIBA – Nelson de Sá aproveitou a última edição do Fes­tival de Teatro de Curitiba, mês passado, para distribuir um ca­tálogo do seu primeiro livro, a sair nos próximos dias pela editora Hucitec. Com fotos de Lenise Pinheiro, “Divers/Idade – Um Guia de Teatro dos Anos 90” é uma coletânea de textos publicados na ‘Folha de S. Paulo”, onde trabalha há oito anos. São críticas e reportagens que refletem tendências da década, até aqui. Da renovação dramatúrgica encabeçada, acredita, pelo americano Tony Kushner (“Angels in America”) ao rito cênico católico do pernambucano Romero de Andrade Lima (“Auto da Paixão”), Sá re­sume o que sua parabólica captou até agora. Tem carinho especial por Zé Celso (autor da “orelha” do livro), de quem chegou a ser assistente. “Não sou niilista, tenho esperança”, afirma o paulista de Andradina. Paralelamente, assina coluna de análise do tele­jornalismo brasileiro, invariavelmente alfinetando. Na conversa com O Diário, em Curitiba, Sá falou de sua formação, influência de Francis, retratações, espetáculos preferidos, fio que separa a atuação de crítico e de artista, enfim, de “Divers/Idade”.

O Diário – Como foi a pesquisa?
 

Nelson de Sá – Eu fui lá no cadernão da “Folha”. Fiquei lá pesquisando. Depois da quarta hora, você nem sabe mais o que está vendo. Não só as críticas, mas textos de tendências, de panoramas do teatro brasileiro, como a reafirmação da drama­turgia, do teatro ritual, com a­bertura maior para presença do ritual religioso, de uma cultura popular. Enfim, tem entrevistas também.

O  Diário – E essa volta ao começo, essa retrospectiva dos anos 90 até aqui? Houve surpresas, mudanças signifi­cativas nos trabalhos dos gru­pos, diretores ou autores?
 

Sá – Fiquei surpe­endido com alguns artistas… Havia uma certa unidade gera­cional, que começou na virada dos anos 90 e estabelecia o que eu imagino ser um novo momento no teatro brasileiro.

O  Diário – O que você i­dentifica de mndança dos anos 80 para os 90?

Sá – Os anos 80 foram do diretor e do trabalho visual, tanto Antunes Filho como Gerald. A dramaturgia não era o centro. Em dezembro de 90, acho interessante, morrei Tadeuz Kantor, o “pai” do teatro visual. Gerald Thomas, que era o nosso paradigma do teatro visual, escreveu M.O.R.T.E.”. A partir daí o teatro estilhaçou, o teatro foi para todos os cantos imagináveis. Tem outros aspectos que a gente pode colocar aí: a queda do Muro de Berlim, em 89, que abalou a cabeça de todo mundo, trouxe um novo momento não só para o teatro, mas para a sociedade em geral. Com o fim da “velha ordem”, tudo era possível. O teatro refletiu isso. Foi muito bonito acompnahar esse momento, e continuar acompanhando, porque a coisa continua. Daí o título do livro, “Divers/Idade”, a idéia de uma idade da diversidade, de uma idade que não existe mais, sem programa comum. É até engraçado…
 

Entrevistei o Décio de Almeida Prado – e ele autorizou colocar como citação no abre do livro -, ele disse que na época dele, por mais que as pessoas fizessem coisas diferentes, havia uma linha comum que unia, de certa maneira, as coisas mais aparentemente díspares. TBC e Arena tinham pelo menos um eixo. Hoje em dia não tem mais isso.
 

O Diário – Que pessoas, espetáculos-chave, aspectos da atuação e dramaturgia que o livro destaca?
 

Sá – Em termos de espetáculos, no Brasil e no exterior, a grande peça da primeira metade dos anos 90 foi “Angels in America”. É inquestionável. Deu a possibilidade de poder retornar a dramaturgia no mundo, com temas da realidade contemporânea. Abriu caminhos. Ela foi escrita em 90, eu a vi em 92 ou 93, em Londres. O texto mais longo do livro, inclusive, é uma entrevista com Tony Kushner, o autor.
 

No Brasil destaco “Romeu e Julieta” do Galpão, dirigido por Gabriel Villela. Teve “Auto da Paixão”, de Romero de Andrade Lima, com As Pastorinhas, um rito católico muito significativo. Teve “M.OR.T.E.” e “Fim de Jo­go”, duas peças com títulos in­teressantes, fim de um tempo mesmo. A primeira do Gerald e a segunda de Beckett. Tem ain­da “O Livro de Jó”, dirigida por Marco Antônio Araújo, e “A Bao Qu”, de Enrique Diaz. E mais recentemente está come­çando a entrar finalmente a se­gunda metade dos anos 90, que pretendo retratar posteriormen­te. São peças de dramaturgos que a gente pode caracterizar mais claramente como um mo­vimento. A expressão é horrí­vel, eles odeiam, acham que não é um movimento em si, no que eles estão certos, mas de qualquer maneira. nós como jornalistas e tutores, podemos reduzi-lo a um movimento nessa altura. Tem vários autores, como Dionísio Neto, Fernando Bonassi, Patrícia Melo, Bôsco Brasil. O diferencial dramatúrgico é que são realistas, de certa maneira, porque tentam retratar a realidade cotidiana, urbana que as pessoas vivem, espelho da vida.
 

Espetáculos como “Banheiro” e “Opus Profundum”, mais do que tentar revolucionar o mundo, falam de si mesmos. “Eu vivo isso e olha aqui”, é mais ou menos essa idéia.

O Diário – E aí o Antunes ficou fora?
 

Sá – Não, ele é um grande diretor. O problema é que o livro tenta identificar a nova leva de autores, diretores e atores… Aliás, deixei de falar de Antunes. Ele teve atores geniais neste período. O trabalho do Eduardo Moreira no Galpão, de Marcelo Drummond no Oficina… É sempre complicado citar nomes.

O Diário – Dá para apontar esteticamente as tendências nos primeiros anos da década?
 

Sá – Houve uma revalorização muito grande da cultura popular, do teatro de rito, onde a figura de Deus é mais presente. Como em “Auto da Paixão”, “As Suplicantes”, “A Rua da Amargura” de Villela, o trabalh do Antonio Nóbrega; “O Livro de Jó”, baseado na bíblia etc. É mais uma tendência do que movimento. Se falar assim os caras têm ataque…
 

Outra coisa foi a retomada da palavra na dramaturgia. São duas vertentes conflitantes, o ritual e a palavra. Mas ao mesmo tempo é um mundo em que a gente vive, um mundo da diversidade.
 

Houve também uma ruptura no eixo Rio-São Paulo, com grupos de Belo Horizonte, João Pessoa, Porto Alegre, festivais de Londrina, de Curitiba, uma explosão de cultura que reflete o momento que estamos vivendo. As culturas regionais estão ga­nhando mais força do que antes.

O  Diário – Você chegou a trabalhar com Zé Celso…
 

Sá – …Eu fui assitente de di­reção em “As Boas”, adapta­ção de “As Criadas”, de Jean Genet. E traduzi “Ham-Let”. “As Boas” foi um trabalho mu­ito problemático. A “Folha” é um jornal que joga pesado com essa questão de distancia­mento. Eu estava fazendo uma coisa que achava ao mesmo tempo certo e errado. Eu mes­mo me questionei. E botei na minha cabeça que não podia escrever sobre nenhuma das duas pecas. Esse foi meu limi­te na “Folha”.

O Diário – Existe algum tipo de cerceamento às suas críticas?
 

Sá – Tem assim uma ou outra restrição… Pode-se fazer então…Mas censura não, nenhuma, zsero. Na estréia do primeiro espetáculo de Otávio Frias Filho (“Típico Romântico”), por exemplo, fiz uma crítica negativa do espetáculo e criou uma polêmica muito grande com o diretor da peça (Maurício Paroni de Castro) e nada foi questionado ou limitado.

O Diário – Como lida com as críticas ao seu trabalho? Tem muitos inimigos?
 

Sá – Inimigos também não né (ri). Tem problemas, sim… Bom, ninguém gosta de não ser gostado. Só mesmo diretor de teatro para achar que vaia é a glória… Não existe carinho na vaia. Eu procuro me agarrar às regras do jornalismo.

O Diário – Já teve críticas que retratou?
 

Sá – Teve milhares… Milhares não (ri). Eu não consigo lembrar aqui… Teve coisas que eu poderia ser menos agressivo. O difícil é quando você cai no tom pessoal. Uma vez o Décio, quando soube que eu estava trabalhando com Zé Celso, ele disse que crítico não pde. Na época eu achava que era uma experiência para completar um ciclo e me tornar um crítico de fato. Ele falou que crítico de teatro não vai na coxia, não vai no bastidor, não vai em festas da classe. Enfim, crítico tem que ficar fora. Acho importante o crítico saber que ele não tem partido.
 

Eu aprendi isso. Saí da companhia do Zé Celso por causa disso. Cria-se uma situação que prejudica o seu trabalho jornalístico depois. Tem que ser de uma frieza jornalística, um distanciamento, mesmo com os amigos. É como você ficar amigo da fonte e privilegiá-la. Uma vez escrevi uma crítica do Zé Celso {“Mistérios Gozozos” } e ele me disse que chorou. O próprio Zé Celso e as pessoas da classe em geral criticam esse distancia­mento, acham bobagem. Mas eu não acho.

O Diário – Para você, a crí­tica é antes uma atitude jorna­lística?
 

Sá – É jornalismo sim. Isso não é novo. O Décio, teve mo­mentos em que ele se disse da classe teatral e outros em que disse exatamente o contrário. O Brasil teve um momento em que o jornalismo tinha uma configu­ração ideológica maior. Eu só faço refletir no trabalho de críti­ca uma coisa que é do próprio jornal hoje… Da mesma maneira que tem uma diversidade de teatro existe uma diversidade de críticas.

O Diário – Qual a função da crítica hoje no Brasil?
 

Sá – O papel da crítica em geral… Assim como no teatro, você tem várias vertentes. Não existe uma crítica só, e isso não é so no Brasil. Questões básicas para mim são: eu faço uma crítica para o leitor, não para o espetáculo. Obviamente existem várias coisas próprias do teatro. Tem peças que você considera boa mas, enfim, você vive num mundo que tem milhares de referências na televisão, no rádio. Outra questão importante, que não está nem na minha boca, foi dita pelo Otácio Frias Filho, diretor de redação do meu jornal, por acaso também um dramaturgo… Por acaso não, também um dramaturgo. O jornalismo hoje é  mais massificado do que era 40, 50 anos atrás. As tiragens dos jornais são milhares. Para esse público, o “leitorado”, como a gente costuma dizer, por mais que a gente tenha um carinho muito grande pelo teatro, um carinho que eu tenho, para esse público o teatro não é prioridade.
 

Cinema, televisão e música popular são prioridades básicas hoje na cobertura de cultura de qualquer jornal. Isso tem várias implicaçõe em relação à crítica. Uma delas é o espaço menor. A gente tem que se adaptar e é a realidade. E isso não é só no Brasil. Crítica em Nova Iorque, em Paris também tem espaço menor. Paulo Francis escrevia uns 50 centímetros. A minha média hoje é de 35 centímetros.

O Diário – O que você busca no exercício da crítica?
 

Sá – Existe uma discussão antiquérrima se a crítica é técnica ou subjetiva. Eu não acredito em crítica técnica, acho impossível. Pessoas com as quais me formei não acreditavam nisso, não têm isso como base. A idéia da crítica técnica, imparcial, is­so é uma fantasia, não acho vi­ável. Quem gostaria de uma crí­tica técnica, com critérios técni­cos, com padrões técnicos é a própria classe teatral. Isso é nor­mal no Brasil e no exterior.

O  Diário – Não dá medo que a crítica acabe diante da falta de espaço nos jornais? Você, por exemplo, divide a função com uma coluna  diária que analisa o noticiário da televisão.
 

Sá – Acho que é uma função necessária para o Jornalismo, para o 1eitor. Acredito que ainda é necessário, mas não tenho certeza se ela vai acabar. A crítica não existe há muito tempo. Aliás, como direção de teatro, um pouco mais de 100 anos.

O Diário – Fale um pouco da sua formação.
 

Sá – No final do livro, readaptei uma palestra que fiz para o Festival Internacional de Teatro de Londrina, onde exponho mais a minha formação… eu sou um jornalista formado, não tenho formação específica de teatro. Fiz peças amadoras, cursos de ator. De dramaturgia, mas meu trabalho é jornalístico… Não sou da classe teatral… Mas a formação verdadeira, nesse sentido, teve vários fatores, professores neste caminho. Na faculdade de Jornalismo tinha um professor, Péricles Eugênio da Silva Ramos, que fez a tradução de “Hamlet” para o Sérgio Cardoso, nos anos 50. Era um senhor maravilhoso, poeta que tinha uma paixão muito grande pelo romantismo. Eu me sinto de certa maneira influenciado por ele porque também tenho um gosto pelo romantismo, pelos espetáculos que tragam uma carga, que buscam uma certa verdade anti-formal, que era o que os românticos traziam. O crítico da “Folha” nos anos 50, Miroel Silveira, que adorava, era amigo pessoal, também me influenciou.
 

Mas o que moveu realmente a atuar na crítica foi o trabalho com o Francis. Fui enviado pela “Folha” em 87/88 para trabalhar em Nova Iorque com Paulo Francis, que foi crítico nos anos 50, começo dos 60, no Rio. E veio dali a vontade mesmo de ser crítico. A influência do Francis sobre mim foi avassaladora. Todo o meu trabalho posterior foi de certa maneira em função do que ele me ensinou. Naquela época, eu era correspondente bolsista da “Folha”. Era um pouco assim um lugar-tenente ou garoto de recados do Francis.
 

Eu lembro de uma frase formal, uma recomendação do Caio Túlio Costa, se não me en­gano, para quem ía trabalhat com o Francis lá: “Aprender com Paulo Francis sem copiar o seu estilo” (ri). Eu aprendi com ele, copiei o seu estilo, enfim… (ri). Mas é a influência básica que eu tomo como formação no meu teatro. Mas com o tempo eu rompi com ele como crítico, como jornalista, com relação ao trabalho dele, com os comentários como o de que o Vicentinho merecia chibatadas…
 

Uma série de coisas assim impublicáveis. Eu adoro o Francis, tenho paixão veneração, mas não pode. Chegou um momento em que acreditava naquilo, e hoje não mais.

Colaborou Ivana Moura, do “Diário de Pernambuco”, especial para “O Diário”

“Arrogância” do texto não confere com lado pessoal

Texto enxuto, por vezes cruel, isento. A pena de crítico tem pouco a ver com o perfil pessoal de Nelson de Sá. Onde a “arrogância” apontada, por exemplo, pelo diretor Maurício Paroni de Castro (“Típico Romântico”), dos seus piores desafetos em oito anos de cobertura teatral na “Folha”? Nada – pelo menos fora do papel. Pinta de moleque, invariavelmente tênis e calça jeans, não aparenta os 36 anos. A polêmica o persegue (ou ele a atrai?) sistematicamente desde o início, em 1989. Numa das três primeiras críticas que publicou no caderno “Ilustrada”, certo diretor – prefere não revelar o nome – foi tirar-lhe satisfação em plena redação. O jornalista correu entre cadeiras e só não foi agredido por causa dos seguranças. Assustado com o episódio, se eximiu de escrever por um tempo. Retomou no ano seguinte, mais seguro. Desde então, lida sem complacência com a “classe teatral” (“Eu não faço parte dela”, faz questão de dizer). Não poupou sequer o patrão, Otavio Frias Filho, autor da mesma “Típico Romântico” (1992). Como o colega Alberto Guzik, do “Jornal da Tarde”, autor do romance “Risco de Vida” e da peça “Um Deus Cruel” – estréia em maio -, Nelson de Sá também se aventura na dramaturgia. Mas por enquanto prefere manter seus textos  na gaveta. 

Curitiba – Poucas vezes Gerald Thomas pôs tão a nu seu processo artístico como em “Os Reis do Iê-Iê-Iê”, o “evento” (sabe-se lá o que é isso, mas está mais para instalação ou happening) apresentado no Festival de Curitiba, no fim da semana. A volta de Bete Coelho ajuda a expor a crise dos últimos espetáculos, espécie de revisão dos 11 anos da Companhia de Ópera Seca. Agora já não importa entender o não seu teatro. O público encontra mais elementos para construir o “fio”, via verbo, imagens. Thomas equilibra a erudição, a “masturbação”, com enxertos narrativos, com transparência nos signos visuais, com uma fragilidade desesperadora e urgente que parece acenar para o espectador e dizer algo como: “Olha, eu estou aqui, vagando neste vazio de poucas certezas”.
 

É o “eu como recurso artístico” no “laboratório pessoal” montado em menos de 15 dias, com dificuldades técnicas de toda ordem, adiamento da estréia. Uma tensão que o encenador preferiu citar e diluir dentro do próprio “evento”.
 

“O que é fazer teatro?”, se pergunta o manjado off de Thomas, projetando a angústia do presente para a situação ficcional de seis horas depois da apresentação de estréia. Enquanto isso, a cena mostra o Thomas-ator-ele-mesmo (John Lennon por acaso) prostado na cadeira. Usa o “atraso” que vê no teatro brasileiro.
 

Crítico do horizontalismo cristão, Thomas encarna ele mesmo a imagem do crucificado (mãos abertas, pés cruzados). Ao contrário dos Beatles, não pretende ser mais famoso que Jesus Cristo.
 

Luiz Damasceno (Ringo Star), único remanescente do embrião da Ópera Seca, tenta “atirar a primeira pedra”. Na sua fidelidade de 11 anos, Damasceno sempre foi a pedra no sapato de Thomas. Ator e encenador se correspondem por oposição. É o que estimula. Bete Coelho (Paul McCartney), por sua vez, é a complementariedade, tábua de salvação para os riscos e vôos de Thomas.
 

É intérprete maior (deu saudade do seu brilho, desde “Pentesiléias”, há dois anos. O quanto o teatro perde, e provavelmente muito mais ela em sua insistência com a televisão).
 

Damasceno/Star não agüenta mais a relação. “Até quando você vai fazer trocadinho com tudo que é básico?”, questiona. “Foram 11 anos de respostas enigmáticas”. O primeiro-ator reivindica a concretude do palco, das roupas, dos prédios, das pontes erguidas pelo Homem. Mas “a única coisa de concreto aqui é o verbo”, retruca Bete/McCartney.
 

Domingos Varella, que fecha quarteto incidental da companhia, assume o silêncio “zen” do papel, se é que se pode dizer assim, que lhe cabe, o de George Harrison.
 

Muito mais do que paralelo com as divergências dos rapazes de Liverpool, pinceladas levemente, e a corrosão do pop, são conflitos da Ópera Seca com seu criador que sustentam o roteiro. “Os Reis do Iê-Iê-Iê”, em se tratando de Geraldo Thomas, surpreende por escancarar a emoção. Quer – e consegue – tocar, dispensando a inteligência “hermética” de praxe.
 

Canções menos concessivas dos Beatles pontuam o “evento”, revezando com os Rolling Stones – dois caminhos distintos do mesmo mercado, Lennon e Jagger. Vertendo para o rock nacional, surge “Será”, de Renato Russo, líder messiânico do Legião Urbana morto no ano passado, com voz e violão de Luiz Frias, namorado de Bete Coelho – e clonando-o na execução ao vivo do convidado.
 

O cenário espaçoso e “hospitaleiro”, sugestão de um manicômio, com camas e cadeiras brancas, abriga outros desgarrados da Ópera Seca, como Marcos Azevedo e os recentes César Almeida e Raquel Rizzo. Tem o desembestado Dionísio Neto, como o assassino Mark Chapman, que chamou a atenção do mundo numa esquina de Nova York, em 1980, e Renata Jesion (ambos de “Perpétua” e “Opus Profundum”). Foram “convidados” quatro atores de Curitiba.
 

Gerald Thomas tem vontade de largar da camisa-de-força criada por ele. Termina por reinventar a si, uma necessidade coerente para o exercício de teatro nesse tempo veloz, à beira do milênio. Polemizar e contemplar são conjugações possíveis. 

O jornalista Valmir Santos viaja a convite do FTC.