São Paulo – Há Tennessee Williams (1911-83) para todos os gostos. Pode-se encarar seus textos a partir da bruma indelével da superfície. Pode-se mergulhar mais fundo e deparar com seres atordoados pela existência. E neste patamar, ora rastejando, ora reunindo for­ça para dobrar o destino, que se vai enxergar nos olhos e tocar na alma dos seus personagens.

Em cartaz no Teatro Faap, a história de “À Margem da Vida” (44) se passa no plano baixo, o subsolo, espaço imaginário compreendido entre o asfalto e o teto de uma ponte. Para vir à público, no palco, a família Wingfield precisa descer as es­cadas de um cenário cinza e im­pessoal, como as paredes de concreto dos túneis do metrô.

Frieza e distanciamento vi­sual conferem com o enredo. Estamos diante de um núcleo humano em dissolução. Aman­da (ReginaBraga), a célula-mater, tenta a todo custo sustentar as aparências se agarrando aos fiapos do cotidiano comezinho.

Laura (Luah Guimarãez), a filha envolta em “bolha” de ti­midez gestada pela perna ligeiramente maior que a outra, pre­fere se abster de tanta hipocrisia e cria seu mundo paralelo, habi­tado pelos bichinhos de vidro que coleciona desde criança. E um esforço inglório, pois a freu­diana castração materna, aqui, é elevada à potência de morte, simbólica e gradativa.

Recai sobre Tom (Gabriel Nunes Braga), o varão dos Wing­field, a atitude dissonante. Não se trata de escape machista do autor. Ao contrário, o corte um­bilical do filho é questão de sobrevivência. Romper com o de­terminismo do lar constitui etapa das mais dificeis para jovens in­quietos diante das possibilidades da vida descortinada pelo tempo.

Tom foi submisso até o limi­te em que já não pertencia a si, mas à mãe e, por extensão, à ir­mã. Como o pai, que abandonou o barco no passado – mas é um personagem que flutua nas entrelinhas do texto com peso de­terminante -, ele também deixa o “bunker”.

“O homem é por instinto guerreiro, vai à guerra”, afirma Tom na vã ilusão de convencer Amanda do comichão poético que lhe invade e impede de ver o cor-de-rosa da realidade pintada pela mãe.

Tennessee Williams escreveu um drama que explicita o processo de crescimento pela via da dor. Em verdade, as op­ções de Laura e Tom são iguais. As escolhas, porque inerentes ao âmago de cada um, elas sim são diferentes.

Toda essa pungência de “À Margem da Vida” desponta com equilíbrio na montagem dirigida por Beth Lopes. Equilíbrio não propriamente de espírito, mas de estado. Há um domínio preciso da diretora na reorganização do espaço e da atuação que traduz a essência do dramaturgo norte-americano, sem verter tanta den­sidade para melodrama ou em­polação – um risco eminente.

Lopes conta com uma equipe dos sonhos de qualquer diretor. Daniela Thomas fez a direção de arte, com cenário de Felipe Tas­sara, iluminaação de Wagner Pin­to e música composta por Marcelo Pellegrini. Luz e trilha, em particular, harmonizam a delica­deza interior dos personagens com a tempestade por que pas­sam – cuja melhor metáfora é a britadeira cortando o concreto…

Na base da interpretação, o e­lenco passou pelas mãos de Re­nata Meio (“Domésticas”). Ao que parece, a coreógrafa traba­lhou mais no sentido de conten­ção do que propriamente expan­são, como requer um Tennessee Williams, contrastando com a fisicalidade recorrente dos espetá­culos anteriores de Beth Lopes.

Luah Guimarãez é quem des­pende maior esforço para levar sua Laura adiante. Há um tênue fio a separá-la da loucura, mas a consciência não lhe escapa por completo (“O que vamos fazer do resto de nossas vidas”, per­gunta) – o que também tem lá o seu custo.

Regina Braga consegue ex­trair humor do histerismo da Amanda. Como recomenda o au­tor, a mãe não deve ser interpre­tada sob o signo fácil do exage­ro, do estereótipo. A atriz não só segue à risca, como amplia as possibilidades da personagem, conferindo-lhe uma estatura mais demasiadamente humana na insegurança e na insensatez.

A revelação fica por conta de Gabriel Nunes Braga, filho de Regina. Seu Tom transita entre ação e narração com naturalidade. É encantador acompanhar o per­sonagem no desprendimento da família, na disposição em sair para a vida – ou “para o cinema”, como insiste no álibi de boêmio e poeta que é. Enfim, uma inter­pretação segura.

O ator André Boll surge sem comprometimento na segunda metade da peça no papel de Jim, Amigo de serviço de Tom, que a mãe tenta empurrar para Lau­ra sem sucesso.

Com esse Teneessee Willi­ams, Beth Lopes dá por encer­rada, definitivamente, a fase “O Cobrador” com a qual ficou estigmatizada nos últimos anos, à frente da Cia. de Teatro em Quadrinhos – sem desmerecer aquela montagem marcante no início da década, mas o tea­tro, como a vida, é ciclo. “À Margem da Vida”, superprodu­zida esteticamente simples, co­roa a maturidade e o talento de uma grande diretora parcimo­niosa na arte de tocar o público.

À Margem da Vida – De Teneessee Williams. Tradução: Marta Góes. Figurino: Verônica Julian e Flávia Ribeiro. Programação visual: Gringo Cardia. Quinta a sábado, 21h; domingo, 20h. Teatro Faap (rua Alagoas, 903, Higienópolis, tel. 3662-1992). R$ 25 e R$ 30,00.

“Doce Lembrança” reinventa saudade

São Paulo – A delica­deza que Beth Lopes pers­cruta em “À Mar­gem da Vida” sur­ge em estado bru­to em “Doce Lembrança”, a montagem que di­rigiu com seus a­lunos de interpre­tação na EAD/USP. A pe­ça permaneceu dois meses em cartaz, até final de agosto, e tem perspectiva de reestrear em breve.

Adaptação da obra fundamental de Ecléa Bosi – “Memória e Soci­edade: Lembran­ças de Velhos” -, o espetáculo expõe uma diretora que já se sabia aliada à exigência física dos atores, mas não se vislumbra­va, até aqui, uma diluição mais ver­tical de tempo e espaço, liberando-os, ao menos de vez em quando, da ação em si.

De cunho experimental, o trabalho resultou extremamente rico em signos, a começar pela ocupação inventiva do porão do Centro Cultural São Paulo. O público era recebido com bolos e pãezinhos, acompanhados de chá e café, bem ao estilo dos nossos avós.

Conquistado pela boca – a gastronomia como poderosa a­liada da memória -, sentamos na platéia semi-arena para acom­panhar a aventura de seis perso­nagens pelo túnel do tempo de suas vidas.

E tudo começa pelo extre­mo, lá na outra ponta, na infân­cia. “Pirulito que bate bate/ Pi­rulito que já bateu…”, entoam. A memória, essa instância sublime que conjuga tristeza e alegria, é recomposta aos poucos, em in­sights mútuos.

Da mesma forma, e paralelamente, vai-se dando a recons­trução – ou “reinvenção” – dos móveis e adereços. Aos poucos, eles ganham forma em cena.

Um amálgama de corpos ar­queados, cacarejos e cacoetes; mais panos, rendas, flores, fo­tos, cartas, documentos, sapa­tos, enfim, desenham um es­forço tremendo diante do senti­mento da saudade, tão peculiar à alma brasileira.

As principais passagens polí­ticas do País, como o auge da Era Vargas, são pincelados aqui e ali. Num Brasil que não leva a sério os dois extremos da vida, o velho e a criança, o entrelaçamento do privado e do público é alentador.

Quando se fala em terceira i­dade, esse “palavrão”, remete-se logo aos eternos problemas da Previdência Social. “Doce Lembrança” não passa ao largo disso, mas valoriza mais o indivíduo -ou a amizade e sua celebração em grupo.

A via aqui é a da felicidade possível e, porém, esmaecida num passado não muito distante e pouco distinto dos nossos au­cestrais. A cena final, em que cada personagem retorna ao cai­xote que lhe cabe nesta reta final da vida, é memorável.

Trata-se, sobretudo, do resul­tado de um elenco esforçado, dis­posto a empreender a gana da sua juventude, sem sobressaltos, em projeto tão comovente.

Doce Lembrança – Direção: Beth Lopes. Com Ana Gallotti, Eduardo de Paula, Fabiana Barbosa, Guadalupe Vivanco, Mara Leal e Vera Canolli. Cenografia: André Moia. Figurinos: Luciana Pareja. Iluminação: João Donda.

Eterno retorno de “Noturno”

São Paulo – Não é dificil ex­plicar o “eterno retorno” de “Noturno”. O musical de Oswaldo Montenegro, de volta ao cartaz, tem ingredientes na medida para seu público alvo: jovens munidos de adrenalina para se aventurar por aí, atrás de utopias d’antes não conquista­das – algo como a dupla paz-a­mor ou o triô liberdade-igualda­de-fraternidade.

Aquele espírito libertador e datado de “Hair”, nos anos 60, pouco legou à geração dos 90. Embaçados pelas perspectivas esotéricas – um tal ex-parceiro de Raul Seixas só corrobora o caldo retrô -, os “teens”, como querem, divagam na poesia do “chato” Oswaldo Montenegro.

“Chato” porque assim auto-denominou-se em uma das suas canções. Mas é assim, sincero em seu canto – como o sabem milhares de fãs bem crescidi­nhos – que Oswaldo Montenegro chega junto da moçada sem me­do de pisar na bola.

O musical, em seis anos de estrada, um CD, junta um bando de 60 atores, jovens em sua maioria oriundos da Oficina dos Menestréis, curso ministrado por Deto Montenegro e Candé Brandão, sempre no temporão Teatro Dias Gomes, onde a montagem segue em cartaz nas segundas e terças, alternativas e de casa invariavelmente cheia.

A trilha vai de Prince a Peter Gabriel. Destaque para as belas vozes de Tânia Maya e Débora Reis.

“Noturno” utiliza todo o es­paço do teatro (em uma pers­pectiva de 360 graus), conju­gando coreografias em massa e jogos de sombra de luz. A pla­téia é literalmente envolvida pela ação dos atores, ora no pal­co, ora dependurados em cor­das, ora ziguezagueando pelos corredores. Maiores detalhes sobre a empatia dos estudantes para com um espetáculo que prega a utopia como condição sine qua non, só conferindo. Poesia pouca é bobagem.

Noturno – Direção: Oswaldo Montenegro. Com Estela Cassilatti, Tânia Maya, Débora Reis, Gordo Marques, Marcelo Palma, Marco de Vita e outros. Segunda e terça, 21h. Teatro Dias Gomes (rua Domingos de Moraes, 348, metrô Ana Rosa, tel. 571-6177). R$ 15,00.