Vocalista do Cordel do Fogo Encantado estréia performance em que questiona a condição de vendedor de poesia
 

Músico carrega para a cena uma caixa-carrinho a partir da qual aciona alavancas e pedais para disparar luzes e sons durante suas falas

 
VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Poeta e vocalista do Cordel do Fogo Encantado, João Paes de Lira, o Lirinha, contava 12 anos quando recebeu o primeiro cachê na vida. Ele não lembra o valor, mas “era pouco”. 

Foi num concurso de cantoria de viola no teatro Guararapes, em Recife. No intervalo, recitou poetas populares no centro do palco, atrás de um microfone, sob luzes e olhares. 

“Estranhei receber aquele dinheiro por algo que até então fazia de graça, e com muita alegria”, diz Lirinha, 31. 

Um tanto daquela passagem, e a trajetória artística cumprida dali em diante, com o híbrido de poesia, teatro e música, está na performance que ele protagoniza, “Mercadorias e Futuro”. A estréia acontece em duas apresentações, hoje e amanhã, no Sesc Pompéia. 

Lirinha retoma o espírito do teatro que deu origem à banda no espetáculo “Cordel do Fogo Encantado”, que criou com amigos na Arcoverde natal, no sertão de Pernambuco, aos 16. 

“Com o espetáculo, exponho um dos meus maiores questionamentos como artista, que é a venda da poesia; a função que o capitalismo me impôs para viver de poesia”, conta o autor.

Ele surge em cena como Lirovsky, vendedor de livros que monta banca em qualquer canto da fictícia Interlândia. 

Como o mascate que atrai sua clientela para a roda anunciando atravessar o aro de bicicleta adornado com facas, o personagem apela a uma caixa-carrinho de som e luz. Lirovsky carrega consigo essa parafernália eletrônica a um só tempo rudimentar e sofisticada. Por meio de alavancas e pedais, dispara os recursos com os quais interage com as falas. “Vender é descobrir nas coisas outras propriedades”, afirma. 

A corruptela do apelido Lirinha com o nome do personagem, Lirovsky, dá a medida da extensão biográfica do projeto. 

Passa pela memória pessoal, como no episódio da doença que o abateu aos 9 anos, parcialmente descrito em off pela mãe, Lizete, que perambulou com o menino raquítico por vários médicos, até levá-lo a um curandeiro, atendendo ao clamor da vizinhança. Fé à vista. 

“Lirinha estudou profundamente o tema da profecia para ter o domínio que o Lirovsky pede. Fez um processo parecido com construção de personagem, não foi apenas criação de texto”, afirma a atriz Leandra Leal, 25, que co-dirige a performance do poeta.
 
A narrativa pretende conciliar os profetas com a consciência da loucura. Roça realidade e ficção ao percorrer o legado de três deles: os visionários João Pedra Maior, Teresa Purpurina e Benedito Heráclito. “Eles têm a dimensão do sagrado, mas sem perder o devaneio. É como se a profecia fosse devolvida ao seu lugar de origem, que é a poesia”, diz Lirinha. 

Quase paralelo à performance, ele deu à luz o também romance “Mercadorias e Futuro”, que deve publicar em 2008, ano em que gravará o quarto álbum do Cordel.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem local 

Quebra de imagem de santa por um rapaz, em 1978, inspira peça de Carlos Alberto Soffredini montada pela filha Renata
 

“Minha Nossa” estréia hoje no Espaço dos Satyros 2 e mantém características do teatro popular e do circo-teatro de Soffredini

Em maio de 1978, na Basílica Nacional de Aparecida (SP), um homem de 19 anos, integrante de uma romaria, ergueu as mãos para o altar e, num impulso, esmurrou a redoma de vidro e agarrou a imagem da santa. As luzes teriam se apagado e, no fuzuê, a imagem católica da padroeira do Brasil foi ao chão em mais de 160 pedaços. 

Quase linchado pelos romeiros, Rogério de Oliveira foi preso por tentativa de roubo e, em seguida, internado em hospital psiquiátrico. Na Folha de 19 de maio de 1978, um padre declarou que o rapaz fora “possuído de uma psicose religiosa”. 

O dramaturgo Carlos Alberto Soffredini (1939-2001) recriou esse episódio em “Minha Nossa”, peça escrita para o extinto grupo Mambembe (estreou em 1984) e definida como “reportagem para sete atores, em cinco partes”. Agora, o drama popular é montado por sua filha, Renata Soffredini, em temporada a partir de hoje no Espaço dos Satyros 2. 

“É o texto dele mais documental, com depoimentos colhidos em campo e trechos do que revistas e jornais publicaram à época”, diz Renata, 45, que segue as estéticas do teatro popular e do circo-teatro que balizaram o autor de “Na Carreira do Divino”. 

Para a diretora, ao reconstituir dramaturgicamente o “atentado” à imagem de Nossa Senhora Aparecida, o autor compõe simbolicamente “quase a origem do povo brasileiro, da família, dos costumes e dos desgovernos desde a colonização portuguesa”. 

O cenário é reduzido a um telão ao fundo, pintado. A igreja, políticos, polícia, pais, enfim, todos se perguntam o porquê do ato do rapaz, que no início se chama Ramar (“da mesma forma que crescem as ramas das árvores”) e, no final, vira Rumar (“que se vai embora”).

Livros narram as trajetórias do escritor e empreendedor cultural Alfredo Mesquita e da atriz Dulcina de Moraes
 

Biografia do criador da Escola de Arte Dramática em SP e coletânea de histórias da atriz expõem formas de “amor ao teatro”

Os centenários de nascimento do escritor e empreendedor cultural Alfredo Mesquita, neste ano, e da atriz Dulcina de Moraes, em 2008, trazem suas memórias à tona. Eles foram contemporâneos no “amor ao teatro”, que os conduziu a ações objetivas, mas suas trajetórias não se tocaram. 

Mesquita (1907-85) é mais conhecido pela criação da Escola de Arte Dramática em São Paulo. Dulcina (1908-96) legou a Fundação Brasileira de Teatro, em Brasília. Eles convergiram no ideal de formação e reconhecimento profissional de atores nos anos 1940, quando a cultura do teatro firmava seus primeiros passos em busca de teorias e práticas mais modernas. 

É o que mostram os livros “Alfredo Mesquita – Um Grã-Fino na Contramão”, da jornalista e dramaturga Marta Góes, primeira biografia sobre o escritor, e “Dulcina de Moraes -Memórias de um Teatro Brasileiro”, da atriz e pesquisadora Michelle Bastos.

Inaugurada em 1948, a EAD passou 20 anos sob o comando de Mesquita. Em 1968, a crise financeira levou a escola a ser incorporada pela USP, instituição que catalisa o trabalho de Góes. Mas a autora contextualiza o percurso intelectual que ajuda a entender como a vocação para educador ganhou consistência. 

O filho do dono do jornal “O Estado de S.Paulo” protagonizou feitos como a abertura de uma livraria em sociedade, a Jaraguá, no centro paulistano (1940-54), freqüentada por Oswald e Mário de Andrade, além de jovens como Hilda Hilst. Coube a Mesquita lançar a “Clima” (1941-44), “uma revista de gente nova e desconhecida”, como a publicação se auto-declarava. Gente como Décio de Almeida Prado (teatro), Paulo Emílio Salles Gomes (cinema), Antonio Candido (literatura), Lourival Gomes Machado (artes plásticas), Antonio Lefèvre (música) e outros. 

Em 1944, Mesquita criou o Grupo de Teatro Experimental (GTE), integrado por artistas amadores. Escreveu e dirigiu peças que atraíram o industrial Franco Zampari para aquela arte, inspirando-o a inaugurar o Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) em 1948, na Bela Vista. 

Em abril daquele ano, a EAD começou a funcionar no porão do externato Elvira Brandão, nos Jardins. A cidade contava apenas três teatros: o Municipal, o Boa Vista (atual Sérgio Cardoso) e o extinto Santana. No semestre seguinte, a EAD ocupou o 2º andar do TBC a convite de Zampari. A sede mudou depois para um casarão em Higienópolis (1952-60) e o prédio da atual Pinacoteca do Estado, antes de ir de vez para a Cidade Universitária, em 1970. 

“Alfredo acreditava que os fundamentos da formação do ator eram cultura, disciplina e ética”, escreve Góes. Entre os mestres, estavam Cacilda Becker, o crítico alemão Anatol Rosenfeld, o filósofo tcheco Vilém Flusser e o cenógrafo italiano Gianni Ratto, além da então secretária e bibliotecária da escola, Maria Thereza Vargas. 

A EAD formou turmas de 1950 a 2007. São centenas de artistas, da geração de Myriam Muniz à de Marat Descartes. A autora não pisa o terreno afetivo de Mesquita, reservado no trato pessoal. “A intimidade o assustava mais do que o desrespeito ou a agressão.”

Evento gratuito realizado pela Folha e pelo teatro Augusta discute produção atual nos dois países
 

Debate “Da Encenação à Realidade” reúne hoje, em São Paulo, curador artístico italiano Michele Panella e três especialistas brasileiros

A dramaturgia contemporânea da Itália, um país de autores clássicos como Carlo Goldoni e Luigi Pirandello, finalmente deu um salto no final dos anos 90. Até então, era difícil identificar consistência no experimento de novos caminhos para a escrita teatral. 

A avaliação é de Michele Panella, 35, curador artístico do teatro Della Limonaia (Florença), que participa hoje em São Paulo da mesa-redonda “Da Encenação à Realidade – Intercâmbio Cultural Brasil-Itália”, no teatro Augusta. 

“Pode-se falar de um renascimento da dramaturgia italiana a partir da década passada, sobretudo em conseqüência da União Européia, que fortaleceu os intercâmbios”, diz Panella. 

Ele traçará um panorama da cena atual de seu país em encontro com a pesquisadora Neyde Veneziano (Unicamp), especializada em teatro italiano; a diretora Débora Dubois, que participou de projeto no Della Limonaia há cerca de três anos; e o crítico daFolha Sérgio Salvia Coelho, que situará a produção brasileira recente. A mediação será feita pela atriz Inês Aranha. 

O evento gratuito marca os cinco anos da Associação Cultural Augusta. Panella vem ao Brasil por meio da parceria do teatro Augusta com a Folha. 

Ele destaca três autores da nova safra: Letizia Russo (1980), Fausto Paravidino (1976) e Spiro Scimone (1964). “Essa geração pratica um realismo muito particular. É um tipo de estrutura de texto que surge da fala cotidiana”, diz. 

Desde o final dos anos 80, o Della Limonaia realiza o festival Intercity, uma ponte com autores de outros países. Em 2004, o Brasil marcou presença com a encenação de textos do cearense Marcos Barbosa e do paulista Aimar Labaki. “Em geral, esses brasileiros alcançam linguagem universal a partir de realidades locais e histórias de intimismo”, afirma. A abertura e o final do encontro terão apresentação musical de Andréa Kaiser e Rosana Civile, ao piano.

Bruce Gomlevsky estudou gestual e maneiras de falar e cantar do músico
 

Peça, que entra em cartaz no CCBB após 200 apresentações no país, mostra ator em “show” no qual narra passagens da vida do cantor

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Pessoalmente, Bruce Gomlevsky diz que não tem nada a ver com Renato Russo, mas há dois anos ele traz de volta, num palco de teatro, o cantor e compositor da banda Legião Urbana, com seus gestos, voz, barba, bigode, óculos e camisas de mangas largas. 

“Dizem que eu “incorporo”, mas não gosto da palavra, apesar de ser um elogio”, diz o ator. O carioca Gomlevsky faz 33 anos hoje, na estréia para convidados, em São Paulo, do solo musical “Renato Russo”, no teatro do Centro Cultural Banco do Brasil, onde fica em cartaz até fevereiro do ano que vem, descontado recesso de final de ano. A peça estreou no Rio em outubro de 2006, nos dez anos da morte de Russo. Percorreu vários Estados e ruma a 200 apresentações. Foi vista por mais de 60 mil pessoas. Em São Carlos (SP), a sessão ao ar livre reuniu cerca de 6.000, o recorde. 

O molde é o mesmo de um show, em que o personagem narra passagens da vida e da carreira, na maioria das vezes à frente de uma banda -que, na ficção, é a embrionária Aborto Elétrico ou a Legião Urbana, mas, na realidade, é a Arte Profana -que acompanha o Russo de Gomlevsky em 22 canções. 

Na peça, seu interlocutor de fato é o público, mas há também os invisíveis, como amigos, familiares e jornalistas, como quer a dramaturgia de Daniela Pereira de Carvalho, em colaboração com o ator e o diretor Mauro Mendonça Filho. “Por onde a gente passa, de Norte a Sul, as pessoas cantam todas as músicas. Nunca tinha feito uma peça que emocionasse tanto”, diz o protagonista. 

Ele destaca ainda a adesão de adolescentes que descobrem a Legião agora. 

Gestos e canto
Gomlevsky diz ter estudado “internamente” a aproximação física nos gestos e maneiras de falar e cantar do vocalista. 

“Sempre quis trazer a alma do Renato para a cena”, diz Gomlevsky, que rejeita a pecha de “cover”. Ele idealizou o espetáculo há quatro anos, quando ganhou da mulher e co-produtora, a atriz Julia Carrera, uma biografia de Russo. Botou a voz num CD, tirou fotos caracterizado e pediu autorização à família do artista, que endossou o pré-projeto e, depois, cedeu os direitos para o espetáculo. 

Mauro Mendonça Filho, 42, atribui a recepção do trabalho não apenas à técnica de Gomlevsky, há 14 anos na estrada (dirigido por Gerald Thomas, Enrique Diaz, Felipe Hirsch e outros) e que dias atrás defendia o papel-título de “Macbeth”, no Rio, ou ainda foi visto na TV Globo no especial “Por Toda a Minha Vida”, homenagem ao líder da Legião. 

Para o diretor, o que o ator alcança seria fruto de sua “sensibilidade”. Daí certa “confusão espírita”, conclui ele, quando se está diante de um artista que “recria a alma, e não a imita”. É o resultado que esperam lmanter na transposição do musical para o cinema, em breve.