Disputa por poder guia peça do inglês Jez Butterworth com o Núcleo Experimental do Teatro Augusta
 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

A escatologia não está no primeiro plano de “Mojo” (1995), texto do inglês Jez Butterworth, 38, que ganha montagem inédita no Brasil pelo Núcleo Experimental do Teatro Augusta, em São Paulo. Mas o diretor Zé Henrique de Paula, 36, recorre aos fluidos corporais para ilustrar o modo violento como seis rapazes disputam feito cães a demarcação de território. “Não é uma peça sobre sêmen, mas sobre urina”, sintetiza ele, a despeito da concentração de testosterona. O que está em xeque é a pulsão aniquiladora do grupo que freqüenta um bar londrino no final dos anos 1950. Entre eles, há um cantor de rock que faz sucesso no Clube Atlântico. A popularidade dos shows atrai um empresário.

O sujeito alicia o astro e manda matar o proprietário. O crime assusta os dois caras que trabalham na casa. O filho do assassinado também entra na ciranda. Tanto o suspense policial como o ambiente underground, embalado por “bolinhas” e músicas de juke-box, surgem de forma lateral no enredo. O eixo é a disputa pelo poder nesse estranho círculo de amizades, a tensão provocada pelas ameaças subliminares ou viscerais, com faca ou revólver. “A maneira como esses homens lutam é mais importante do que o objeto da disputa, o negócio do bar, dos shows”, diz o diretor. Ele deixa claro o desejo de concentrar a encenação nos atores. O espaço intimista da sala experimental, no subsolo do teatro, exige ainda mais do sexteto Fabrício Pietro, Alexandre Cruz, Thiago Carreira, Thiago Ledier, Marcelo Góes e André Montilha. Metade do elenco vem do espetáculo anterior (que firmou o núcleo), “R&J” (2006), releitura do americano Joe Calarco para “Romeu e Julieta”. “A gente encara “Mojo” como o reverso de “R&J’: esta trata da construção da identidade masculina, com adolescentes descobrindo o amor; aquela, agora, lida com esses rapazes adultos que associam virilidade a poder”, diz o diretor. Em tempo: a expressão africana “mojo” designa amuleto com poderes mágicos.

Após 18 anos na estrada, Cia Teatro Autônomo pretende, até o início de 2008, encenar um espetáculo novo e ainda retomar outro, de 2005

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

São 18 anos feito Sísifo, começando tudo de novo a cada espetáculo. É uma imagem pertinente à Cia Teatro Autônomo, que caminha na contramão do teatro carioca desde que levou à cena, em 1989, uma leitura do mito grego que empurra um rochedo montanha acima, num trabalho interminável.

“Apesar do cansaço, o retorno é genuíno”, afirma o diretor Jefferson Miranda, 45, que usa e se orgulha do termo “contramão”, acima.

As perguntas seminais permanecem: “Para onde vai o teatro hoje? Que lugar ele ocupa no mundo?”.

Sabe-se que alcançar essas respostas equivaleria a pisar no pico da montanha, mas Miranda e o núcleo de artistas da Cia Teatro Autônomo seguem no encalço delas.

A última passagem do grupo por São Paulo ocorreu dois anos atrás, com a elogiada “Deve Haver Algum Sentido em Mim Que Basta” (2004).

Miranda volta à cidade a partir de hoje, mas não com o seu coletivo: ele é o diretor convidado de “O Perfeito Cozinheiro das Almas Deste Mundo”, que estréia na Unidade Provisória Sesc Avenida Paulista.

Para o final deste ano ou início de 2008, é desejo da Cia Teatro Autônomo trazer o seu último espetáculo, “E Agora Nada é Mais Uma Coisa Só” (2005), bem como o inédito “Nu de Mim Mesmo”.

“E Agora Nada é Mais Uma Coisa Só” é definido como “espetáculo-evento”, uma experiência em espaço não-convencional. Lembra vídeoinstalações, com espectadores percorrendo cinco áreas. A idéia é pôr em xeque a noção de realidade.

“Partindo de situações rotineiras, quando o mundo se apresenta em sua superfície corriqueira e banal, o espetáculo foca esse caráter múltiplo por meio das silenciosas revelações que podem nos assaltar inesperadamente no meio do nosso dia mais comum”, afirma o diretor.

Uma das premissas da companhia é encarar o teatro como um fenômeno. “Em contraposição ao “drama” , entendido como representação idealizada, apartada do atributo fundamental da arte cênica: o tempo “presente”.”

Co-criadores da cena
Outra perspectiva é destinar ao espectador o papel de co-criador da cena. Fala-se em “inclusão da escuta”, ou seja, em incorporar a história pessoal do espectador. Isso é radicalizado, segundo explica Miranda, no espetáculo atualmente em criação, “Nu de Mim Mesmo”, décima produção.

“A finitude das ações humanas, heróicas ou não, é o tema central. O que resta delas? O que vem depois? Somente a memória? Ou exclusivamente o silêncio, como Hamlet certa vez afirmou?”, tateia o diretor.

Arte e tecnologia
Com este projeto amplia-se também a interseção entre as artes e as tecnologias. “Pelo cruzamento e sobreposição de linguagens -teatro, performance, artes plásticas, vídeo, espacialização sonora etc-, propomos repensar os cânones do fazer teatral, em busca de uma escritura cênica que inclua os meios pelos quais o homem de hoje se expressa -e que o expressam”, teoriza.

O núcleo da Cia Teatro Autônomo é formado ainda pelo dramaturgo Flavio Graff, pelo desenhista de luz Renato Machado, pelo diretor musical Felipe Storino e pelos atores Adriano Garib, Diogo Salles, Gisele Fróes, Julia Lund, Malu Galli e Otto Jr.

Texto do britânico Brian Clark ganha versão de Flávio Marinho e é atualizado, com críticas ao Reino Unido e aos EUA na invasão ao Iraque

VALMIR SANTOS 
Enviado especial ao Rio 

Uma manhã típica dos 50 anos de convivência. Em meio ao café, o general-de-brigada aposentado lê o jornal antes de sair para jogar cartas com os amigos no clube. Bufa, faz blague do noticiário político do país, a Inglaterra. Ao lado, sua mulher, uma dama, também abre um jornal, mas de linha editorial mais progressista. 

São indícios da precipitação que estremecerá o casamento nas próximas horas de conversa. Ou de “combate”, como ilustra o ator Othon Bastos. Ele contracena com Eva Wilma em “O Manifesto”, peça de Brian Clark, autor inglês contemporâneo. Com tradução e direção de Flávio Marinho, tem pré-estréia na sexta em São Paulo, no teatro Renaissance. 

Vinte anos atrás, houve uma montagem carioca dirigida por José Possi Neto e protagonizada por Beatriz Segall e Cláudio Corrêa e Castro. O pano de fundo da guerra é atualizado para a tomada do Iraque por EUA e Inglaterra. Mas o drama que encerra o típico humor britânico resulta mais circunscrito ao exercício da tolerância a dois. 

Numa passagem, Margareth contemporiza: “Sei que você detesta, Edward, mas você realmente tem senso de humor”. 

Ao que ele retruca: “E por que eu deveria detestar?”. Ela responde: “Porque o senso de humor é muito subversivo. Antes de rir, você tem que levar em conta os dois pontos de vista”. 

É justamente numa página inteira de jornal que o militar zeloso da defesa da pátria se depara com a publicação de um manifesto assinado por “todos os comunas, frescos, atores desempregados, políticos desonestos”, como diz. E também por sua mulher, fato que o deixa pasmo. O documento pede a retirada das tropas norte-americanas do Iraque. 

Na casa dos 60 anos, Margareth é movida pela consciência da finitude, como se saberá ao longo do diálogo. Sai da sombra do marido, retorna para a universidade, começa a trabalhar e vem agora a público na condição de militante de esquerda com o sobrenome do general. 

Ele sublimou a farda, ela os livros. “Você passou seus melhores anos longe de mim e eu os meus melhores longe de você”, diz Margareth. “Nós vivemos em planetas distintos.” Artistas que ajudam a fazer a história da televisão e do cinema brasileiros, Othon Bastos, 74, e Eva Wilma, 73, dividem o palco pela segunda vez na carreira. A primeira foi em “Pequenos Assassinatos” (1971, direção de Osmar Rodrigues Cruz, que morreu neste ano), em temporada paulistana. 

Como o general e a mulher da peça, eles conhecem a experiência de casamentos longos. Também não foram poucas as superações para tocar a vida pessoal e o ofício.

Marcelo Drummond dirige primeira obra de José Vicente para o teatro em espetáculo que estréia nesta quinta no Oficina 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Em outubro de 1997, José Celso Martinez Corrêa era Sua Santidade em “Ela”, adaptação de “Elle” (1955), do dramaturgo francês Jean Genet, sobre um papa às voltas com a propagação mundial de sua imagem fotográfica, espécie de premonição da era midiática. O então papa João Paulo 2º visitava o Brasil justamente naquele mês. 

Quase dez anos depois, no mesmo teatro Oficina, a partir de quinta-feira, o ator Marcelo Drummond, que fazia parte do elenco, dirige Zé Celso em “Santidade”, de José Vicente, às vésperas da chegada de Bento 16 ao país. 

Primeira peça de Vicente, 61, escrita em 1967 -autor que agrega rebeldia e poesia à geração da contracultura-, “Santidade” flagra a crise de um jovem prestes a se tornar padre. Mas os questionamentos quanto à vocação religiosa não são os únicos. 

“Não é só uma peça gay como também não fala só de religião, apesar da tentativa de derrubar a moral cristã. Ataca a Igreja Católica do mesmo jeito que pode atacar a arte convencional”, diz Drummond, 44. O estilista Ivo (Zé Celso) e o ex-seminarista Arthur (Haroldo Costa Ferrari) são amantes. 

Moram juntos. Arthur vive às custas de Ivo, mais velho. A relação estremece com a chegada do irmão do segundo, Nicolau (Fransérgio Araújo), que busca aconselhamento sobre ordenar-se ou não. 

Para o diretor, a peça suscita indagações sobre idéias e comportamentos em torno de “alienação coletiva”, “asfixia cultural” e reação do indivíduo para se livrar, de forma independente e criativa, de pressões sociais e políticas. É a terceira direção que Marcelo Drummond, integrante do grupo desde 1986, assina no Oficina. 

Como em “O Assalto” (2004), outra peça de Vicente, na qual igualmente dirigiu Araújo e Ferrari (que ancora o projeto de encenação das peças do autor), aqui o tom é de intimismo. O desafio é equilibrar a cena no espaço expandido da pista do teatro. 

Os intérpretes usam microfones. Boa parte da peça é concentrada no miolo da passarela, mas os três se deslocam por galerias, por exemplo. O público é convidado a sentar-se em pufes. Os figurinos são do estilista Alexandre Herchcovitch. 

As duas montagens mais importantes da peça foram assinadas por Fauzi Arap, em 1967 e 1997, esta com Antônio de Andrade, Mário Bortolotto e Nívio Diegues no elenco. 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Cenas de sete peças de Nelson Rodrigues (1912-80) dão liga a “Amor por Nelson”, com direção de Jairo Mattos, em cartaz a partir de sexta no teatro Augusta. 

Seguindo a acepção do crítico Sábato Magaldi, estudioso da obra de Rodrigues, preponderam passagens das peças míticas (“Álbum de Família”, “Senhora dos Afogados”, “Anjo Negro”, “Dorotéia”) e das tragédias cariocas (“O Beijo no Asfalto”, “Toda Nudez Será Castigada” e “A Serpente”). 

O projeto dá seqüência à pesquisa dos intérpretes Dinah Perry e Paulo Goulart Filho em torno do diálogo da escrita teatral com a expressão corporal. Eles tentaram expor tal eixo em “O Cavalo na Montanha” (2002) e “X Y, a Verdadeira Diferença entre os Sexos” (2004). 

Como o título sugere, “Amor por Nelson” quer recortar a relação homem/mulher nas respectivas histórias. “A montagem trabalha os personagens como uma partitura ou coreografia. São 14 deles num total de sete cenas”, afirma Mattos, 44. Na atual temporada, Mattos também dirige “Eu Odeio Kombi”, com a Cia. Cênica Farândola Troupe, no teatro Arthur Azevedo; “Carro de Paulista”, no teatro Folha; e dirige e atua em “Cata-Dores”, no teatro Cultura Inglesa.