Peça promove interface com a literatura, tendo como referência Jean Genet, e as artes visuais, que aparecem em instalação cenográfica 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

O escultor e pintor suíço Alberto Giacometti (1901-1966) dizia-se fracassado diante da impossibilidade de transpor para a arte a realidade que o cercava. Ela, a realidade, lhe escapava na mesma proporção em que era perseguida. Um tanto dessas solidão e miséria humanas, que grudam nos calcanhares feito o trabalho vicioso de Sísifo, estão retratadas no espetáculo teatral “Cachorro”. 

A dramaturga alemã Dea Loher (de “A Vida na Praça Roosevelt”) toma emprestado o título de uma obra de Giacometti, “Cachorro”, justamente uma das esculturas no apartamento da personagem Velha Puta, ao lado das criações “Mulher em Pé” e “Homem que Anda”. 

O ano é 1966, em Paris. O Ladrão Coxo (Edson D’Santana) encontra na rua a Velha Puta (Irene Stefania). Vai ao apartamento dela em busca de três obras do escultor que recentemente morreu na Suíça. São obras desconhecidas, deixadas com sua provável amante. 

“Poderia resumir a peça como uma história de amor entre excluídos, mas é mais que isso. O Giacometti também era coxo, por exemplo, o que permite a metáfora do artista como um ladrão de imagem”, diz Roberto Lage, 59, que co-dirige o espetáculo com Juca Rodrigues. 

Como o texto de Loher, a montagem promove interface do teatro com a literatura e as artes visuais. Estas ganham relevo na instalação cenográfica que ocupa a sala Subterrâneo do Instituto Cultural Capobianco, onde o espetáculo faz temporada a partir de amanhã. 

Concebida pelo Ateliê Estúdio de Arte La Tintota, surgido na Venezuela há cinco anos, a instalação abriga o espetáculo nas sessões noturnas e, de dia, pode ser visitada pelo público em geral, a partir de 10/10, quando se completam 40 anos da morte de Giacometti. 

Na literatura, a principal referência é o escritor francês Jean Genet (1910-86), cujo ensaio “O Ateliê de Giacometti” (vertido para o português pela artista plástica Célia Euvaldo) é considerado uma recriação literária da obra do escultor. 

“A beleza tem apenas uma origem: a ferida, singular, diferente para cada um, oculta ou visível, que o indivíduo preserva e para onde se retira quando quer deixar o mundo para uma solidão temporária, porém profunda”, escreve Genet. “A arte de Giacometti parece querer descobrir essa ferida secreta de todo ser e mesmo de todas as coisas, para que ela os ilumine.” 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

O Brasil recebe pela primeira vez a companhia belga de teatro Needcompany. São 20 anos de experimentos de linguagem costurados a outras formas de expressão, como dança, música e artes visuais. E sem prejuízo da cena de origem, o verbo. 

“O que faço é teatro. Teatro da palavra”, diz o diretor artístico Jan Lauwers. Ele assina ainda dramaturgia e cenografia de “O Quarto de Isabella”, que estreou no Festival de Avignon em 2004 e foi exibido há dez dias na Bienal de Dança de Lyon, na França.

Na criação, Lauwers conjuga a perda recente de seu pai à dor de um mundo acossado por terrorismo. 

São duas apresentações no Sesc Vila Mariana, na Temporada Sesc de Artes, hoje e amanhã, e duas no riocenacontemporânea, dias 7 e 8, no Sesc Ginástico (RJ). Segundo Lauwers, trata-se de “uma história de verdade” com janelas para a ficção. A narrativa linear contrasta com outras montagens da Needcompany, conhecida pela disponibilidade para o risco e o experimento. 

A memória de Isabella puxa fios pessoais, afetivos, em meio a um painel histórico. Contracenando com nove atores, Viviane de Muynck vive a velha cega, que habita um quarto em Paris repleto de objetos antigos, parte da coleção do pai do diretor.

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

Numa de suas noites numa engordurada taberna de São Petersburgo, o protagonista de “Crime e Castigo”, o estudante Ralskólnikov, é abordado por um beberrão que lhe conta sobre a vida miserável que leva: ele, Marmieládov, três filhos menores e a mulher, Katerina Ivánovna. 

Esta personagem secundária do romance do russo Fiódor Dostoiévski, publicado em 1866, ganha corpo e voz no espetáculo teatral “K.I. do Crime” -suas iniciais. A montagem do diretor lituano Kama Ginkas (pronuncia-se “guinkas”), um solo da atriz Oksana Mysina, estreou em Moscou há 12 anos. Conquistou prêmios e viajou a outros países da Europa e EUA. 

O Brasil pode assisti-la desde a semana passada, quando estreou no 7º Cena Contemporânea-Festival Internacional de Teatro de Brasília. Em São Paulo, haverá sessões de hoje (para convidados) a domingo, no Sesc Ipiranga. Na próxima semana, é a vez da também 7º edição do evento riocenacontemporânea, no Rio. 

No livro, Katerina Ivánovna é apresentada sob o ponto de vista do marido. Na dramaturgia adaptada por Daníl Gink, 37, filho de Ginkas, 65, ela surge em desespero após a morte do marido, que se autodenominava “um porco”. Soma-se ao baque a tuberculose que abate a viúva, magra e irascível também por causa da fome, a ponto de encaminhar a filha mais velha, adotiva, para a prostituição. 

“Como Dostoiévski, preocupamo-nos não somente com os problemas sociais, que existem na Rússia de ontem e de hoje, como em outros países. O que nos interessa é o problema do ser humano e a sua relação com Deus”, afirma Ginkas. 

Inevitável a associação com Jó, personagem bíblico. “Todo humano tem o direito de perguntar: por que estão me obrigando a provações para mostrar o meu lado negativo? Todo ser contém as faces do santo e do demônio”, diz o diretor, que atende a reportagem em quarto de hotel em São Paulo. 

Em “K.I. do Crime”, a personagem como que convida o público a entrar em seu quarto, um canto frio onde ela organiza um almoço em memória do marido, uma cerimônia tradicional entre os russos após a morte de um familiar. 

Nesse espaço opressivo -em São Paulo, a garagem do Sesc Ipiranga é adaptada para cerca de 80 pessoas-, vem à tona o estado confuso de Ivánovna, em meio às crianças (três atores russo) ao seu lado. 

Remoinho
Oksana Mysina interpreta o texto em russo, mas lança frases em português e inglês, aqui e ali, o que não significa clareza no discurso que remoinha. 

Guinkas chegou a ensaiar a peça com a veterana Mariana Neyolova (que passou há pouco pela cidade com “O Capote”), mas problemas na agenda impediram que ela seguisse. Mysina abraçou o projeto de tal forma, desde a estréia em 1994, que o espetáculo tornou-se sua extensão orgânica. “Não poderia ser feita por outra mulher”, diz o encenador-pedagogo ligado ao Teatro do Jovem Espectador de Moscou (1918). “K.I. do Crime” encerra o projeto Estação de Teatro Russo-Brasil 2006, que desde julho trouxe cinco montagens daquele país, uma realização da Funarte/MinC, Sesc SP e Festival Internacional de Teatro Anton Tchecov, entre outras parcerias. Mais detalhes no site www.teatrorusso.com.br.

Autor russo é encenado nas peças “Ralé Ainda Pulsa”, em prédio em ruínas no centro, e “A Mãe”, no Fábrica SP
 

Raramente visto no Brasil, espetáculo “A Mãe” é adaptação feita por Bertolt Brecht para o romance homônimo de Gorki

 
VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Um escritor que assina “Minha Triste Infância” dificilmente olhará o mundo com condescendência. Foi com esse título que Máximo Gorki (1868-1936) lembrou seus primeiros anos de vida.

Na literatura e no teatro, sua escrita sempre diz respeito à miséria material e humana. Duas peças em cartaz refletem isso ao mergulhar no modo realista com que o russo Gorki encarava a sobrevivência e a convivência em sociedade.

No Teatro Fábrica São Paulo, o Núcleo 2 monta “A Mãe”, adaptação de Bertolt Brecht para o romance homônimo de Gorki raramente vista no Brasil, num espaço cenográfico conformado em uma arena.

Já o grupo de Teatro Meio transpõe a ação de “Ralé Ainda Pulsa”, peça baseada em “Ralé” (ou “No Fundo”), de Gorki, para São Paulo em uma triste atualidade, segundo os criadores: a do Castelinho, como é chamada a construção de 1912, ora decadente, na rua Apa, região central.

“Nossa opção foi menos pela idéia de encenar em um espaço alternativo simplesmente e mais pela vontade de provocar o espectador -o de classe média, de um modo geral- com as cores, texturas e cheiros desse mundo de miséria, tão próximo de nós e numeroso, e ao mesmo tempo, como diz o texto [de Gorki], tão ignorado: “As pessoas se acostumam com a pobreza e nem olham mais'”, afirma o diretor do espetáculo, Alex Brasil, que também assina a adaptação.

Cortiço
Dentro do Castelinho, conta Brasil, foi montado um cortiço. “Exatamente igual a diversos cortiços visitados na região. O próprio Castelinho já foi um, de fato, quando ainda tinha teto”, diz o diretor. “O público entra nesse cortiço e sente, por uma hora e quinze minutos, a pulsação de vida que ainda resiste dentro dele.”

Ainda de fora do Castelinho, antes do início do espetáculo, o Teatro Meio exibe um vídeo de oito minutos que condensa a pesquisa realizada em áreas miseráveis da cidade.

Considerado uma das obras-primas de Gorki, “A Mãe” promove diálogo sintomático entre o autor russo e o alemão Brecht (1898-1956). “O romance de Gorki vai até 1905, um dos anos mais violentos da história da Rússia, que ele viveu in loco, quando milhares de camponeses morreram em luta por terra, e várias greves foram deflagradas”, afirma Sérgio Audi, diretor de “A Mãe”. “Brecht vai lá, ressuscita a personagem e amplia a trajetória da Mãe até 1917, ano da Revolução Russa.”

Programas selecionados incluem “Vestido de Noiva”, de Nelson Rodrigues; atores, críticos e pesquisadores comentarão as histórias 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

O diretor de teatro Antunes Filhos também foi um homem de televisão, veículo contra o qual hoje pragueja ao ver atores com quem trabalhou atuando em novelas (caso de Luís Melo).

A face televisiva do diretor poderá ser vista na série “Antunes em Preto e Branco”, que a TV Cultura promete levar ao ar até o final do ano -dia e horário de exibição a definir.

Serão apresentados 13 dos cerca de 30 teleteatros que Antunes dirigiu e adaptou para a emissora, na década de 70.

Todos os programas serão apresentados na íntegra. Entremeando os três blocos, haverá depoimentos de artistas que participaram dos projetos ou de críticos e pesquisadores.

Os teleteatros foram produzidos originalmente em preto e branco. A Folha teve acesso a um deles, “A Casa Fechada” (1975), adaptado da peça de Roberto Gomes (1882-1922).

No trabalho, é possível entrever também o olhar cinematográfico de Antunes. A fotografia explora a atmosfera de Paranapiacaba (SP), a locação escolhida, com a neblina nas ruas, a arquitetura inglesa nos casarões e a estação de trem.

A séria é rara oportunidade para assistir, por exemplo, às atuações de Jofre Soares, Karin Rodrigues, Jairo Arco e Flexa.

Numa cidade interiorana, os moradores estão em polvorosa com o caso de uma mulher que trai o marido e é obrigada a fugir. Tempos depois, o casal, os três filhos e um delegado estão de volta à casa desabitada. Enquanto decidem o rumo de suas vidas, trancafiados, do lado de fora a vizinhança maldiz a adúltera.

“O Teatro é o esporte do pensamento”, diz Castorf; “Na Selva das Cidades” será apresentada hoje e amanhã no Sesc Pinheiros, em SP

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem local

O diretor alemão Frank Castorf age um pouco como os personagens de “Na Selva da Cidade”: aprecia dizer não. Na peça do dramaturgo também alemão Bertolt Brecht (1898-1956), um bibliotecário se recusa a “vender” a um negociante a sua opinião negativa sobre determinado romance. 

É o “parti pris” algo surrealista do texto que se revelará mais complexo nas relações humanas sob os vetores afetivos, políticos e sociais. Isso tanto no contexto da Chicago de 1912, centro financeiro em que se passa a ação original, quanto na geografia indefinida da releitura de Castorf, que cabe em qualquer metrópole de 2006. 

Em nova passagem pelo Brasil com a cia. Volksbühne (da qual se viu “Estação Terminal América” no ano passado, livríssima adaptação de “Um Bonde Chamado Desejo”, de Tennessee Williams), Castorf traz a montagem de “Na Selva das Cidades” que estreou em fevereiro na sede do teatro estatal, na antiga Berlim Oriental -espaço inaugurado em 1914 e construído por uma associação de operários. No Brasil, a turnê passa por seis cidades, começando por São Paulo (há apresentações no Sesc Pinheiros, de hoje a domingo). 

Castorf já disse não, por exemplo, a um teatro que dirigia e do qual foi demitido no início dos anos 80, por causa de um espetáculo politicamente incorreto. Mais recentemente, resistiu apenas um ano como diretor artístico do Ruhrfestspiel, um festival internacional do interior alemão, sob alegação de “afastar o público”. 

Deu tempo de levar o projeto “Os Sertões”, do grupo Oficina Uzyna Uzona, que depois fez temporada no próprio Volksbühne.

“Teatro é o esporte do pensamento”, diz Castorf, 55, que recebe a Folha no hotel em que está hospedado. 

Saudade da morte
Como Zé Celso, que dirigiu “Na Selva das Cidades” em 1969, ele destaca a antevisão do jovem Brecht -é sua terceira peça- quanto aos regimes de exceção e à deterioração da vida, em vários aspectos, na cotação do sistema capitalista. 

E nem é o Brecht, cujo cinqüentenário de morte é lembrado este ano, do paradigma da luta de classes, do contorno épico que vai caracterizar a fase, por assim dizer, mais madura de sua obra. Nos anos 20, segundo Castorf, sua dramaturgia soava lírica, sob influências do dadaísmo e do jazz, em meio à lama, à solidão, à selva, ao inferno de Rimbaud. 

Anos depois, Brecht dizia que “Na Selva…” embutia alguma “saudade da morte”. “Ele assimilou e vomitou tudo por meio da escrita. 

Ao terrorismo político, contestou com o terrorismo poético, a independência de pensador que praticou a vida toda.” No enredo, o bibliotecário Shlink e o comerciante Garga entram numa espiral de discussões que passa por valores materiais e imateriais. 

Eles até convivem, conhecem o campo de um e de outro, há inclusive uma sugestão homoerótica, mas o ringue é inevitável. 

“O Garga entra com família, o Shlink com a riqueza. Um sabe que vai perder a família e o outro sabe que vai perder o dinheiro, num comportamento de quem é viciado em jogo, um jogo de forças”, diz o diretor. 

A turnê, que incorpora técnicos e atores brasileiros, faz parte do programa Copa da Cultura (MinC, Instituto Goethe e Sesc-SP) e segue para Santos (Sesc local, 5 e 6/9), Salvador (Teatro Castro Alves, 9 e 10/9), Guaramiranga, no CE (Festival Nordestino de Teatro, 15/9), Fortaleza (Teatro José de Alencar, 18/09) e Brasília (Cena Contemporânea – Festival Internacional de Teatro, 21 e 22/ 9).