Peça, que estreou no Rio em março, conjuga dor e solidão sem perder o humor
 

Diretor evoca mãe morta recentemente na peça que estréia hoje em São Paulo; montagem faz dobradinha com “Terra em Trânsito”
 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Um Gerald Thomas com paciência de pedagogo conversava com cerca de 30 pessoas na sexta passada, em São Paulo, no curso onde fala sobre sua concepção do trabalho de ator. “Em vez de perder tempo tomando chope, vá ler Schopenhauer”, diz Thomas, 53, aos que costumam afogar crise existencial em mesa de bar. 

O diretor que cita Arthur Schopenhauer (1788-1860), filósofo de visão niilista, também relaciona “solidão” e “dor” ao menos quatro vezes durante o encontro no mesmo prédio do Sesc Anchieta, teatro em que apresenta a partir de hoje “Rainha Mentira/Queen Liar”. 

A peça curta, que estreou no Rio em março, faz sessões dobradas com “Terra em Trânsito”. O solo de Fabiana Gugli, da tetralogia “Asfaltaram a Terra” (2006), surge em “versão .2, como “M.O.R.T.E. 2′”, segundo o diretor, por causa de mudanças introduzidas após apresentações cariocas e nova-iorquinas. 

Thomas concorda que “Rainha Mentira” é exemplo de que solidão e dor são conjugadas em sua obra sem prejuízo do humor, desde a primeira criação, aos 19 -ele estima ter dirigido 78 peças ou óperas. 

Sua mãe morreu em agosto passado. Ele não pôde ir ao enterro. Pediu a Gugli que lesse uma carta na cerimônia. Esse depoimento é base da dramaturgia, misto de ficção e realidade em que lembra a traumática relação da mãe com a avó, por exemplo, mas também quer dar notícias do que tem sido a pulverização de tragédias como a do Holocausto. 

“Por favor, se interesse um pouco pela história da humanidade, ela não começou ontem”, diz Thomas no workshop. 

À Folha ele afirma que o estado de solidão “é absolutamente necessário”, um alerta para ser e estar no mundo. Como no fluxo de consciência das peças, ele vai a Samuel Beckett, sua bússola: “Falhar. Falhar de novo. Falhar melhor”.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

“Nosso desafio era como nos apropriar das histórias, mexer, criar estruturas narrativas, personagens, situações, enfim, transformar isso numa dramaturgia e contar as coisas com a linguagem do teatro”, diz Maurício Arruda Mendonça, 43, co-autor da peça com o próprio Moraes, 42. O diretor diz que evitou o ilusionismo o mais que pôde. “Não queríamos cair na cilada de pôr em cena somente os relatos positivos.” Como ele, o grupo afeito à farsa quer enfrentar as dores em bases mais realistas. 

Eduardo Moreira, um dos fundadores do Galpão, lembra os desafios da companhia mineira, que chega agora à 17º peça
 

De viagens a bordo de duas Brasílias até a miniatura do ônibus de “Pequenos Milagres”, grupo percorreu 38 cidades no Brasil e 17 países

“O teatro no Brasil mudou muito nos últimos 20 anos. Incluindo o gosto do público. Os grupos fizeram um trabalho de formação de platéia, mais disposta a diálogos com produções sofisticadas em relação ao pensamento, um dos princípios do teatro feito em grupo”, diz Moraes.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Com a primeira “Mostra de Solos”, de hoje a domingo, o Espaço Parlapatões oferece ao público (cúmplice do intérprete que ocupa a cena sozinho) um painel significativo da produção recente do formato. 

O monólogo costuma refletir modo de produção mais barato. 

Daí o pé atrás: precisa de muito talento para dizer a que veio. É chance para ver ou rever espetáculos, em sua maioria premiados. São sete de São Paulo e um convidado do Rio, “A Descoberta das Américas”, que abre o evento hoje. 

Essa adaptação da peça do italiano Dario Fo (“Johan Padan a La Descoverta de La Americhe”), defendida por Julio Adrião e dirigida por Alessandra Vannucci, é exemplo de bem-sucedida recepção do formato. Adrião levou o Prêmio Shell de Teatro de 2005, no Rio, de melhor ator com as desventuras de um “zé ninguém” às voltas com a fogueira da inquisição, a caravela de Colombo, naufrágio e índios antropófagos. Além da palavra, põe em evidência a dramaturgia do corpo. São mínimos os recursos de cenografia, figurinos e luz. 

Dosagem oposta à de Marat Descartes em “Primeiro Amor”, conversão para o palco do romance de Samuel Beckett, sob direção de Georgette Fadel. 

Shell de melhor ator em SP, em 2006, Descartes surge contido num banco, a narrar uma desalentadora iniciação amorosa. 

Na quinta-feira, o também premiado Henrique Schafer (Shell SP 2005 de melhor ator) valoriza a expressão física em “O Porco”, do francês Raymond Cousse, com direção Antonio Januzelli. Trata da reconstituição de momentos da vida do animal “humanizado” do título: antepassados, família, condição social, desejos etc. São duas as peças de sexta. 

Mário Bortolotto interpreta “Kerouac”, com dramaturgia de Maurício Arruda Mendonça e direção de Fauzi Arap. E Maíra de Andrade protagoniza “Mukhtaran – Ensaios Sob a Guerra”, texto e direção de Eugênia Thereza de Andrade. 

Sábado tem mais jornada dupla. “Horácio”, de Heiner Müller, com direção e atuação de Celso Frateschi. E “Prego na Testa”, de Eric Bogosian, com o parlapatão Hugo Possolo e direção de Aimar Labaki. 

Lígia Cortez encerra o evento no domingo, com “A Entrevista”, texto de Samir Yazbek e direção de Marcelo Lazzaratto. 

Peça com protagonista mineiro será encenada hoje e amanhã no Sesc Anchieta
 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Um espetáculo da Venezuela sobre o enfrentamento do poder por um indivíduo pode suscitar a dúvida: é ou não uma peça com referência ao presidente Hugo Chávez? O diretor de “Hamlet”, Orlando Arocha, e seu protagonista, o brasileiro Ricardo Nortier, dizem que esta não é a questão. 

“Não é nossa intenção direta, mas a peça traz pontes pela própria força das metáforas em Shakespeare”. diz Nortier, 37, ator mineiro radicado há dez anos em Caracas. “O público se identifica com os problemas latino-americanos. Tanto que o espetáculo se passa num quarto de fundo destruído, o local da casa onde se lava roupa suja.” 

O “Hamlet” de Arocha tem apresentações hoje e amanhã, no Sesc Anchieta, e depois participa do Festival Internacional de Teatro de São José do Rio Preto (SP). 

“Na Venezuela, a situação está tão polarizada [do ponto de vista ideológico] que qualquer coisa passa necessariamente por questões políticas”, diz Arocha, 53. 

Sua montagem, de 2004, aproxima a platéia do espaço cenográfico, no qual a opressão é sugerida pelo teto baixo e paredes estreitas, por onde vagam os personagens. 

Criado há 20 anos, o grupo Contrajuego transita por um teatro de arte, segundo o diretor. São ao todo nove intérpretes, entre eles Eulalia Siso (Gertrudes), Ludwig Pineda (Claudio), Diana Peñalver (Ofélia) e Julio Bouley (Horãcio)

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

“City tour” à la Parlapatões. No ônibus, 44 espectadores, a rodomoça, o guia engraçadinho, o motorista perdido e outros tipos rumam para o “Pior de São Paulo”, intervenção que estréia amanhã.

Não é espetáculo, diz o ator e co-roteirista Hugo Possolo (com Mário Viana). E os piores lugares podem ser mansões onde o lixo é empurrado para baixo do tapete. A inspiração vem do palhaço italiano Leo Bassi, radicado na Espanha. Em um passeio por Madri, há quatro anos, ele fez com que uma trupe paramentada de iraquianos invadisse a casa do então premiê José María Aznar, que havia apoiado os EUA na tomada ao país do Oriente Médio. 

Os alvos dos Parlapatões são públicos ou privados, mas não podem ser revelados. Exceção à estátua de Borba Gato, em Santo Amaro (zona sul), incluída no roteiro para fazer blague da eleição do Cristo Redentor como uma das sete novas maravilhas do mundo.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Chegou a vez do teatro dar sua versão para as experiências de Drauzio Varella como médico voluntário na Casa de Detenção de São Paulo, relatadas no livro “Estação Carandiru”. Depois do cinema e da televisão, Gabriel Villela dirige a adaptação do jornalista Dib Carneiro Neto, “Salmo 91”, que estréia hoje no Sesc Santana. 

Na peça, Varella, colunista da Folha, não aparece. Nem como narrador. A adaptação opta em dar voz a dez personagens reais com os quais o autor conviveu. A dramaturgia surge na forma de dez monólogos em tom confessional, com falas dirigidas à platéia, da boca de cena, sem que os presos se cruzem. 

A intercalação cabe ao único sobrevivente desse time, Dadá (interpretado por Pascoal da Conceição). No dia 2 de outubro de 1992, em que oficialmente 111 presos foram mortos pela polícia, Dadá desobedeceu ao pedido da mãe para que lesse o referido salmo. Só o fez depois do massacre: “Mil cairão à sua direita, e dez mil à sua esquerda, mas a ti nada acontecerá, nada te atingirá”. 

Encenador marcado pela estética barroca, herança do berço mineiro que o leva a preencher a cena com minúcias, Gabriel Villela, 48, diz deparar aqui com o desafio do realismo. “Tenho enorme dificuldade em lidar com a subtração”, diz. 

Pelo ensaio a que a Folha assistiu, o vazio é evidente na grande área do gol que demarca todo o palco, tal qual campo de futebol. Nas laterais, painéis evocam o inferno de Dante Alilghieri em “A Divina Comédia”. A tragédia do Carandiru teria sua origem numa final interna de campeonato que terminou em briga de facções. 

Villela diz conceber sua montagem com um dos princípios da tragédia grega: “A palavra é mais importante que a ação, como vemos por exemplo em “Prometeu Acorrentado”, de Ésquilo”, afirma. 

“Salmo 91” promove reencontro de Villela com o ator Rodolfo Vaz, do Galpão, 14 anos depois de “A Rua da Amargura”.

Com direção de Marcio Aurélio, “A Metafísica do Amor” estréia amanhã em SP
 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local

Há cinco anos, no Festival Internacional de Teatro de São José do Rio Preto (SP), o encenador Marcio Aurélio e o ator Paulo Marcello, ambos do premiado “Agreste”, co-fundadores da Cia. Razões Inversas (1990), apresentaram uma performance baseada em idéias do filósofo alemão Arthur Schopenhauer (1788-1860). 

Agora, a experiência ganha corpo como espetáculo, somando-se a presença da atriz e bailarina Marilena Ansaldi em “A Metafísica do Amor”, a partir de amanhã, no teatro Sérgio Cardoso. Além da referência do título à obra do autor de “Metafísica do Amor, Metafísica da Morte”, que, entre outras questões, versa sobre instinto e sobrevivência, a montagem promove cruzamento com as provocações existenciais do francês Gustave Flaubert (1821-1880) em “As Tentações de Santo Antão”. 

“Apesar da visão romântica, as teorias de Schopenhauer são propícias à reflexão do caráter do homem contemporâneo, suas relações com a natureza, sua sexualidade, o amor, a morte”, diz Aurélio, 57. Flaubert serve como complemento para ler a sociedade atual. “Gosto do aspecto mítico de Santo Antão, personagem que viveu entre os séculos 3 e 4. 

É figura emblemática do cristianismo, se diferencia dos demais santos porque não tem uma busca muito firme de propósitos. Seu isolamento leva à autoreflexão sobre a existência”, diz Aurélio. “Flaubert escreveu o livro no momento em que a burguesia estava envolta no romantismo, mas também posicionava-se com atitudes.” A dramaturgia costurada em equipe por Aurélio é densa, não há propriamente um fio condutor. Em cena, um homem, em conflito, se alucina com o desejo reprimido. Em determinada passagem, surge o contraponto feminino com Ansaldi, que cria movimentos ao som de Vivaldi. 

Aurélio a dirigiu em “Hamletmachine” (1987) e “Desassossego” (2005). O desejo do espetáculo, diz o encenador, é pensar justaposições e reorganizações em tempos pós-modernos em que misturas e retaliações levam a novas identidades. No sábado, Marcio Aurélio embarca para a Espanha, onde dirige, de 13 a 15/7, a cantora portuguesa Maria João Pires no concerto “Schubertiade”, com participação de artistas internacionais, entre eles os brasileiros André Mehmari e Jussara Silveira.