Quatro espetáculos mostram busca por novas janelas estéticas e conceituais em dramaturgia, interpretação e encenação
 

Peças da cia. Luna Lunera, da atriz Rita Clemente e da cia. Clara, destaques do festival que termina hoje, anunciam bons ventos vindos do Estado

VALMIR SANTOS
Enviado especial a Curitiba 

Duas peças evocam as canções do Clube da Esquina e de Flávio Venturini. Não é difícil descobrir o lugar de onde elas falam. Mas o território do teatro mineiro desenhado neste 17º Festival de Curitiba, que termina hoje, dá notícias de outros horizontes.

Os espetáculos citados no parágrafo anterior são “Alguns Leões Falam”, da cia. Clara, e “Rubros: Vestido – Bandeira -Batom”, dirigido por Rita Clemente, atriz que também protagoniza “Dias Felizes: Suíte”. Ao lado de “Aqueles Dois”, que a cia. Luna Lunera emplacou na mostra oficial, esse quarteto evidencia os bons ventos que sopram da recente produção em artes cênicas do Estado.

São exemplos de trabalhos que buscam outras janelas estéticas e conceituais em dramaturgia, interpretação e encenação. Eles não são, necessariamente, tributários da linguagem popular que o Galpão forjou em 25 anos, ainda que o coletivo seja referência ao teatro de grupo (vide o peso do centro cultural Galpão Cine Horto).

A sensação é da fome pelo experimento com o desejo pela consistência, pelo rigor. “É vontade de fazer algo com qualidade. Não a técnica em si, mas tudo que envolva sensibilidade, busca pelo autêntico, urgência em falar sobre determinadas coisas”, diz Rita Clemente, 40, nome em interconexão com gerações mais novas, como a direção recente para o grupo Espanca! em “Amores Surdos”.Mas ela ressalva o perigo de reducionismos. “Temos que tomar cuidado em não começar a inventar um pão de queijo de Minas.

Ouço muito a palavra sensibilidade para se referir aos trabalhos, mas acredito mesmo é em sofisticação”, diz a autora de uma recriação de “Dias Felizes”, na qual a senhora de Beckett, enterrada no chão, emerge por meio de partituras física, imagética e musical, com instrumentistas ao vivo.

Revelação
Um dos momentos já memoráveis desta edição foi a “revelação” de Caio Fernando Abreu pela cia. Luna Lunera. Revelação porque o autor gaúcho é freqüentemente visitado no festival sob a tecla única do homoerotismo. O mundo de Saul e Raul em “Aqueles Dois” não corresponde às convenções da chefia e da turma com quem trabalham num escritório.

No conto homônimo, extraído de “Morangos Mofados” (1982), eles são amantes de filmes, das artes plásticas, da poesia, da música, donos de uma subjetividade que contrasta com a engrenagem burocrática, a ferrugem das formalidades num ambiente opressivo.

Os procedimento para multiplicar ou comprimir tempos e espaços são expostos na arena do teatro Paiol. Como sujeitos e narradores, os intérpretes jogam com o corpo, os objetos de época, o olhar.

Chamam seu interlocutor, o público, a uma cumplicidade sem ilusões, como na melhor parte de um romance que deixa vir o cheiro, o toque, os outros sentidos.

Em “Alguns Leões Falam”, a via sensorial vem da palavra, do vazio espacial. Quando as instâncias se encontram, dá música, transborda a ação corporal. Como na amizade dos personagens, uma mulher e dois homens, no sentimento inaudito que os ligam desde a infância. A cia. Clara sublinha a dramaturgia como paisagem, introspectiva e quase sem diálogos.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Nos anos 90 ou nesta década, era comum deparar com Antunes Filho ensaiando ou dirigindo tragédias gregas. Fincou pé na possibilidade de um ator brasileiro capaz de trazer à luz Eurípides ou Sófocles sem os estereótipos da representação do gênero, a começar pela voz. 

Ao retornar agora a Nelson Rodrigues (1912-1980), quase 20 anos depois, ele monta um dos mais potencialmente trágicos textos da dramaturgia nacional, “Senhora dos Afogados”, lançada em 1947. 

“Aqui, a tragédia grega pode até ser um antimodelo para mim: acho que encontrei o equilíbrio entre um drama que às vezes beira o trágico, mas se permite as estocadas de humor. 

O Nelson Rodrigues tem um pouco o espírito de porco, ele vai e cutuca, mas, se bobear, vira dramalhão”, diz o diretor do Centro de Pesquisa Teatral, que fica no Sesc Consolação, em São Paulo. É no teatro anexo àquele prédio, o Sesc Anchieta, que o CPT e o grupo Macunaíma estréiam amanhã um dos espetáculos mais aguardados do ano. Antunes, 78, está entre os criadores que ajudaram a desconstruir as convenções pornográficas ou melodramáticas em torno da obra do autor, principalmente no período dos anos 80. Já assinou cinco espetáculos, de 1965 a 1989, incluindo adaptações. 

Apesar da bagagem, diz que encontrou mais dificuldades para “navegar” no seu novo Nelson -metáfora pertinente à sedução das águas na peça, “mar que não devolve os corpos e onde os mortos não bóiam”, como diz uma das personagens. 

Pai e filha
Dificuldades não só estéticas, mas conceituais. Fica entusiasmado ao partilhar lampejo que experimentou no processo com a equipe de “Senhora dos Afogados”. “É a tragédia da esterilidade”, afirma.Ou seja, o percurso da mulher que assassina as irmãs pela ambição de ser a filha única -e mulher de seu pai, já que empurra o próprio noivo para a mãe, que também morre- tem como desfecho a impotência. 

Misael, o pai, morre no colo de Moema, a filha. Ela evita acariciar o corpo. “As mãos dela não têm mais utilidade. Matou tudo e todos para ter e não teve, não conseguiu, falhou”, diz Antunes. Segundo ele, essa atmosfera lembra o espanhol Federico García Lorca em “Yerma”, que dirigiu em 1962, no TBC. “Ao contrários das personagens gregas, em “Senhora dos Afogados” não há a dimensão do sofrimento perpétuo. Morreu, acabou. É mixo, é brasileiro. É a tragédia brasileira.” 

Essa dimensão também alcança o coro de vizinhos que testemunha e, às vezes, interage com os sofrimentos da família Drummond no casarão à beira-mar. Do cais, ouvem-se o lamento e a reza das prostitutas. Ao inconsciente coletivo (Jung) com o qual lida há tempos, o diretor conjuga o inconsciente estruturalista (Lacan) em busca do que acredita síntese tupiniquim dessas “figuras espectrais”. 

“Viração”“
Os personagens do coro são capachos, o brasileiro sufocado pela sociedade patriarcal, hipócrita. O coro não tem a nobreza, ele está se virando, não teve vez. É o pessoal da “viração”, que desabafa contando piadas, tirando um sarro do sapato do outro ou quebrando um telefone público quando ninguém está vendo”, ilustra o diretor. 

“Os vizinhos e as mulheres do cais são versões modernas das Erínias, deusas da vingança e do castigo, que nas tragédias gregas atormentavam os protagonistas. Mas são versões degradadas, que nada têm de sobrenatural”, diz a pesquisadora Leyla Perrone-Moisés no programa da peça. 

O projeto artístico de Antunes quer falar de civilização brasileira. “Não adianta melhorarmos o nível econômico se não tivermos um nível cultural bom. Vira pão e circo”, afirma. “Estou com o saco cheio de ter Pelés. Não pode ter um ali, outro lá, tem que ser todos, tem que dar uma assistência social e uma assistência cultural a todos”, diz. 

Como artista, ele se diz “sufocado, desesperado com a sociedade de consumo”. E a ação social que Antunes diz almejar, a partir do que constata, é por meio da arte. Ainda neste ano, gostaria de ministrar o curso “O Olho do Espectador”, dois dias de encontro, com três horas cada um, no qual falaria aos participantes sobre o trabalho do ator e do encenador, para início de conversa. “O diretor massacra a platéia. 

Eu já massacrei, com imagens, com sons, os atores gritando. Isso anestesia o público. Queria mostrar o que é um ator bom, o que é um ator estereotipado.”

Criação colaborativa entre companhias de São Paulo, de Minas Gerais e do Peru estréia em 12 de abril
 

Reunidos em São Paulo para a concepção do espetáculo, grupos planejam peça que saia da “dramaturgia convencional”

VALMIR SANTOS 
Do enviado especial a Curitiba

A Companhia de Teatro Os Satyros não conseguiu terminar a sessão de “Vestido de Noiva” que fazia anteontem, no teatro Guairinha, dentro da mostra oficial do Festival de Curitiba.Transcorrida cerca de meia hora de apresentação, houve falha no equipamento de vídeo.

O diretor Rodolfo García Vásquez interrompeu o espetáculo, chegou a retomar a cena com os atores, mas o projetor de imagens não voltou a funcionar.

A atriz convidada do grupo, Norma Bengell, falou ao microfone, aos prantos, e disse que o problema não era dos artistas, mas “da organização” que locou o aparelho. Foi agendada sessão extra para ontem à noite, às 22h30, na seqüência daquela que seria a segunda sessão no evento.

Quem comprou ingresso e não pôde ir pode pedir reembolso ou trocar por outro espetáculo até domingo (www.festivaldecuritiba. com.br).

VALMIR SANTOS 
Do enviado especial a Curitiba 

Um mal-entendido entre um suposto policial e atores de uma peça de Plínio Marcos quase terminou em tragédia no Festival de Curitiba.

O incidente ocorreu ontem, às 12h, no centro da cidade. Os atores Paulo Américo e Thiago Barros, da Cia. Independente de Teatro (SP), interpretavam “laçadores” que atraem homens para o bordel na adaptação de “Abajur Lilás”, peça de 1969.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local

Pela primeira vez, o Encontro Nacional das Artes Cênicas (Ecum), de Belo Horizonte, estende sua programação a São Paulo. O evento bienal chega à primeira década, na sexta edição, expondo questões significativas do teatro e da dança contemporâneos.

Durante seis dias, de hoje a sábado, criadores e pesquisadores do Brasil e do exterior realizam um fórum, no teatro Cosipa, na zona sul, e dão cursos na oficina cultural Amácio Mazzaropi, no Brás, zona leste. 

As atividades tratam do tema “Cena emergente: diálogos com o futuro”. “O eixo é uma espécie de síntese, de cartografia dos movimentos recentes no campo da criação cênica no país e em várias partes do mundo”, afirma o diretor-artístico do Ecum, Fernando Mencarelli, 45. 

Ele e o coordenador-geral, Guilherme Marques, estão entre os idealizadores do projeto, que nasceu em 1998. Inexistiam cursos de pós-graduação em artes cênicas na capital mineira. O encontro conseguiu se firmar conjugando formação, reflexão e capacitação (não há propriamente apresentação de espetáculos, mas demonstração de processo ou aula-espetáculo). 

A edição especial de dez anos traz artistas como a dançarina e coreógrafa suíço-japonesa Heidi Durning, a performer franco-haitiana Maud Robart e o dramaturgo e diretor francês Jean-François Dusigne, além de pensadores como a canadense Josette Feral, que investiga “a “performatividade” e os efeitos de presença nas artes do espetáculo”, a francesa Béatrice Picon-Vallin, especializada na relação da cena com as imagens, e, por videoconferência, o estudioso americano Richard Schechner, nome-chave na teoria da performance. 

Desde a terceira edição, sua curadoria se dá em rede, com colaboradores em outros Estados ou países. Fazem parte do time as pesquisadoras Christine Greiner (PUC-SP) e Sílvia Fernandes, o ator Carlos Simioni (grupo Lume) e os diretores Ana Teixeira (cia. Amok), Maria Thais (cia. Balagan e USP) e Antônio Araújo (Teatro da Vertigem e USP).