VALMIR SANTOS 
Do enviado especial a Curitiba 

Um mal-entendido entre um suposto policial e atores de uma peça de Plínio Marcos quase terminou em tragédia no Festival de Curitiba.

O incidente ocorreu ontem, às 12h, no centro da cidade. Os atores Paulo Américo e Thiago Barros, da Cia. Independente de Teatro (SP), interpretavam “laçadores” que atraem homens para o bordel na adaptação de “Abajur Lilás”, peça de 1969.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local

Pela primeira vez, o Encontro Nacional das Artes Cênicas (Ecum), de Belo Horizonte, estende sua programação a São Paulo. O evento bienal chega à primeira década, na sexta edição, expondo questões significativas do teatro e da dança contemporâneos.

Durante seis dias, de hoje a sábado, criadores e pesquisadores do Brasil e do exterior realizam um fórum, no teatro Cosipa, na zona sul, e dão cursos na oficina cultural Amácio Mazzaropi, no Brás, zona leste. 

As atividades tratam do tema “Cena emergente: diálogos com o futuro”. “O eixo é uma espécie de síntese, de cartografia dos movimentos recentes no campo da criação cênica no país e em várias partes do mundo”, afirma o diretor-artístico do Ecum, Fernando Mencarelli, 45. 

Ele e o coordenador-geral, Guilherme Marques, estão entre os idealizadores do projeto, que nasceu em 1998. Inexistiam cursos de pós-graduação em artes cênicas na capital mineira. O encontro conseguiu se firmar conjugando formação, reflexão e capacitação (não há propriamente apresentação de espetáculos, mas demonstração de processo ou aula-espetáculo). 

A edição especial de dez anos traz artistas como a dançarina e coreógrafa suíço-japonesa Heidi Durning, a performer franco-haitiana Maud Robart e o dramaturgo e diretor francês Jean-François Dusigne, além de pensadores como a canadense Josette Feral, que investiga “a “performatividade” e os efeitos de presença nas artes do espetáculo”, a francesa Béatrice Picon-Vallin, especializada na relação da cena com as imagens, e, por videoconferência, o estudioso americano Richard Schechner, nome-chave na teoria da performance. 

Desde a terceira edição, sua curadoria se dá em rede, com colaboradores em outros Estados ou países. Fazem parte do time as pesquisadoras Christine Greiner (PUC-SP) e Sílvia Fernandes, o ator Carlos Simioni (grupo Lume) e os diretores Ana Teixeira (cia. Amok), Maria Thais (cia. Balagan e USP) e Antônio Araújo (Teatro da Vertigem e USP).

Reestréia do espetáculo biográfico do diretor comemora 50 anos do Oficina
 

Para celebrar seu jubileu, o Oficina lança DVDs com montagens de “Boca de Ouro”, “Bacantes” e as 5 peças do ciclo “Os Sertões”

José Celso Martinez Corrêa, 70, considera “Vento Forte Para um Papagaio Subir” seu segundo nascimento como artista, em 1958, porta de entrada para o teatro. O primeiro foi em 1937, quando dona Lina, Angelina Martinez Corrêa, deu à luz. 

A peça de fundo biográfico, que estréia hoje no Oficina, acessa as raízes que o ator, diretor e dramaturgo Zé Celso fincou no teatro brasileiro. Foi com “Vento Forte…”, levada em conjunto com “A Ponte”, de Carlos Queiroz Telles, que o grupo Oficina iniciou sua história em 1958. A peça do jovem poeta Zé Celso, que o decano abraça com as novas gerações de artistas do coletivo no Bexiga, abre as celebrações do 50º ano do Oficina, o jubileu. 

Entre memórias pessoais e públicas, relativas à cidade de Araraquara (SP), onde o autor nasceu, o texto narra aventuras de João Ignácio, o alter ego de Zé Celso, vivido por Lucas Weglinsk. Na fictícia Bandeirantes, enfrenta atrasos de toda ordem, e até tempestade, para tornar sonhos em realidade. 

Os amigos Ricardo (Guilherme Calzavara), Lucinha (Ana Guilhermina), a atriz-enfermeira Maria das Dores (Sylvia Prado) e a presença simbólica da Mãe (Vera Barreto Leite) são figuras com as quais o jovem contracena em sua utopia, em meio a um Zé Celso que ora toca ao piano, ora interage como testemunha viva e ativa da própria obra coletiva. 

Entre as atividades previstas ao longo de um 2008 de “eterno retorno”, estão uma homenagem ao “Manifesto Antropofágico”, de Oswald de Andrade, e lançamentos de DVDs das montagens das peças como “Boca de Ouro” e as cinco encenações do ciclo “Os Sertões”.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

O diretor Amir Haddad, do grupo Tá na Rua, faz teatro há meio século e diz ainda ter dificuldade em definir o que é esta arte. Prefere relacioná-la à vida, duas metáforas alimentadas de “utopia”. 

Para a pesquisadora Iná Camargo Costa, a arte do teatro sobrevive desde tempos medievais, contracena com os meios tecnológicos como “atividade completamente artesanal”, mas resulta “socialmente irrelevante” na ordem do mundo capitalista. 

A provocação e o idílio estão entre os depoimentos colhidos no documentário “O que É Teatro?”, dirigido pelo dramaturgo Reinaldo Maia. O vídeo independente é exibido hoje, às 20h, no Galpão do Folias, sede do grupo paulistano Folias d’Arte, ao qual Maia pertence. A exibição é gratuita e seguida por um bate-papo. 

Encontro, jogo, diversão, deslocamento, representação, liturgia, vida, desvelamento de verdades: são definições suscitadas entre os depoimentos, um misto de gerações ao longo de 34 minutos. 

Falam artistas como os diretores José Renato (fundador do Arena, nos anos 50), João das Neves (ligado ao Opinião, nos 60), César Vieira (Teatro União e Olho Vivo), Roberto Lage (Ágora), Sérgio de Carvalho (Cia. do Latão), Carlos Gaúcho (Caixa de Imagens), Tiche Vianna (Barracão, de Campinas), a performer Dudude Hermann (Benvinda Cia. de Dança, de MG), a atriz Tânia Farias (Ói Nóis Aqui Traveiz, do RS) e os criadores portugueses Francisco Beja e Jorge Louraço. 

Mesmo sob o domínio de artistas ligados a grupos, Maia, 56, afirma que as respostas refletem pluralidade. “O vídeo é polifônico. Desconstrói a redução preconceituosa de que teatro de grupo significa ativismo de esquerda, experimentalismos. A questão é mais ampla.” 

Em contraponto, diz, há unidade no compromisso dos artistas de coletivos com o ofício, vinculando-o de forma estreita à existência de cada um. O vídeo entremeia imagens de espetáculos, sobretudo “Orestéia – O Canto do Bode”, o mais recente do Folias, movido por autoquestionamentos. 

Em tempo: a última cena do vídeo é a de uma vaca no pasto. “O que o camarada Brecht [dramaturgo alemão que atravessou duas guerras mundiais no século 20, morto em 1956] gostaria que existisse depois dele?”, questiona-se Maia.

Este flertou com o audiovisual nos ano 80, atuou em “A Próxima Vítima”, de João Batista de Andrade. E levou um ano e meio para fazer “O que É Teatro?”, câmera digital em punho e finalização do ator Flavio Tolezani.

Grupo de Eduardo Tolentino monta terceira peça do dramaturgo, reflexão sobre o poder paulista
 

Trajetória de fazendeiro e sua família que perdeu terras por causa da crise econômica de 1929 ajuda a entender Brasil de hoje

“Os que plantaram… Vão começar a colher!”. São as palavras finais de “A Moratória”, murmuradas pela mulher do fazendeiro que perde as terras herdadas do pai e do avô. 

A peça de Jorge Andrade (1922-84) toca em raízes históricas da formação do Brasil entre as décadas de 20 e 30. Retrata a passagem do espaço rural para o urbano, profetiza as concentrações política e econômica do Estado paulista e constata os sentimentos de felicidade e família ditados pela noção de propriedade. O ontem roça o hoje o tempo todo, como se verá no espetáculo do grupo Tapa que entra em cartaz amanhã no Sesc Anchieta, em São Paulo. 

Os chamados “barões do café” foram sacudidos pela crise de 1929 provocada pela quebra da Bolsa de Nova York. Afundaram em dívidas. Seguiram-se a Revolução de 30 e a Revolução Constitucionalista de 32, fechando a era da monocultura e abrindo o ciclo industrial. 

Escrita em 1954, “A Moratória” desenvolve-se em dois planos, passado (1929) e presente (1932), a vida na fazenda e a casa na cidade. Muitas vezes em cenas simultâneas, a dramaturgia desenha em fragmentos a trajetória do patriarca Joaquim, o Quin, e de sua família. 

A decadência abala profundamente os valores aristocratas do fazendeiro interpretado por Zécarlos Machado. Ele tenta manter as rédeas, mas a realidade o coloca em xeque, a começar pelos filhos. Marcelo (Augusto Zacchi) vira operário e Lucília (Larissa Prado) concentra energias no pedal da máquina de costura com a qual sustenta a casa enquanto pai e mãe (Lu Carion) esperam, em vão, ganhar o processo de recuperação judicial das terras e ter as dívidas suspensas. 

“É uma peça espremida entre 1929 e 1932, que talvez tenha sido o momento mais difícil dessa cultura, desse Estado que precisou de uma industrialização, de duas ditaduras, uma civil e uma militar, da transferência da capital federal para, enfim, exercer a hegemonia sobre o Brasil”, diz o diretor Eduardo Tolentino, 43. 

Ele mexeu bastante no texto, o que raramente o Tapa faz; sua premissa é de respeito incondicional ao autor. Mas, aqui, houve cortes equivalentes a meia hora de texto, cenas foram remanejadas, sem prejuízo da sofisticada linguagem de Andrade, como a Folha conferiu na apresentação de domingo passado, no Sesc Santo André. 

Retorno
Do mesmo autor de “Vereda da Salvação” (que Antunes Filho montou duas vezes, a última no mesmo Anchieta, em 1992) e “Ossos do Barão” (adaptada para novela no SBT, em 1997), “A Moratória” é obra que somente foi produzida em 1955, dirigida por Gianni Ratto, e em 1976, por Emílio Di Biasi. 

É “quase um texto inédito”, no dizer de Tolentino, muito estudado e pouco visto. 

“As grandes matrizes do teatro brasileiro tinham que, a cada década, ganhar uma revisão, uma releitura por outros diretores. Os americanos não passam uma década sem assistir a “A Morte do Caixeiro-Viajante” [de Arthur Miller], “Um Bonde Chamado Desejo” [Tennessee Williams] e “Longa Jornada Noite Adentro” [Eugene O’Neill]. São textos fundamentais para os EUA, porque é aí que se forma uma identidade”. 

Daí seu entusiasmo quanto à visita que Os Satyros fazem neste ano ao mítico “Vestido de Noiva”, de Nelson Rodrigues, que o próprio Tolentino dirigiu na década passada. Por falar em matrizes, o grupo Tapa, que completa 30 anos em 2009 e tem grandes dramaturgos estrangeiros em seu repertório, soma três Jorge Andrade (as outras são “Rastro Atrás” e “O Telescópio”), três Nelson Rodrigues, dois Oduvaldo Vianna Filho e dois Plínio Marcos, sempre textos pouco ou nunca encenados.