O Teatro Negro de Praga reúne seus melhores e mais divertidos números em espetáculo comemorativo dos 45 anos
 

Companhia do diretor e fundador Jirí Srnec faz três apresentações em São Paulo, fundindo música, mímica e artes visuais

Aos 45 anos, a companhia tcheca Teatro Negro de Praga é referência internacional na criação de formas animadas para o palco. O seu diretor artístico e fundador Jirí Srnec, 75, está de volta ao país com uma espécie de “pot-pourri” de sua trupe. 

Em “O Melhor do Teatro Negro”, de hoje a quarta-feira no Citibank Hall, em São Paulo, estão reunidos nove esquetes fundamentais da trajetória do grupo. 

Segundo Srnec, que é formado em música, artes gráficas e teatro, os quadros sintetizam a linguagem que não faz uso da palavra. São baseados na mímica e na releitura do milenar teatro de sombras chinês. 

No fundo preto do palco, com atores/bailarinos/mímicos visíveis ou ocultos, também eles vestidos de preto, estão em jogo silhuetas, luzes fluorescentes e objetos. A meta é compor narrativas com ênfase na plasticidade e no ritmo musical, cuja concepção também está a cargo de Srnec. 

“O efeito do truque não é o elemento principal, mas o meio para alcançar a metáfora dramática”, diz o diretor. O desafio é organizar essa “brincadeira” diante dos olhos do espectador. Para ilustrar, diz que os atores são como cartunistas a desenhar e depois desmanchar imagens em cena. 

Os quadros
“O primeiro esquete é “A Lavadeira”, nossa obra mestra em 46 anos de história. O enredo é muito simples: duas calças lutam para conquistar o estranho amor da mulher [que as pendura no varal]”, diz Srnec. 

Ele diz que não imaginava que aquele quadro, esboçado em 1959 e estreado oficialmente em 1961, cujo mote é a situação de uma mulher estendendo roupas numa manhã de verão, marcaria o início de toda a viagem artística do Teatro Negro de Praga. 

Em “O Fotógrafo”, um soldado e seu criado se enamoram da mesma moça, triângulo inspirado na linguagem do cinema mudo de Charlie Chaplin e Buster Keaton. 

“As Malas”, que estreou no Festival Internacional de Edimburgo, na Escócia, em 1962, trata de dois homens que se julgam felizes justamente por não terem posses. Até um deles surgir com uma mala pequena e o outro, com uma bem maior, instaurando uma competição. 

“O Violinista” é uma performance sobre um músico que tem problemas para começar a tocar seu instrumento. Tudo parece conspirar contra ele. 

Em “Os Faróis”, o protagonista é um inventor que cria uma poção com a qual pensa que poderá voar. Mas ele a toma em excesso e o efeito reverte para a embriaguez. 

E por aí vão os nove atos. “O espetáculo é cheio de humor. Pode-se assistir a nove exemplos de nosso trabalho nesses 46 anos. São performances ideais para a família inteira. Trazemos esse roteiro aos países latino-americanos porque vocês adoram se entreter com humor”, diz Srnec.

A companhia faz turnês pela região desde a década de 1970. A primeira vez no Brasil foi em 1980, em São Paulo. 

A última foi há três anos, com “Peter Pan”, criação motivada pelo centenário do personagem, um menino que se recusa a crescer, da obra do dramaturgo e novelista escocês James M. Barrie.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

O Folias d”Arte chega aos dez anos como no início: em crise. E isso é bom. Empurra o grupo para um antigo projeto: levar à cena uma obra-prima da tragédia grega, a trilogia “Orestéia”, de Ésquilo, que estreou nesta semana no galpão de Santa Cecília (região central). 

Escritas e apresentadas conjuntamente pela primeira vez no século 5 a.C., as peças “Agamêmnon”, “Coéforas” e “Eumênides” foram encenadas no século 20 pelo alemão Peter Stein e pela francesa Ariane Mnouchkine, para citar dois nomes. No Brasil, a iniciativa é rara. Conta-se uma releitura por Cristiane Paoli-Quito e sua Troupe de Atmosfera Nômade, em 1993, mas nada equivale à aventura na qual o Folias embarca, de quinta a domingo, durante três horas e meia. 

A “Orestéia” narra a saga dos Atridas, desde a partida do rei Agamêmnon para a conquista de Tróia até o julgamento de Orestes em Atenas, pela morte de sua mãe, Clitemnestra. 

Compreende o período de constituição do Estado grego e sua passagem do matriarcado ao patriarcado. O julgamento de Orestes por um tribunal formado por cidadãos estabelece a justiça dos homens em substituição à dos deuses. 

O Folias toma o fórum arquetípico do Ocidente, acusação-defesa, para questionar a si próprio, a arte do teatro na sua cidade e a história recente do país. Para o diretor Marco Antonio Rodrigues, o mesmo da bem-sucedida tragédia “Otelo” (2003), de Shakespeare, um dos desafios em Esquilo é dar conta da questão dialética. 

“A gente está acostumado a uma moralidade epicurista, positivista, cristã, de sim e não, de preto e branco. A leitura do simbólico está desmontada em todos os níveis. É isso que permite colocar Racionais MC’s no meio da madrugada na praça da Sé e depois dizer que [a violência] é coisa de crioulo, de pobre. É isso que permite trocar Fernando Henrique por Lula e tudo continuar na mesma”, diz Rodrigues, 51. 

Na adaptação do dramaturgo Reinaldo Maia, há correlações com a memória brasileira, pistas para situar o espectador. 

“Agamêmnon”, de estrutura trágica pura, travessia mais difícil, evoca os anos 50 e 60, quando se instala a ditadura em nome da democracia. 

“Coéforas”, um “drama trágico”, segundo Rodrigues, é o momento da luta pela restauração da democracia e volta dos exilados. Após o intervalo, “Eumênides”, uma “comédia trágica”, corresponde ao processo político que promete a liberdade, a restauração do poder ao povo, mas consagra “esperteza” das elites, no dizer do diretor. 

Atílio Beline Vaz, Carlos Francisco, Dagoberto Feliz, Nani de Oliveira, Patrícia Barros e mais sete intérpretes mergulham em teatralidade radical, como a Folha viu no ensaio, até para expor armadilhas do ilusionismo dramático. 

Após 18 anos na estrada, Cia Teatro Autônomo pretende, até o início de 2008, encenar um espetáculo novo e ainda retomar outro, de 2005

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

São 18 anos feito Sísifo, começando tudo de novo a cada espetáculo. É uma imagem pertinente à Cia Teatro Autônomo, que caminha na contramão do teatro carioca desde que levou à cena, em 1989, uma leitura do mito grego que empurra um rochedo montanha acima, num trabalho interminável.

“Apesar do cansaço, o retorno é genuíno”, afirma o diretor Jefferson Miranda, 45, que usa e se orgulha do termo “contramão”, acima.

As perguntas seminais permanecem: “Para onde vai o teatro hoje? Que lugar ele ocupa no mundo?”.

Sabe-se que alcançar essas respostas equivaleria a pisar no pico da montanha, mas Miranda e o núcleo de artistas da Cia Teatro Autônomo seguem no encalço delas.

A última passagem do grupo por São Paulo ocorreu dois anos atrás, com a elogiada “Deve Haver Algum Sentido em Mim Que Basta” (2004).

Miranda volta à cidade a partir de hoje, mas não com o seu coletivo: ele é o diretor convidado de “O Perfeito Cozinheiro das Almas Deste Mundo”, que estréia na Unidade Provisória Sesc Avenida Paulista.

Para o final deste ano ou início de 2008, é desejo da Cia Teatro Autônomo trazer o seu último espetáculo, “E Agora Nada é Mais Uma Coisa Só” (2005), bem como o inédito “Nu de Mim Mesmo”.

“E Agora Nada é Mais Uma Coisa Só” é definido como “espetáculo-evento”, uma experiência em espaço não-convencional. Lembra vídeoinstalações, com espectadores percorrendo cinco áreas. A idéia é pôr em xeque a noção de realidade.

“Partindo de situações rotineiras, quando o mundo se apresenta em sua superfície corriqueira e banal, o espetáculo foca esse caráter múltiplo por meio das silenciosas revelações que podem nos assaltar inesperadamente no meio do nosso dia mais comum”, afirma o diretor.

Uma das premissas da companhia é encarar o teatro como um fenômeno. “Em contraposição ao “drama” , entendido como representação idealizada, apartada do atributo fundamental da arte cênica: o tempo “presente”.”

Co-criadores da cena
Outra perspectiva é destinar ao espectador o papel de co-criador da cena. Fala-se em “inclusão da escuta”, ou seja, em incorporar a história pessoal do espectador. Isso é radicalizado, segundo explica Miranda, no espetáculo atualmente em criação, “Nu de Mim Mesmo”, décima produção.

“A finitude das ações humanas, heróicas ou não, é o tema central. O que resta delas? O que vem depois? Somente a memória? Ou exclusivamente o silêncio, como Hamlet certa vez afirmou?”, tateia o diretor.

Arte e tecnologia
Com este projeto amplia-se também a interseção entre as artes e as tecnologias. “Pelo cruzamento e sobreposição de linguagens -teatro, performance, artes plásticas, vídeo, espacialização sonora etc-, propomos repensar os cânones do fazer teatral, em busca de uma escritura cênica que inclua os meios pelos quais o homem de hoje se expressa -e que o expressam”, teoriza.

O núcleo da Cia Teatro Autônomo é formado ainda pelo dramaturgo Flavio Graff, pelo desenhista de luz Renato Machado, pelo diretor musical Felipe Storino e pelos atores Adriano Garib, Diogo Salles, Gisele Fróes, Julia Lund, Malu Galli e Otto Jr.

Marcelo Drummond dirige primeira obra de José Vicente para o teatro em espetáculo que estréia nesta quinta no Oficina 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Em outubro de 1997, José Celso Martinez Corrêa era Sua Santidade em “Ela”, adaptação de “Elle” (1955), do dramaturgo francês Jean Genet, sobre um papa às voltas com a propagação mundial de sua imagem fotográfica, espécie de premonição da era midiática. O então papa João Paulo 2º visitava o Brasil justamente naquele mês. 

Quase dez anos depois, no mesmo teatro Oficina, a partir de quinta-feira, o ator Marcelo Drummond, que fazia parte do elenco, dirige Zé Celso em “Santidade”, de José Vicente, às vésperas da chegada de Bento 16 ao país. 

Primeira peça de Vicente, 61, escrita em 1967 -autor que agrega rebeldia e poesia à geração da contracultura-, “Santidade” flagra a crise de um jovem prestes a se tornar padre. Mas os questionamentos quanto à vocação religiosa não são os únicos. 

“Não é só uma peça gay como também não fala só de religião, apesar da tentativa de derrubar a moral cristã. Ataca a Igreja Católica do mesmo jeito que pode atacar a arte convencional”, diz Drummond, 44. O estilista Ivo (Zé Celso) e o ex-seminarista Arthur (Haroldo Costa Ferrari) são amantes. 

Moram juntos. Arthur vive às custas de Ivo, mais velho. A relação estremece com a chegada do irmão do segundo, Nicolau (Fransérgio Araújo), que busca aconselhamento sobre ordenar-se ou não. 

Para o diretor, a peça suscita indagações sobre idéias e comportamentos em torno de “alienação coletiva”, “asfixia cultural” e reação do indivíduo para se livrar, de forma independente e criativa, de pressões sociais e políticas. É a terceira direção que Marcelo Drummond, integrante do grupo desde 1986, assina no Oficina. 

Como em “O Assalto” (2004), outra peça de Vicente, na qual igualmente dirigiu Araújo e Ferrari (que ancora o projeto de encenação das peças do autor), aqui o tom é de intimismo. O desafio é equilibrar a cena no espaço expandido da pista do teatro. 

Os intérpretes usam microfones. Boa parte da peça é concentrada no miolo da passarela, mas os três se deslocam por galerias, por exemplo. O público é convidado a sentar-se em pufes. Os figurinos são do estilista Alexandre Herchcovitch. 

As duas montagens mais importantes da peça foram assinadas por Fauzi Arap, em 1967 e 1997, esta com Antônio de Andrade, Mário Bortolotto e Nívio Diegues no elenco.