São Paulo – No imaginá­rio sócio-cultural do bra­sileiro, as empregadas domésticas são frequentemente aviltadas em seus direitos. Quer na vida real, quer na ficção (vi­de Olímpia em “Trair e Coçar, ÉSó Começar” ou Edileusa em “Sai Debaixo”). Essas profissi­onais são exploradas e tachadas de “burra” num piscar de olhos. E não se trata apenas de ranço machista. Numa definição ele­mentar, são mulheres humildes tratadas como escravas e relega­das à míngua.

Da ausência de registro na carteira profissional (uma luta sindical que ganhou visibilidade recentemente) até a relação sub-humano com patrões e patroas, a discriminação reflete a face mesquinha e hipócrita da socie­dade – em especial, da sua classe média. É “sujeira” da grossa sob o tapete…

A relação de poder entre quem contrata e quem presta ser­viço reproduz a falta de respeito para com o próximo. Um salário injusto, um quartinho diminuto, uma sujeição de “pessoa menor” dentro da casa-senzala, enfim, os papéis hierárquicos como que justificam tal tratamento, desprezando-se direitos humanos uni­versais – e infelizmente consa­grados mais no papel do que na vida como ela é.

Esse pensamento vem à tona por conta do espetáculo de dan­ça-teatro “Domésticas”, a nova montagem da atriz, bailarina, coreógrafa e diretora Renata Melo (“Bonita Lampião”, 94).

A partir de pesquisa com “jovens, idosas, mães, viúvas, solteiras, abandonadas, que a­mavam ou odiavam a profissão, seus patrões…”, Melo escreveu o texto e concebeu um espetácu­lo tocante e lírico em sua comicidade trágica.

O raio-X mostra quem são essas mulheres, seus desejos, sonhos e frustrações sem fim. A partir de três empregadas que ora se revezam e ora comparti­lham a cena, a peça mostra qua­dros independentes que, no en­tanto, complementam-se pela cumplicidade temática nos pla­nos da injustiça, da afetividade, da alegria, da tristeza, do desa­lento, enfim, da divagação diante do exercício de viver.

A própria Renata Meio, mais as atrizes-dançarinas Lena Ro­que e Cláudia Missura, são intérpretes meticulosas na condu­ção de suas personagens. O pressuposto rigor coreográfico harmoniza-se aqui com o espa­ço mais arejado do teatro. Po­rém, a imposição do verbo não descaracteriza, em momento al­gum, a fluência de gestos e mo­vimentos. Mesmo no “tim­ming” dos diálogos o espaço cê­nico é de alguma forma preen­chido, corporalmente falando.

“Domésticas” fura o univer­so feminista e também coloca em cena a figura masculina. Os personagens de Eduardo Estrela (chofer, pai, etc.) não contrapõ­em, mas revelam que são discriminados tanto quanto. Seu cho­fer, por exemplo, enamorado de uma empregada, confessa que seu sonho é fazer um crediário.

Os pequenos anseios e as grandes decepções vão, aos pou­cos, compondo o fio do espetá­culo. Para citar a frase obrigató­ria do início da peça: “Parece um trato que a gente faz: a gente limpa eles suja, a gente passa eles amassa, a gente arruma eles bagunça, a gente guarda eles joga, a gente põe eles tira, a gente tira eles põe. O serviço nunca acaba, o serviço acaba com a gente.”

Mais esta, que também consta do programa bem bolado, em forma de carteira profissional: “Quando a gente não pode fazer mais nada, então vai ser empregada. Come o que sobrou, se falta frita um ovo”. Tudo assim, a seco.

Elas, as empregadas, gostam de “música triste”, de fotonovelas, de novelas. Aliás, lêem faltando letras”. Esperam o “príncipe encantado”. Orgulham-se de mandar um dinheirinho para o pai e a mãe distantes. E gostam de preencher o pouco tempo de folga com digressões sobre o sol e a lua, satélites tão distantes quanto a realidade em que sobrevivem para o ganha-pão.

Adotando narrativa testemunhal em boa parte do espetáculo como num testemunho vivo para os espectadores, as empregadas fazem seus relatos sem interromper as tarefas cotidianas – acostumadas que estão a todo tipo de pressão. As­sim, as vassouras de piaçava são incorporadas à movimentação. O mesmo ocor­re com o balde e o pano de chão; com as flanelas; com o aspira­dor de pó; com os uniformezi­nhos indefectíveis.

A movimentação conjunta, ainda que às vezes propositada-mente desleixada, tem lá sua geometria. Outro destaque é o esforço intensivo para traduzir a mesma sonoridade produzida por gestos e objetos durante o trabalho de limpeza nos vários pontos de uma casa. Essa perspectiva sensorial confere mais vida à ação.

O cenário asséptico de Daniela Thomas e Marcelo Larrea, com suas paredes forradas por azulejos brancos, contrasta com a obsessão das empregadas em limpar e limpar o que não está sujo, num determinismo que, ao final das contas, limita suas próprias vidas à condição submissa em que se encontram.

Esse “folclorismo” é pincelado em “Domésticas”. Ainda quando tratadas “como cachorro”, custa a algumas mobilizar-se para reivindicar os direitos da profissão. A identidade não é só questão de “nome bonito”, mote do quadro de Raimunda e Antonio, ambos descontentes, sim, mas com respectivos prenomes, não com suas realidades.

Trata-se de um espetáculo de mão dupla: instiga o riso e cutuca a consciência dos espectadores, em sua maioria classe média. Os quatro intérpretes são envolventes. Renata Melo, em particular, é plena na introjeção da personagem, da voz à mão que amacia a roupa passada. Lena Roque, Claudia Missura e Eduardo Estrela também se entregam com a mesma energia, inclusive nos solos, garantindo o público nas mãos.

“Domésticas” acerta em não exceder na preocupação estética, procedimento comum em se tratando de dança-teatro (quando criadores querem fundir as linguagens com tanto virtuosis­mo que terminam por anulá­-las). O equilíbrio aqui é de tal monta que não se distingue propriamente um e outro – teatro e dança conjugam-se a favor dos personagens e de suas histórias sem atropelo.

Nessa que é das melhores montagens em cartaz na Capital (fica até o final de agosto mas deve ser prorrogada), o entrete­nimento flui com a mesma in­tensidade da denúncia. Função mais do que louvável de uma ar­te verdadeira em tempos de tan­ta injustiça social.

Domésticas – Direção, coreografia e roteiro: Renata Melo. Com Cláudia Missura, Lena Roque e Renata Melo. Quinta a sábado, 21h30; domingo, 20h30. Centro Cultural São Paulo/Sala Jardel Filho (rua Vergueiro, 1000, Paraíso, tel. 277-3611). R$ 12,00. Duração: 70 minutos. Até 30 de agosto (há previsão de prorrogar temporada).

“Aqueles 2” voa sobre o chão da vida

São Paulo – Compositor dos destinos na voz de Caetano, o tempo serve de moto-contínuo para a história de Pedro e Joana, os personagens de “Aqueles 2”. A peça escrita e dirigida por José Geraldo Petean oscila presente e passado na vã tentativa de vislumbrar o futuro a partir de uma perspectiva onírica.
 

Essa diluição de tempo e espaço pode confundir no papel, mas é bem elaborada em cena. Entre montes de areia que forram o tablado montado numa sala do restaurante Piolim, tradicional reduto da classe teatral na rua Augusta, Eloisa Elena Joana) e Marcelo Góes (Pedro) recriam o lúdico e o trágico com sutileza distinta da realidade.

O que está em jogo – eis uma palavra-chave para se compreender a aventura do texto – é a impossibilidade amorosa. “Aqueles 2”, na essência, não está longe de “Romeu e Julieta” ou “Tristão e Isolda”, para citar os clássicos.

Se nas tragédias a intervenção do mundo externo constitui empecilho concreto para a união de seres enamorados, aqui, no âmbito particular – ainda que não se situe o tempo e o espaço -, os entraves são antes frutos das vicissitudes humanas do que de natureza outra.

Joana e Pedro, os personagens, deslizam suas vidas por um árido terreno em que aparentemente têm segurança, mas logo sucumbem ao primeiro imprevisto da vida.

Toda a história, percebe-se depois, tem como eixo a imprudência. Em flashback, os dois desfrutam de uma noite de  amor, bebem bastante e ele, já bastante debilitada, insiste em ir embora e dirigir pela estrada madrugada adentro.

O acidente quase lhe provoca a morte. Joana fica com um sério problema na perna e, pior, é obrigada a romper com seu objeto do desejo por conta da ameaça do pai, que enxerga nele, Pedro, a causa de toda a desgraça do ponto de vista familiar e francamente burguês.

De volta para o futuro – um movimento que ora insistem em levar adiante e ora insistem em levar adiante e ora recuam -, os dois vêem-se obrigados a lidar com o real. Não há mais incosciência de viver por viver.

Joana aprende a pôr os pés nos chão. É assim que Pedro a reencontra, anos depois. Ele, claro, tenta cavucar a poesia de suas vidas, num passado remoto. Mas não encontra guarida. A não ser nas lembranças, das quais ambos parecem nutrir-se o tempo todo.

O texto de Petean, bem como sua direção, não se esquivam de assumir esse alheamento de almas apaixonadas que, de qualquer ponto de vista que não o dos envolvidos, pouco interessa. Mas não é bem assim.

“Aqueles 2” exala o sabor do desprendimento, do poder da aventura, de um extinto de liberdade, de permissão, enfim, que dificilmente se depara em vida – ou depois dela, como se queira. O problema, demasiado humano, é que tanta leveza não sobrevive para contar suas glórias. Num átimo de segundo, a vida branda sua fiel balança para compensar, para guindar os filhos alados para o chão da estrada.

As atuações perseguem o mesmo conceito de alteridade. Eloisa Elena e Marcelo Góes estão integrados em cena. Seus personagens se movimentam com leveza.

Todos os seres que estão ao redor de Joana e Pedro não ficam suficientemente claros para o espectador. Esses “vultos” não importam para o enredo que celebra a possibilidade do indivíduo em sua plenitude e relega normas ditas familiares, sociais. Os laços, aqui, são de outra ordem: a do coração.

Num tempo em que as noções de romance perdem-se em pós-isso, pós-aquilo, a montagem impõe-se como resgate de uma entrega menos oblíqua.

Joana e Pedro não foram felizes para sempre. Mas a felicidade revela-se um meio, e não um fim, quando as partes envolvidas são mais honestas consigo. “Aqueles 2”, ele e ela, pelo menos tentaram.

Aqueles Dois – Texto e direção: José Geraldo Petean. Com Eloisa Elena e Marcelo Góes. Quinta a sábado, 21h; domingo, 20h. Espaço Piolim (rua Augusta, 902, Cerqueira César, tel. 256-9356 e 244-4587). R$ 15,00 (estacionamento gratuito e 50% de desconto no jantar do Restaurante Piolim, mediante apresentação do canhoto do ingresso). Duração: 70 minutos.

Ela está lá, no “Aurélio”: “5. Que por seu caráter incomum, é como uma provocação, um desafio à condição humana”. Está lá também na mais recente mon­tagem, “Postcards de Atacama”, com seus personagens limítro­fes; seres soltos no deserto da vida que se vive.

Bortolotto enquadra a soli­dão nesta que é a segunda peça, escrita este ano, da trilogia que começou com “Medusa de Ray Ban” (96), jogando luz sobre a violência, e vai fechar em breve, em texto ainda sem título, colo­cando a morte em xeque.

E uma solidão crua, sem tin­tas. Às vezes o que se insinua como uma estilização das linguagens dos quadrinhos, do ci­nema noir ou mesmo da despre­tensão rock’n’roll, logo é dissimulada no silêncio, no movi­mento centrífugo dos personagens e suas inquietações interiores.

Jasão (Bortolotto) é um dete­tive metido a besta. Cansada das traições, sua mulher, Nico (Gabriela Schwab) o abandona. Em seguida, ele é contratado por Mae (Fernanda D’Umbra), uma mulher misteriosa que deseja encontrar seu marido, Toddy (Everton Bortotti), desapareci­do do mapa – a única pista são os postais enviados do deserto do Atacama, no Chile.

O encontro de Jasão e Toddy catalisa boa parte da peça. Ali­ás, ela abre com o diálogo desconexo de ambos, recheado de silêncios a la Beckett. E a tríade cerveja-arroto-poesia compõe o fluxo vital de um Toddy suicida em potencial.

“Postcards de Atacama” fala da saudade, da distância que se­para as pessoas longe de um lu­gar que não existe (Richard Bach).

Fala da impossibilidade de ceder e definir um território mútuo. Na sua distensão afetiva, avesso ao apego, Jasão é tão so­litário quanto Toddy, desconcer­tante na falta de aceno para a vi­da.

Em transe

As mulheres de ambos não ficam atrás. Mae e Nico com­partilham, retro-alimentam as neuroses. Parecem sonâmbulas diante da realidade. Estão, i­gualmente, em transe. Nico, por exemplo, curte andar na chuva, andar de carro com o cara que ela gosta. Mae prefere pregar os postais “dele” na parede, onde o olhar não os alcança.

E não é apenas o quarteto em si quem conduz a peça. Borto­lotto criou subtextos que constituem verdadeiros torpedos con­tra a moral e os bons costumes que a tudo e a todos cegam.

Há o incrível quadro do co­mercial de aparelho de ginásti­ca, cuja presença da gordinha atriz Carla Meneguella rouba a cena. Há a fixação do rapaz pe­la masturbação. Há o sujeito que vai vender a alma ao diabo e nem este a aceita. Há o fã que morre de amores por Brad Pit e briga com duas indefesas garo­tas por ele, o galã hollywoodi­ano.

São os tiros perpetrados por Bortolotto em “Postcards de A­tacama”. Em mais um painel estilhaçado pelo instinto passi­onal, capaz de amar e odiar, sua atuação não se distingue das anteriores. O ator Bortolotto fo­ge de qualquer traço de psicolo­gismo. Os personagens que vive em cena, depois de criá-los no papel, constituem o próprio no limite.

Bortotti compõe um Toddy entorpecido. O intérprete deixa muito claro o tênue fio que sepa­ra a loucura da razão. Suas inda­gações são pertinentes àqueles que não passam pela vida à toa, sem que a tenha nas mãos, por inteiro, ou deixe escorregá-la feito água.

Fernanda D’Umbra também faz da sua Mae um ser em suspenso. Seu oinar enxerga o infi­nito, mas não sabe como chegar lá. E uma atuação digna de poeta pertubada. Gabriela Schwab, como Nico, é a outra mulher e­térea, dona de si e submissa a quem ama. A atriz espelha essa impulsividade em movimentos corporais bruscos, acrescentan­do elementos à cena.

Aos coadjuvantes Joeli Pi­mentel, Carla Meneguella, Ali­ne Abowski e Pedro Fiori, com­pete a veia cômica. E dá-lhe es­quetes estriônicos, algo escato­lógicos, que funcionam muito bem como válvula – e comple­mento – do drama.

A direção de Bortolotto é a mais solta possível. Dentro des­se “à vontade”, porém, ergue-se a empatia do Cemitério de Automóveis com o público. São ato­res despojados, intensos, dis­postos a dar o melhor de si para ganhar o personagem, primeiro, e depois o espectador, como conseqüência.

O blues está na trilha e no coracão do diretor e ator, cutu cando tristeza e alegria esmae­cidas nos quatro cantos do quarto e do mundo.

Postcards de Atacama – Texto e direção: Mário Bortolotto. Com Cemitérios de Automóveis (Aline Abowsky, Everton Bortotti, joel Pimentel, Pedro Fiori e outros). Quinta a sábado, 21h30; domingo, 20h30. Centro Cultural São Paulo (rua Vergueiro, 1000, tel. 277-3611). R$ 12,00. Duração: 60 minutos.

Bortolotto diverte-se com coisas sérias

São Paulo – Divertir-se fa­lando de coisas sérias – eis o axioma que melhor defi­ne a dramaturgia do paranaense Mário Bortolotto, 35 anos. Se­gundo ele, sua obra, composta por 25 textos até aqui, se afina mais com a de Plínio Marcos (“Navalha na Carne”, “Dois Per­didos Numa Noite Suja”).

Mas o “maldito” Bortolotto não liga muito para a pecha. Não lhe ocorre, por exemplo, perambular pelas portas de teatro com seus livros debaixo do braço, o­ferecendo para os espectadores. “Há momentos em que eu gosta­ria de jogar tudo para o alto e fi­car em casa jogando videoga­me”, confessa. E o tipo de artista que prefere o boteco da esquina a paparicadas estréias de teatro.

Para o dramaturgo, uma his­tória sempre começa com “o umbigo da gente”. Ou seja, tudo o que se vê em cena tem relação direta ou indiretamente com sua vida.

Boa parte dos textos – senão todos – foi montada pelo Cemi­tério de Automóveis. Junto com “Postcards de Atacama”, recém-estreada, o auto lança o segun­do volume de “Seis Peças de Mário Bortolotto” – que inclui a­quela, mais “Nossa Vida Não Vale um Chevrolet”, “Uma Fá­bula Podre”, “Curta-Passagem – Quatro Pocket Peças”, “À Quei­ma-Roupa” e “A Lua é Minha” – esta inédita, que também deve ser montada até o final do ano.

A crítica ainda não deu a de­vida atenção ao dramaturgo. Sua obra retrata com precisão o tanto de angústia que aflige a geração que está na casa dos 30. Sexo, droga, rock’n’roll, política, universidade, solidão, insegurança, enfim, suas peças vão direto ao assunto, sem concessão e com saco cheio da retórica herdada.

O Bortolotto diretor não de­senvolveu propriamente uma técnica. Tem afinidade com marcação de cena, mas suas montagens são pobres em recur­sos cenográficos ou visuais. Po­bres no sentido em que seu tra­balho comporta. Daí a ênfase no trabalho de ator.

Neste quesito, o ator Borto­lotto é dono de um forte carisma em cena. Há um deboche, um “estar nem aí”, um lampejo de explosão facial, um gesto brus­co, enfim, a tensão é regra em suas interpretações, como se viu em “Santidade”, dirigido por Fauzi Arap.

Há também o Bortolotto vo­calista de banda. Canta levadas de blues e rock na Garagem Hermética, de Londrina (PR), sua cidade natal. O primeiro CD da banda sai em breve. Ah, sim, há também o poeta Bortolotto… 

São Paulo – José Celso Martinez Corrêa, ou simplesmente Zé Celso, é daqueles poucos que se en­tregam de corpo e alma ao teatro, sem concessões. Já lhe pespega­ram adjetivos de toda sorte -subversivo, preguiçoso, porno­gráfico, para citar alguns. Mas Zé Celso é refratário a ataques, sobretudo àqueles investidos de ódio pequeno-burguês. Ele se esquivou desde picuinhas da classe à perseguição cerrada do regime militar. O que sobressai nos 40 anos do Oficina, hoje Cia. Uzyna Uzona, é a coerên­cia ideológica e estética do ator e diretor e um dos fundadores do grupo.

Os primeiros 16 anos do O­ficina são tema do livro “Pri­meiro Ato – Cadernos, Depoi­mentos, Entrevistas (1958-1974)”, um apanhado do que Zé Celso escreveu naquele pe­ríodo. Sob organização de Ana Helena Camargo de Staal, a o­bra apresenta uma base docu­mental e histórica que ecoa o esforço e a persuasão do diretor do Oficina em registrar a sua é­poca.

Claro, Zé Celso traduziu a sua época, antes de mais nada, no palco, na celebração dos espetáculos que constituem, on­tem e hoje, sempre uma experi­ência particular a cada noite. Mas a maneira como ele deixa jorrar as palavras no papel tem muito a ver com  sua conduta no ensaio ou na apresentação em sim. Seus textos, mesmo quando em tom de protesto, de conclamação, resultam em poesia visceral, esponjosa, desconexa.

Ainda que vá direto à ferida, co­mo na carta aberta ao crítico Sá­bato Magaldi, por ocasião da montagem de “Gracias, Señor” (1972), ainda assim, Zé Celso não perde a graça. Perde a pia­da, mas não a alegoria.

Os textos, alguns semi-cata­taus, foram publicados em jor­nais ou revistas especializados em teatro; na imprensa comum ou, ainda, fruto de depoimentos a estudantes. Ou melhor, nem sempre foram efetivamente pu­blicados. “SOS”, por exemplo, o manifesto lançado logo após a invasão do Teatro Oficina, pela polícia, em 20 de abril de 1974, foi recusado pelas redações de todo o Brasil (e surge aqui, na íntegra, numa das passagens mais contundentes).

Zé Celso discorre também sobre as diferentes escolas. Ro­deado por atores de peso, como Renato Borghi, Etty Fraser, Fau­zi Arap, Célia Helena etc, o di­retor assila o método do russo Stanislavsky, por exemplo, mas não o toma por inteiro e defini­tivo. Bom antropófago, ele pre­fere a mistura de técnicas a par­tir de uma realidade tupiniquim. O mesmo se dá em relação aos americanos do Living Theatre com o happening, com o qual a crítica chegou a rotular o traba­lho do Oficina.

Ao final de “Primeiro Ato”, temos uma aula de resistência. Impressiona como Zé Celso e seus atores “vudizaram”, como ele gosta de dizer, todos os entraves que surgiram no cami­nho do Oficina em seus primei­ros anos – desde truculências até o incêndio do teatro, passando pela pindaíba da trupe. O livro fundamenta a religião te­atral que arrebanhou todos que, um dia, pisaram no terreno da rua Barão de Jaceguai, Bela Vista.

Primeiro Ato – Cadernos, Depoimentos, Entrevistas (1958-1974) – De José Celso Martinez Corrêa. Seleção, organização e notas: Ana Helena Camargo de Staal. Editora 34 (tel. 816-6777). 335 páginas. R$ 29,00.

São Paulo – Em busca do tempo perdido, eis a sina da personagem central de “A Casa do Sol”. Dora vislum­bra a chegada da morte e pro­move uma retrospectiva da sua vida na qual a angústia, desco­bre tardiamente, foi regra.

O texto de Solange Dias, uma das dramaturgas emergen­tes na cena paulista, captura o sentimento de amargura que o­cupa os últimos dias de Dora. Uma mulher como muitas, arrependida de ter desprezado as chances que teve para experi­mentar a felicidade em vida, por mais efêmera que fosse.

Dora casou-se por conveni­ência com um militar. Teve um filho, seguiu o modelo tradicio­nal. Até o dia em que Lucas (Cássio Castelan), um fotógra­fo, colega do marido, a resgata para o universo do desejo.

E essa dicotomia, entre pai­xão e convenção, que está no centro da peça. Dora chega a op­tar pelo rompimento, sim, mas seu destino é de tal forma ema­ranhado que não vinga.

Em certa medida, “A Casa do Sol” lembra a história do filme “As Pontes de Madson”, protagonizado por Clint Eastwood e Meryl Streep. No texto de Solange Dias, vemos a mulher que termina por anular-se, em função das aparências, e só percebe o quanto isso lhe custou na velhice.

A estrutura narrativa recorre ao flashback e interpõe a Dora jovem (Daniel Carmona) com a Dora velha (Ana Ferreira). Esta é quem, de fato, costura a peça.

É através da sua memória estilhaçada que se recompõe uma história de amor e dor, por mais pobre que seja a rima.

“Ah, como o tempo demora a passar! E, no entanto, aquele que já passou, passou tão depressa” – esta é a primeira fala de Dora. O deus Cronos, sem cicatrizes, mandará outros sinais ao longo da peça. “Estou com medo do tempo”, deduz ela, de  novo, agora em pleno dia de casamento. “Se o tempo fosse um filme, eu voltava… Eu cortava!”, consola-se, sempre “com os olhos perdidos no tempo”, como observa o marido, Urbano (Atílio Beline Vaz).

Aglutina-se dramas paralelos. Vitória (Liliana Junqueira), a irmã de Dora, alimenta uma paixão obssessiva pelo sobrinho, Samuel (Emerson Me­neses), castrada pelo pai dele, Urbano.

O rito de passagem de Samu­el, quando se descobre um “ho­mem” nos braços da tia, é dos pontos de maior tensão. Desen­cadeia uma série de aconteci­mentos que vão derrubando, aos poucos, as máscaras de cada um.

A morte que vem buscar Dora é representada pela figura da Menina (Carolina Bonfanti), um misto de anjo de guarda e Emília, a boneca do “Sítio do Pica-Pau Amarelo”. A relação delas é de muita ternura, parcimônia. É ela, a Menina, quem serve de interlocutora para as memórias de Dora.

Não há como isolar as atua­ções em “A Casa do Sol”. Alna Ferreira e Daniela Carmona passeiam por suas Doras com segurança e envolvimento. Os papéis masculinos correspon­dem aos perfis de Urbano (Vaz na retidão militar), Samuel (Me­neses na gana adolescente) e Lucas (Castelan na utopia pessoal em detrimento do coração alheio).

O diretor Hugo Villavicenzio, que vem de montagens calcadas na exigência física dos atores – fruto da influência do teatro latino-americano, ele que é peruano -, desta vez acentua a palavra e o tempo psicológico de cada personagem.

A movimentação dos atores se dá mais em função do belo casarão onde o espetáculo é encenado, no Parque da Água Branca. Villavicenzio, que tam­bém assina a cenografia, utiliza-se de projeção de vídeo para i­lustrar as lembranças de Dora, em preto e branco, apoiando a narrativa.

A acústica deficiente do espaço não chega a afetar a compreensão do texto. Os figurinos e caracterizações de época (anos 30, 40) são de Vaz. O canto lírico de Lilian Junqueira e o piano de Roberto Anzai injetam um tanto de leveza na trajetória de personagens tão oprimidos, não raras vezes por eles mesmos.

No retrato sem retoques de uma família convencional, “A Casa do Sol” emana a densidade de um García Lorca. O texto e a direção casam-se perfeitamente, extraindo poesia das sombras da alma.

A Casa do Sol – De Solange Dias. Direção: Hugo Villavicenzio. Quinta a sábado, 21h; domingo, 18h. Casarão Sede do Fundo Social/Parque da Água Branca (avenida Francisco Matarazzo, 455, estacionamento gratuito – entrada pela rua Ministro Godoy). R$ 20,00 (nos dias 3 e 17 de julho e 14 de agosto o ingresso equivale a dois quilos de alimento não-perecível ou agasalho). Duração: 100 minutos. Até 16 de agosto.

Peça projeta solidariedade com poesia

São Paulo – A caixa de ima­gens cresceu. Não é mais a moldura quadrada, onde os pequenos bonecos são agiganta­dos pela magia gestada pelos seus manipuladores. A Caixa de Imagens, que dá nome ao gru­po, agora espalha seu encanto por todo o espaço cênico.

Em “Tão… Feliz”, os mani­puladores/atores mostram seus rostos em pêlo, assim como as mãos. Estão efetivamente cada vez mais próximos dos bonecos, como a humanizá-los.

A interação se dá também pela voz. Quer através de cançõ­es (“Procuro o silêncio do baru­lho”, diz o verso de uma delas), quer através da pantomima ou de sons onomatopáicos, enfim, cria-se uma extensão vital para seres muito além da inanição, mesmo quando adormecidos num sótão.

Mas a imaginação continua regendo os espetáculos do Cai­xa de Imagens, como sempre o fez nesses quatro anos de atua­ção do grupo.

“Tão… Feliz” reflete maturi­dade e dá margem a novas pes­quisas de linguagem no univer­so dos bonequeiros. A principal resolução vem a reboque do conteúdo dramático das cenas. Tudo começa com um velho pintor em sua angústia para e­xercitar o talento numa metró­pole caótica.

Depois temos o personagem que resume a peça. Trata-se de um mendigo carismático, inofensivo, como muitos que pe­rambulam pelas ruas da cidade. (Ele foi inspirado em mendigo da vida real que, certo dia, fez uma poesia para o grupo após uma apresentação de rua – e nunca mais deu o ar da graça).

Sua vidinha é preenchida pe­la leitura de jornal (alheios, co­mo o inferno, são os outros); mordisca um pão que, a duras penas, tenta reparti-lo; e sofre com o corte em seu pé, depois socorrido com mercúrio cromo por um voluntário da platéia.

Aliás, a cada noite o Caixa de Imagens convida um ator pa­ra contracenar com os bonecos. Duas semanas atrás, foi a vez de Hugo Possolo, um dos palhaços convictos dos Parlapatões, Patipes & Paspalhões.

E tudo se passa no âmbito da pracinha, do banquinho. À mar­gem da vida – o velhinho em sua solidão artística, o mendigo em sua carência material -, ambos celebram o gesto de solidarieda­de que faz a diferença.

Por trás de tanta amargura (a buzina, o choro), resta a poesia, o olhar acalentador de perceber-se no próximo. “Tão… Feliz” é um canto de união. Bebe da nos­talgia de um espaço mútuo de convivência, de respeito. E, de quebra, liberta o passarinho do realejo na ânsia de que ele traga alvíssaras – hoje e sempre, en­quanto há tempo.

Carlos Gaúcho, Mônica Si­mões, Evelyn Cristina e Fábio Coutinho encontraram o tom certo. Os bonequeiros do Caixa de Imagens são atores na acep­ção graúda da palavra. Recriam a mentira dos personagens para construir a verdade que seduz e toca, com equilíbrio, o coração de adultos e crianças. 

Tão… Feliz – Roteiro e direção: grupo Caixa de Imagens. Domingo, 17h e 19h. Teatro Cultura Inglesa/Vila Mariana (rua Madre Cabrini, 413, tel. 549-1722). R$ 10,00. Duração: 45 minutos. Até 28 de junho.

São Paulo – Mesquinhez e idiossincrasias à parte, o tédio desenha a sombra dos personagens de “Iva­nov”. O sentimento é citado pe­lo menos sete vezes no espetá­culo traduzido e dirigido por. Eduardo Tolentino de Araújo, com o grupo Tapa.

Um século atrás, o autor rus­so Anton Tchecov já diagnosti­cava o enfado subliminar no universo dos negócios e da famí­lia. É paradoxal que, às portas do terceiro milênio, o poder se­gue espelhando a falência hu­mana. Constata-se: não há avan­ço
tecnológico para o tédio.

Ivanov é um ser completa­mente ilhado em si. “Viver para mim é uma tortura”, resume. O fazendeiro vai à bancarrota e, a reboque, questiona a relação com a mulher Anna, que é judia. Casou-se mais em função de um do­te de família – que nunca veio – do que por amor. Não admite, mas é o que Anna lhe joga na cara.

Em plena crise, o “homem bom, mas tão infeliz” experimen­ta uma nesga de vida. A jovem e bela Sacha o seduz. Num primei­ro momento, ele resiste. Não crê que o destino lhe conceba tal ale­gria à beira do abismo. Sacha, no entanto, o envolve de tal maneira que catalisa sua paixão.

Foi a gota d’água para Anna. Ela se convalesce na cama e co­mo que culpa Ivanov pela iminência da morte. Culpa capitali­zada pelo médico Lvov, racional até a medula: “Você está matan­do sua mulher”, sentencia. Foi a pá de cal para m Ivanov prostrado com as “cruzes” sobre os ombros.

O drama de Tchecov é tido como uma das peças menores, se comparada a “O Jardim das Cerejeiras”, “As Três Irmãs”. A montagem do Tapa é a primeira do texto de que se tem notícia no Brasil.

Só úm grupo com a estabili­dade do Tapa poderia trazer “Ivanov” à cena com rigor e inventividade. Tolentino passou cerca de sete anos trabalhando na tradução, entre um projeto e outro. Esmerou-se tanto na pa­lavra quanto na concepção e di­reção do espetáculo.

É preciosa a sua ênfase equi­librada na comicidade que per­passa a história. O elenco, de entrega e disciplina incomuns, é o grande responsável. Genézio de Barros (Pavel Lebedev), em especial, tem o público nas mãos com seu beberrão patético, no qual despreza o tipo fácil, de gestos trêmulos ou andar balança-mas-não-cai. Barros encontra o eixo até quando seu personagem surge como interlocutor do melancólico Ivanov.

Outros coadjuvantes em­prestam brilho e leveza ao dra­ma. O pão-durismo de Zinaida (Elizabeth Gasper), o riso hebe­niano de Marfa (Cristina Casci­oli), as fanfarronices de Cha­belski (Milton Andrade) Kossykh, (Chico Martins), Bor­kine (Riba Carlovitch), Gavrila (Candido Lima) e Avdotia (So­nia Oiticica), enfim, compõem um paralelo bem estruturado à densidade do drama.

Coube a Zécarlos de Andrade (Ivanov), Denise Weinberg (Anna) e Brial Penido (Lvov), contrabalanceados pela vivacidade de Carla Carvalho (Sacha), a cumplicidade com a tensão do texto. São papéis estratégicos e bem defendidos.

Andrade passa praticamente todo o espetáculo com o corpo arqueado, olhar distante, transmitindo a alma perturbada de Ivanov. Suas reações são conti­das, duras, quer diante da exuberante Sacha, quer na hora em que decide pôr fim à vida.

Denise expõe uma Anna in­segura e não menos perdida do que Ivanov. São aparições cur­tas, mas repletas de emoção. A atriz espelha no rosto a dor da perda do marido que mentiu ao jurar amor e da vida que se esvai por causa da doença.

Penido faz jus à figura mais energética da peça. O médico Lvov é de uma correção política atroz. Seu discurso asséptico privilegia a razão e o próprio umbigo. Em nome da ordem e da moral, atropela quem lhe cruza o caminho. A postura corporal de Penido, ao contrário de Andrade, é ereta, as custas do poder do conhecimento.

Clara simboliza com sua Sa­cha o único feixe de luz, de espe­rança. Não é à toa que passeia pelo palco com seu vestido bran­co, em boa parte do espetáculo. A atriz dá conta da delicadeza e determinação da personagem.

O diretor Tolentino, como se disse, não prima apenas pelo cuidado com o verbo. “Ivanov” tem um acabamento visual que harmoniza perfeitamente com o texto. A cena da festa, em que cerca de 13 personagens estão em semicírculos para a caixinha de presente que solta fogos de artifício, traduz a “limpeza” do cenário (Renato Scripilliti) dos figurinos (lola Tolentino), da iluminação (Guilherme Bonfanti) e da própria direção dos atores. É um instante mágico, em suma.

A maturidade do Tapa não vem de agora. Há cerca de dois anos, por exemplo, sua versão para “Vestido de Noiva”, de Nelson Rodrigues, fez páreo com a histórica montagem de Ziembinski (43). “Ivanov”, en­fim, é um exercício de elegância da arte teatra1, em que pese o tédio dos dias que correm.

Ivanov – De Anton Tche­cov. Tradução e direção: Eduardo Tolentino de Araújo. Com Grupo Tapa (André Garolli, Inês de Carvalho, Paulo Marcos, Sandra Corveloni, Tony Giusti e outros). Quinta a sábado, 21h, domingo, 18h. Teatro Aliança Francesa (rua General Jardim, 182, Vila Buarque, tel. 259-0086). Estacionamento com desconto em frente ao teatro. Duração: 135 minutos.

“Tio Vânia” também execra “vida besta”

O Tio Vânia interpretado por Borghi é quem se vitimiza mais pela “vida murcha” em que está metido. “Pelo jeito, tédio e pre­guiça pegam”, afirma a certa al­tura, em um dos muitos lampe­jos de sarcasmo e ironia que pontuam o texto.

Há também o médico, Dr. Astrov (Luciano Chirolli), outra figura recorrente nas obras de Tchecov – ele que, em vida, também abraçou a medicina. E aqui, o conteúdo autobiográfi­co, ao que parece, é acentuado.

Espécie de alter-ego do es­critor, Astrov reverbera a cons­ciência humanista, verdadeiro poço de indignação que é (há um século, já saía em defesa da ecologia).

Cansado da “vidinha” que leva, reclamando do tempo “besta” que perdeu e decepcio­nado com a “decadência da civi­lização”, o médico é a melhor tradução do mal-estar do século passado, que se repete agora nesse fim de milênio.

Mas, em “Tio Vânia”, os personagens não passam pela vida somente “em férias”. As perturbações da alma e do espírito também emprestam seu qui­nhão de água ao moinho que move corações e mentes.

Na órbita de Tio Vânia, flutu­am seu objeto do desejo, Yelena (Marina Lima), e sua âncora para a existência, a sobrinha Sônia (Leona Cavalli). Durante anos ele cuidou dos negócios do cunhado Serebriakov (Wolney de Assis), professor universitário aposenta­do e decadente, que foi casado com sua irmã, falecida, e hoje es­tá nos braços da bela Yelena.

Farto de tanta submissão, Tio Vânia se rebela contra o cu­nhado e passa sua vida a limpo. Ao ponto da loucura, provoca um fuzuê no solar de Serebria­kov, com direito a disparo de es­pingarda – lamenta não ter acer­tado nenhum tiro no alvo prete­rido, o cunhado. É a deixa pas­telão, por assim dizer, para um drama de vasta matéria-prima.

A montagem, ao contrário de recente versão para o cinema, acerta em não investir tanto nesta sequência. Prefere distribuir o humor corrosivo nos devaneios de Tio Vânia e do amigo e fazendeiro decadente Tielhêguim (Abrahão Farc), ambos emanan­do forte carisma.

Borghi, com seus 40 anos de palco, e Farc são presenças mar­cantes. Ainda que o primeiro repise a matriz vocal e gestual de papéis anteriores (seu Tio Vânia, notadamente, lembra muito o recente e não menos delirante Galileu),o que sobressai é a voz e o corpo da experiência de quem parece brincar o tempo todo no espetáculo com as noções de tempo e espaço.

O médico de Chirolli não fi­ca atrás. O ator dá consistência à utopia de Astrov, mesmo quando esta desmorona diante dos olhos do espectador. Há um equilíbrio entre distanciamento e aproximação. Quando desde­nha o amor de Sônia, ou quando reaviva a chama amorosa diante de Yelena, são momentos distin­tos, mas ligados por um fio do homem que enxerga além mas se encontra em busca de um sentido para a vida.

Mariana Lima (Yelena) e Le­ona Cavalli (Sônia) complemen­tam seus extremos de mulher com força e delicadeza. São per­sonagens que anulam os concei­tos exteriores de beleza para uni­rem-se na essência do que são; a cumplicidade feminina é um alento no reino tchecoviano da desesperança. As atrizes perscru­tam a dor de amar e de viver com magnetismo.

Vindo de atuações e, recen­temente, experimentando a di­reção no grupo Teatro Promís­cuo, o jovem mogiano Élcio No­gueira vai, aos poucos, domi­nando o ofício. Aqui, ele dispensa o formol e opta pela a­proximação do público.

Peca, porém, ao forçar a “carnavalização”, prejudicando o ritmo em certos momentos. “Tio Vânia” já possui seu con­teúdo anárquico – aliás, parado­xalmente, bem explorado no es­petáculo.

Tio Vânia – De Anton Tchecov. Direção: Élcio Nogueira. Com TeatroPromíscuo (Geisa Gama), Jolanda Gentilezza e outros). Quinta a sábado, 21h; domingo, 20h. Teatro Brasileiro de Cómedia – Sala TBC (rua major Diogo, 315, Bela Vista, tel. 3106-4408). R$ 12,00. Duração: 120 minutos. Até 2 de agosto.

Tchecov é montado no Rio e SP

São Paulo – Em tese, não há motivos para efemérides. ­Anton Tchecov nasceu em 1904. Mas vive-se um “boom” de montagem das peças do dramaturgo russo. “Ivanov”, com o grupo Tapa, e “Tio Vânia”, estrelada por Borghi, já estão em cartaz. Mas vem mais por aí, na temporada carioca.

“Jardim das Cerejeiras”, dirigida por Cláudio Mamberti, deve estrear no Rio ainda este mês. Em outubro, é a vez de dupla versão de “As Três em Irmãs”, com respectivas direçõ­es de Enrique Díaz e Bia Lessa.

Se se quiser encontrar uma razão para a evocação de Tchecov, pode-se lembrar que foi em 1898 que o Teatro Artístico de Moscou, o lendário TAM, então dirigido por Constantin Stanislavski, levou à cena “A Gaivota” (1896) pela primeira vez.

São Paulo – O diretor Oswaldo Gabrieli e seu grupo, o XPTO, já inscreveram o nome na história do teatro brasileiro com a marca da inventividade. Seus espetáculos são hipercoloridos com bonecos em formatos mais variados e estranhos, num exercício ­geométrico que tem mais a ver com o espírito lúdico do que propriamente com teorias.

“Buster, o Enigma do Minotauro”, um dos trabalhos mais premiados de 97, segue em cartaz no Teatro Popular do Sesi na­ Capital, com entrada franca. Até final de junho, dá tempo de assistir ao infanto-juvenil que prima pela beleza do cenário, dos figurinos e pelas atuações ­com ênfase na linguagem do cinema mudo.

O XPTO começa o espetáculo projetando numa tela trechos filmes do comediante americano Buster Keaton (1895-1966). As imagens, e branco, preparam o espírito do espectador – adulto ou mirim – para o que virá a seguir.

Trata-se da história do jovem Buster (Wanderley Piras), que se mete em várias confusões graças a um Minotauro, encarnado por dois atores (Sidnei Caria e Guto Togniazzolo), que vive  atravancando seu caminho.

Uma das passagens mais engraçadas é quando o pobre Buster é encarcerado. No presídio, ele acaba driblando os presos antigos, que se metem a espertos e tentam aproveitar-se do novo hóspede da cela.

A montagem foi muito feliz em dividir o personagem em três. Além de Piras, Buster ganha dois clones interpretados por Angelo Madureira e Ednaldo Eiras. O trio responde por momentos hilários, em que a própria Anabela não sabe distinguir quem é seu namorado.

Como não poderia deixar de ser, Gabrieli presta uma homenagem também a Charles Cha­plin, que abrilhanta ainda mais o universo cômico que “Buster” traduz no palco, recorrendo à técnica do clown.

São, ao todo, 12 atores em cena – desde jovens empenhados a nomes tarimbados, como Cleber Montanheiro e Dadá Cyrino, vindos de espetáculos musicais. Aliás, aqui o gênero é bastante explorado, com direito a coreografias, ainda que breves.

Predominam, no entanto, as aventuras de Buster, em formato que se aproxima bastante dos filmes em preto e branco – tudo – muito rápido, vapt-vupt, como num videoclipe -, apesar do colorido dos figurinos e do cenário, basicamente formado por painéis
móveis.

Em seus quase 15 anos de formação, o XPTO dá mais um exemplo de como a multiplicidade de linguagens (teatro, dança, música, bonecos e animação de objetos) pode ser concebida sem muito virtuosismo técnico. Em “Buster”, tudo flui com o rigor e a magia das caixas de soldados de chumbo. 

Buster, O Enigma do Minotauro – Concepção e direção: Oswaldo Gabrieli. Com Grupo XPTO (Gerson Esteves, Helzer Abreu, Márcio Branco, Roberto Camargo etc). Recomendado para crianças a partir de 8 anos. Sábado e domingo, 11h e 14h. Teatro Popular do Sesi (avenida Paulista, 1.313, tel. 284-9787). Grátis (ingressos distribuídos com uma hora de antecedência). Espetáculos para escolas: tel. 284-4473. Duração: 75 minutos. Até 28 de junho.