São Paulo – José Celso Martinez Corrêa, ou simplesmente Zé Celso, é daqueles poucos que se en­tregam de corpo e alma ao teatro, sem concessões. Já lhe pespega­ram adjetivos de toda sorte -subversivo, preguiçoso, porno­gráfico, para citar alguns. Mas Zé Celso é refratário a ataques, sobretudo àqueles investidos de ódio pequeno-burguês. Ele se esquivou desde picuinhas da classe à perseguição cerrada do regime militar. O que sobressai nos 40 anos do Oficina, hoje Cia. Uzyna Uzona, é a coerên­cia ideológica e estética do ator e diretor e um dos fundadores do grupo.

Os primeiros 16 anos do O­ficina são tema do livro “Pri­meiro Ato – Cadernos, Depoi­mentos, Entrevistas (1958-1974)”, um apanhado do que Zé Celso escreveu naquele pe­ríodo. Sob organização de Ana Helena Camargo de Staal, a o­bra apresenta uma base docu­mental e histórica que ecoa o esforço e a persuasão do diretor do Oficina em registrar a sua é­poca.

Claro, Zé Celso traduziu a sua época, antes de mais nada, no palco, na celebração dos espetáculos que constituem, on­tem e hoje, sempre uma experi­ência particular a cada noite. Mas a maneira como ele deixa jorrar as palavras no papel tem muito a ver com  sua conduta no ensaio ou na apresentação em sim. Seus textos, mesmo quando em tom de protesto, de conclamação, resultam em poesia visceral, esponjosa, desconexa.

Ainda que vá direto à ferida, co­mo na carta aberta ao crítico Sá­bato Magaldi, por ocasião da montagem de “Gracias, Señor” (1972), ainda assim, Zé Celso não perde a graça. Perde a pia­da, mas não a alegoria.

Os textos, alguns semi-cata­taus, foram publicados em jor­nais ou revistas especializados em teatro; na imprensa comum ou, ainda, fruto de depoimentos a estudantes. Ou melhor, nem sempre foram efetivamente pu­blicados. “SOS”, por exemplo, o manifesto lançado logo após a invasão do Teatro Oficina, pela polícia, em 20 de abril de 1974, foi recusado pelas redações de todo o Brasil (e surge aqui, na íntegra, numa das passagens mais contundentes).

Zé Celso discorre também sobre as diferentes escolas. Ro­deado por atores de peso, como Renato Borghi, Etty Fraser, Fau­zi Arap, Célia Helena etc, o di­retor assila o método do russo Stanislavsky, por exemplo, mas não o toma por inteiro e defini­tivo. Bom antropófago, ele pre­fere a mistura de técnicas a par­tir de uma realidade tupiniquim. O mesmo se dá em relação aos americanos do Living Theatre com o happening, com o qual a crítica chegou a rotular o traba­lho do Oficina.

Ao final de “Primeiro Ato”, temos uma aula de resistência. Impressiona como Zé Celso e seus atores “vudizaram”, como ele gosta de dizer, todos os entraves que surgiram no cami­nho do Oficina em seus primei­ros anos – desde truculências até o incêndio do teatro, passando pela pindaíba da trupe. O livro fundamenta a religião te­atral que arrebanhou todos que, um dia, pisaram no terreno da rua Barão de Jaceguai, Bela Vista.

Primeiro Ato – Cadernos, Depoimentos, Entrevistas (1958-1974) – De José Celso Martinez Corrêa. Seleção, organização e notas: Ana Helena Camargo de Staal. Editora 34 (tel. 816-6777). 335 páginas. R$ 29,00.

São Paulo – Em busca do tempo perdido, eis a sina da personagem central de “A Casa do Sol”. Dora vislum­bra a chegada da morte e pro­move uma retrospectiva da sua vida na qual a angústia, desco­bre tardiamente, foi regra.

O texto de Solange Dias, uma das dramaturgas emergen­tes na cena paulista, captura o sentimento de amargura que o­cupa os últimos dias de Dora. Uma mulher como muitas, arrependida de ter desprezado as chances que teve para experi­mentar a felicidade em vida, por mais efêmera que fosse.

Dora casou-se por conveni­ência com um militar. Teve um filho, seguiu o modelo tradicio­nal. Até o dia em que Lucas (Cássio Castelan), um fotógra­fo, colega do marido, a resgata para o universo do desejo.

E essa dicotomia, entre pai­xão e convenção, que está no centro da peça. Dora chega a op­tar pelo rompimento, sim, mas seu destino é de tal forma ema­ranhado que não vinga.

Em certa medida, “A Casa do Sol” lembra a história do filme “As Pontes de Madson”, protagonizado por Clint Eastwood e Meryl Streep. No texto de Solange Dias, vemos a mulher que termina por anular-se, em função das aparências, e só percebe o quanto isso lhe custou na velhice.

A estrutura narrativa recorre ao flashback e interpõe a Dora jovem (Daniel Carmona) com a Dora velha (Ana Ferreira). Esta é quem, de fato, costura a peça.

É através da sua memória estilhaçada que se recompõe uma história de amor e dor, por mais pobre que seja a rima.

“Ah, como o tempo demora a passar! E, no entanto, aquele que já passou, passou tão depressa” – esta é a primeira fala de Dora. O deus Cronos, sem cicatrizes, mandará outros sinais ao longo da peça. “Estou com medo do tempo”, deduz ela, de  novo, agora em pleno dia de casamento. “Se o tempo fosse um filme, eu voltava… Eu cortava!”, consola-se, sempre “com os olhos perdidos no tempo”, como observa o marido, Urbano (Atílio Beline Vaz).

Aglutina-se dramas paralelos. Vitória (Liliana Junqueira), a irmã de Dora, alimenta uma paixão obssessiva pelo sobrinho, Samuel (Emerson Me­neses), castrada pelo pai dele, Urbano.

O rito de passagem de Samu­el, quando se descobre um “ho­mem” nos braços da tia, é dos pontos de maior tensão. Desen­cadeia uma série de aconteci­mentos que vão derrubando, aos poucos, as máscaras de cada um.

A morte que vem buscar Dora é representada pela figura da Menina (Carolina Bonfanti), um misto de anjo de guarda e Emília, a boneca do “Sítio do Pica-Pau Amarelo”. A relação delas é de muita ternura, parcimônia. É ela, a Menina, quem serve de interlocutora para as memórias de Dora.

Não há como isolar as atua­ções em “A Casa do Sol”. Alna Ferreira e Daniela Carmona passeiam por suas Doras com segurança e envolvimento. Os papéis masculinos correspon­dem aos perfis de Urbano (Vaz na retidão militar), Samuel (Me­neses na gana adolescente) e Lucas (Castelan na utopia pessoal em detrimento do coração alheio).

O diretor Hugo Villavicenzio, que vem de montagens calcadas na exigência física dos atores – fruto da influência do teatro latino-americano, ele que é peruano -, desta vez acentua a palavra e o tempo psicológico de cada personagem.

A movimentação dos atores se dá mais em função do belo casarão onde o espetáculo é encenado, no Parque da Água Branca. Villavicenzio, que tam­bém assina a cenografia, utiliza-se de projeção de vídeo para i­lustrar as lembranças de Dora, em preto e branco, apoiando a narrativa.

A acústica deficiente do espaço não chega a afetar a compreensão do texto. Os figurinos e caracterizações de época (anos 30, 40) são de Vaz. O canto lírico de Lilian Junqueira e o piano de Roberto Anzai injetam um tanto de leveza na trajetória de personagens tão oprimidos, não raras vezes por eles mesmos.

No retrato sem retoques de uma família convencional, “A Casa do Sol” emana a densidade de um García Lorca. O texto e a direção casam-se perfeitamente, extraindo poesia das sombras da alma.

A Casa do Sol – De Solange Dias. Direção: Hugo Villavicenzio. Quinta a sábado, 21h; domingo, 18h. Casarão Sede do Fundo Social/Parque da Água Branca (avenida Francisco Matarazzo, 455, estacionamento gratuito – entrada pela rua Ministro Godoy). R$ 20,00 (nos dias 3 e 17 de julho e 14 de agosto o ingresso equivale a dois quilos de alimento não-perecível ou agasalho). Duração: 100 minutos. Até 16 de agosto.

Peça projeta solidariedade com poesia

São Paulo – A caixa de ima­gens cresceu. Não é mais a moldura quadrada, onde os pequenos bonecos são agiganta­dos pela magia gestada pelos seus manipuladores. A Caixa de Imagens, que dá nome ao gru­po, agora espalha seu encanto por todo o espaço cênico.

Em “Tão… Feliz”, os mani­puladores/atores mostram seus rostos em pêlo, assim como as mãos. Estão efetivamente cada vez mais próximos dos bonecos, como a humanizá-los.

A interação se dá também pela voz. Quer através de cançõ­es (“Procuro o silêncio do baru­lho”, diz o verso de uma delas), quer através da pantomima ou de sons onomatopáicos, enfim, cria-se uma extensão vital para seres muito além da inanição, mesmo quando adormecidos num sótão.

Mas a imaginação continua regendo os espetáculos do Cai­xa de Imagens, como sempre o fez nesses quatro anos de atua­ção do grupo.

“Tão… Feliz” reflete maturi­dade e dá margem a novas pes­quisas de linguagem no univer­so dos bonequeiros. A principal resolução vem a reboque do conteúdo dramático das cenas. Tudo começa com um velho pintor em sua angústia para e­xercitar o talento numa metró­pole caótica.

Depois temos o personagem que resume a peça. Trata-se de um mendigo carismático, inofensivo, como muitos que pe­rambulam pelas ruas da cidade. (Ele foi inspirado em mendigo da vida real que, certo dia, fez uma poesia para o grupo após uma apresentação de rua – e nunca mais deu o ar da graça).

Sua vidinha é preenchida pe­la leitura de jornal (alheios, co­mo o inferno, são os outros); mordisca um pão que, a duras penas, tenta reparti-lo; e sofre com o corte em seu pé, depois socorrido com mercúrio cromo por um voluntário da platéia.

Aliás, a cada noite o Caixa de Imagens convida um ator pa­ra contracenar com os bonecos. Duas semanas atrás, foi a vez de Hugo Possolo, um dos palhaços convictos dos Parlapatões, Patipes & Paspalhões.

E tudo se passa no âmbito da pracinha, do banquinho. À mar­gem da vida – o velhinho em sua solidão artística, o mendigo em sua carência material -, ambos celebram o gesto de solidarieda­de que faz a diferença.

Por trás de tanta amargura (a buzina, o choro), resta a poesia, o olhar acalentador de perceber-se no próximo. “Tão… Feliz” é um canto de união. Bebe da nos­talgia de um espaço mútuo de convivência, de respeito. E, de quebra, liberta o passarinho do realejo na ânsia de que ele traga alvíssaras – hoje e sempre, en­quanto há tempo.

Carlos Gaúcho, Mônica Si­mões, Evelyn Cristina e Fábio Coutinho encontraram o tom certo. Os bonequeiros do Caixa de Imagens são atores na acep­ção graúda da palavra. Recriam a mentira dos personagens para construir a verdade que seduz e toca, com equilíbrio, o coração de adultos e crianças. 

Tão… Feliz – Roteiro e direção: grupo Caixa de Imagens. Domingo, 17h e 19h. Teatro Cultura Inglesa/Vila Mariana (rua Madre Cabrini, 413, tel. 549-1722). R$ 10,00. Duração: 45 minutos. Até 28 de junho.

São Paulo – Mesquinhez e idiossincrasias à parte, o tédio desenha a sombra dos personagens de “Iva­nov”. O sentimento é citado pe­lo menos sete vezes no espetá­culo traduzido e dirigido por. Eduardo Tolentino de Araújo, com o grupo Tapa.

Um século atrás, o autor rus­so Anton Tchecov já diagnosti­cava o enfado subliminar no universo dos negócios e da famí­lia. É paradoxal que, às portas do terceiro milênio, o poder se­gue espelhando a falência hu­mana. Constata-se: não há avan­ço
tecnológico para o tédio.

Ivanov é um ser completa­mente ilhado em si. “Viver para mim é uma tortura”, resume. O fazendeiro vai à bancarrota e, a reboque, questiona a relação com a mulher Anna, que é judia. Casou-se mais em função de um do­te de família – que nunca veio – do que por amor. Não admite, mas é o que Anna lhe joga na cara.

Em plena crise, o “homem bom, mas tão infeliz” experimen­ta uma nesga de vida. A jovem e bela Sacha o seduz. Num primei­ro momento, ele resiste. Não crê que o destino lhe conceba tal ale­gria à beira do abismo. Sacha, no entanto, o envolve de tal maneira que catalisa sua paixão.

Foi a gota d’água para Anna. Ela se convalesce na cama e co­mo que culpa Ivanov pela iminência da morte. Culpa capitali­zada pelo médico Lvov, racional até a medula: “Você está matan­do sua mulher”, sentencia. Foi a pá de cal para m Ivanov prostrado com as “cruzes” sobre os ombros.

O drama de Tchecov é tido como uma das peças menores, se comparada a “O Jardim das Cerejeiras”, “As Três Irmãs”. A montagem do Tapa é a primeira do texto de que se tem notícia no Brasil.

Só úm grupo com a estabili­dade do Tapa poderia trazer “Ivanov” à cena com rigor e inventividade. Tolentino passou cerca de sete anos trabalhando na tradução, entre um projeto e outro. Esmerou-se tanto na pa­lavra quanto na concepção e di­reção do espetáculo.

É preciosa a sua ênfase equi­librada na comicidade que per­passa a história. O elenco, de entrega e disciplina incomuns, é o grande responsável. Genézio de Barros (Pavel Lebedev), em especial, tem o público nas mãos com seu beberrão patético, no qual despreza o tipo fácil, de gestos trêmulos ou andar balança-mas-não-cai. Barros encontra o eixo até quando seu personagem surge como interlocutor do melancólico Ivanov.

Outros coadjuvantes em­prestam brilho e leveza ao dra­ma. O pão-durismo de Zinaida (Elizabeth Gasper), o riso hebe­niano de Marfa (Cristina Casci­oli), as fanfarronices de Cha­belski (Milton Andrade) Kossykh, (Chico Martins), Bor­kine (Riba Carlovitch), Gavrila (Candido Lima) e Avdotia (So­nia Oiticica), enfim, compõem um paralelo bem estruturado à densidade do drama.

Coube a Zécarlos de Andrade (Ivanov), Denise Weinberg (Anna) e Brial Penido (Lvov), contrabalanceados pela vivacidade de Carla Carvalho (Sacha), a cumplicidade com a tensão do texto. São papéis estratégicos e bem defendidos.

Andrade passa praticamente todo o espetáculo com o corpo arqueado, olhar distante, transmitindo a alma perturbada de Ivanov. Suas reações são conti­das, duras, quer diante da exuberante Sacha, quer na hora em que decide pôr fim à vida.

Denise expõe uma Anna in­segura e não menos perdida do que Ivanov. São aparições cur­tas, mas repletas de emoção. A atriz espelha no rosto a dor da perda do marido que mentiu ao jurar amor e da vida que se esvai por causa da doença.

Penido faz jus à figura mais energética da peça. O médico Lvov é de uma correção política atroz. Seu discurso asséptico privilegia a razão e o próprio umbigo. Em nome da ordem e da moral, atropela quem lhe cruza o caminho. A postura corporal de Penido, ao contrário de Andrade, é ereta, as custas do poder do conhecimento.

Clara simboliza com sua Sa­cha o único feixe de luz, de espe­rança. Não é à toa que passeia pelo palco com seu vestido bran­co, em boa parte do espetáculo. A atriz dá conta da delicadeza e determinação da personagem.

O diretor Tolentino, como se disse, não prima apenas pelo cuidado com o verbo. “Ivanov” tem um acabamento visual que harmoniza perfeitamente com o texto. A cena da festa, em que cerca de 13 personagens estão em semicírculos para a caixinha de presente que solta fogos de artifício, traduz a “limpeza” do cenário (Renato Scripilliti) dos figurinos (lola Tolentino), da iluminação (Guilherme Bonfanti) e da própria direção dos atores. É um instante mágico, em suma.

A maturidade do Tapa não vem de agora. Há cerca de dois anos, por exemplo, sua versão para “Vestido de Noiva”, de Nelson Rodrigues, fez páreo com a histórica montagem de Ziembinski (43). “Ivanov”, en­fim, é um exercício de elegância da arte teatra1, em que pese o tédio dos dias que correm.

Ivanov – De Anton Tche­cov. Tradução e direção: Eduardo Tolentino de Araújo. Com Grupo Tapa (André Garolli, Inês de Carvalho, Paulo Marcos, Sandra Corveloni, Tony Giusti e outros). Quinta a sábado, 21h, domingo, 18h. Teatro Aliança Francesa (rua General Jardim, 182, Vila Buarque, tel. 259-0086). Estacionamento com desconto em frente ao teatro. Duração: 135 minutos.

“Tio Vânia” também execra “vida besta”

O Tio Vânia interpretado por Borghi é quem se vitimiza mais pela “vida murcha” em que está metido. “Pelo jeito, tédio e pre­guiça pegam”, afirma a certa al­tura, em um dos muitos lampe­jos de sarcasmo e ironia que pontuam o texto.

Há também o médico, Dr. Astrov (Luciano Chirolli), outra figura recorrente nas obras de Tchecov – ele que, em vida, também abraçou a medicina. E aqui, o conteúdo autobiográfi­co, ao que parece, é acentuado.

Espécie de alter-ego do es­critor, Astrov reverbera a cons­ciência humanista, verdadeiro poço de indignação que é (há um século, já saía em defesa da ecologia).

Cansado da “vidinha” que leva, reclamando do tempo “besta” que perdeu e decepcio­nado com a “decadência da civi­lização”, o médico é a melhor tradução do mal-estar do século passado, que se repete agora nesse fim de milênio.

Mas, em “Tio Vânia”, os personagens não passam pela vida somente “em férias”. As perturbações da alma e do espírito também emprestam seu qui­nhão de água ao moinho que move corações e mentes.

Na órbita de Tio Vânia, flutu­am seu objeto do desejo, Yelena (Marina Lima), e sua âncora para a existência, a sobrinha Sônia (Leona Cavalli). Durante anos ele cuidou dos negócios do cunhado Serebriakov (Wolney de Assis), professor universitário aposenta­do e decadente, que foi casado com sua irmã, falecida, e hoje es­tá nos braços da bela Yelena.

Farto de tanta submissão, Tio Vânia se rebela contra o cu­nhado e passa sua vida a limpo. Ao ponto da loucura, provoca um fuzuê no solar de Serebria­kov, com direito a disparo de es­pingarda – lamenta não ter acer­tado nenhum tiro no alvo prete­rido, o cunhado. É a deixa pas­telão, por assim dizer, para um drama de vasta matéria-prima.

A montagem, ao contrário de recente versão para o cinema, acerta em não investir tanto nesta sequência. Prefere distribuir o humor corrosivo nos devaneios de Tio Vânia e do amigo e fazendeiro decadente Tielhêguim (Abrahão Farc), ambos emanan­do forte carisma.

Borghi, com seus 40 anos de palco, e Farc são presenças mar­cantes. Ainda que o primeiro repise a matriz vocal e gestual de papéis anteriores (seu Tio Vânia, notadamente, lembra muito o recente e não menos delirante Galileu),o que sobressai é a voz e o corpo da experiência de quem parece brincar o tempo todo no espetáculo com as noções de tempo e espaço.

O médico de Chirolli não fi­ca atrás. O ator dá consistência à utopia de Astrov, mesmo quando esta desmorona diante dos olhos do espectador. Há um equilíbrio entre distanciamento e aproximação. Quando desde­nha o amor de Sônia, ou quando reaviva a chama amorosa diante de Yelena, são momentos distin­tos, mas ligados por um fio do homem que enxerga além mas se encontra em busca de um sentido para a vida.

Mariana Lima (Yelena) e Le­ona Cavalli (Sônia) complemen­tam seus extremos de mulher com força e delicadeza. São per­sonagens que anulam os concei­tos exteriores de beleza para uni­rem-se na essência do que são; a cumplicidade feminina é um alento no reino tchecoviano da desesperança. As atrizes perscru­tam a dor de amar e de viver com magnetismo.

Vindo de atuações e, recen­temente, experimentando a di­reção no grupo Teatro Promís­cuo, o jovem mogiano Élcio No­gueira vai, aos poucos, domi­nando o ofício. Aqui, ele dispensa o formol e opta pela a­proximação do público.

Peca, porém, ao forçar a “carnavalização”, prejudicando o ritmo em certos momentos. “Tio Vânia” já possui seu con­teúdo anárquico – aliás, parado­xalmente, bem explorado no es­petáculo.

Tio Vânia – De Anton Tchecov. Direção: Élcio Nogueira. Com TeatroPromíscuo (Geisa Gama), Jolanda Gentilezza e outros). Quinta a sábado, 21h; domingo, 20h. Teatro Brasileiro de Cómedia – Sala TBC (rua major Diogo, 315, Bela Vista, tel. 3106-4408). R$ 12,00. Duração: 120 minutos. Até 2 de agosto.

Tchecov é montado no Rio e SP

São Paulo – Em tese, não há motivos para efemérides. ­Anton Tchecov nasceu em 1904. Mas vive-se um “boom” de montagem das peças do dramaturgo russo. “Ivanov”, com o grupo Tapa, e “Tio Vânia”, estrelada por Borghi, já estão em cartaz. Mas vem mais por aí, na temporada carioca.

“Jardim das Cerejeiras”, dirigida por Cláudio Mamberti, deve estrear no Rio ainda este mês. Em outubro, é a vez de dupla versão de “As Três em Irmãs”, com respectivas direçõ­es de Enrique Díaz e Bia Lessa.

Se se quiser encontrar uma razão para a evocação de Tchecov, pode-se lembrar que foi em 1898 que o Teatro Artístico de Moscou, o lendário TAM, então dirigido por Constantin Stanislavski, levou à cena “A Gaivota” (1896) pela primeira vez.

São Paulo – O diretor Oswaldo Gabrieli e seu grupo, o XPTO, já inscreveram o nome na história do teatro brasileiro com a marca da inventividade. Seus espetáculos são hipercoloridos com bonecos em formatos mais variados e estranhos, num exercício ­geométrico que tem mais a ver com o espírito lúdico do que propriamente com teorias.

“Buster, o Enigma do Minotauro”, um dos trabalhos mais premiados de 97, segue em cartaz no Teatro Popular do Sesi na­ Capital, com entrada franca. Até final de junho, dá tempo de assistir ao infanto-juvenil que prima pela beleza do cenário, dos figurinos e pelas atuações ­com ênfase na linguagem do cinema mudo.

O XPTO começa o espetáculo projetando numa tela trechos filmes do comediante americano Buster Keaton (1895-1966). As imagens, e branco, preparam o espírito do espectador – adulto ou mirim – para o que virá a seguir.

Trata-se da história do jovem Buster (Wanderley Piras), que se mete em várias confusões graças a um Minotauro, encarnado por dois atores (Sidnei Caria e Guto Togniazzolo), que vive  atravancando seu caminho.

Uma das passagens mais engraçadas é quando o pobre Buster é encarcerado. No presídio, ele acaba driblando os presos antigos, que se metem a espertos e tentam aproveitar-se do novo hóspede da cela.

A montagem foi muito feliz em dividir o personagem em três. Além de Piras, Buster ganha dois clones interpretados por Angelo Madureira e Ednaldo Eiras. O trio responde por momentos hilários, em que a própria Anabela não sabe distinguir quem é seu namorado.

Como não poderia deixar de ser, Gabrieli presta uma homenagem também a Charles Cha­plin, que abrilhanta ainda mais o universo cômico que “Buster” traduz no palco, recorrendo à técnica do clown.

São, ao todo, 12 atores em cena – desde jovens empenhados a nomes tarimbados, como Cleber Montanheiro e Dadá Cyrino, vindos de espetáculos musicais. Aliás, aqui o gênero é bastante explorado, com direito a coreografias, ainda que breves.

Predominam, no entanto, as aventuras de Buster, em formato que se aproxima bastante dos filmes em preto e branco – tudo – muito rápido, vapt-vupt, como num videoclipe -, apesar do colorido dos figurinos e do cenário, basicamente formado por painéis
móveis.

Em seus quase 15 anos de formação, o XPTO dá mais um exemplo de como a multiplicidade de linguagens (teatro, dança, música, bonecos e animação de objetos) pode ser concebida sem muito virtuosismo técnico. Em “Buster”, tudo flui com o rigor e a magia das caixas de soldados de chumbo. 

Buster, O Enigma do Minotauro – Concepção e direção: Oswaldo Gabrieli. Com Grupo XPTO (Gerson Esteves, Helzer Abreu, Márcio Branco, Roberto Camargo etc). Recomendado para crianças a partir de 8 anos. Sábado e domingo, 11h e 14h. Teatro Popular do Sesi (avenida Paulista, 1.313, tel. 284-9787). Grátis (ingressos distribuídos com uma hora de antecedência). Espetáculos para escolas: tel. 284-4473. Duração: 75 minutos. Até 28 de junho.

São Paulo – “Ventre de Lona”, terceira monta­gem do Pombas Urbanas, consolida o trabalho de pesqui­sa que o grupo desenvolveu nos últimos oito anos, desde sua cri­ação em São Miguel Paulista, na zona leste da Capital. Para quem assistiu a “Os Tronconenses” (91), já encenado no Municipal de Mogi, e a “Mingau de Con­creto” (94), este um espetáculo de rua, o crescimento é patente.

Afinal, é o primeiro traba­lho, por assim dizer, profissio­nal do Pombas. Suas montagens anteriores tinham base amado­ra, sobretudo em relação aos e­lementos visuais (cenografia, iluminação, figurino).

O que ocorre agora é uma simbiose entre a preparação do ator, característica recorrente do grupo, com outros elementos de cena, não menos fundamentais.

Há uma melhor compreensão do texto – inicialmente batizado “Funâmbulo” e depois transfor­mado em “Ventre de Lona”. A dramaturgia de Rojas, peruano radicado no Brasil há 23 anos, é pontuada pelo realismo fantásti­co presente em obras de García Marquez, por exemplo.

Com a incrementação da lin­guagem visual, o espetáculo consegue ser mais claro em seus planos de sonho e realidade; in­clusive nos planos espaciais, já que os personagens Fu e Serzi­nho, vez ou outra, caminham pela corda bamba e travam diálogos onde um se situa no alto e o outro no chão.

Oscilando entre a tragicomé­dia – gênero ambíguo no qual o Pombas parece se situar melhor, como se viu em “Os Tronconen­ses” – e o drama, “Ventre de Lo­na” apresenta uma história mu­ito peculiar.

A história de Fu (Adriano Mauriz), abandonado ainda be­bê à porta de um velho teatro. Criado pelos fantasmas que ocupam o antigo prédio – fantas­mas de grandes estrelas do tea­tro que passaram por aquele pal­co -, Fu cresce envolto em uma “bolha”, distante da realidade de seres humanos como ele.

Quem cuida do garoto são Serzinho (Marcelo Palmares), Fedegoso (Paulo Carvalho Jr.) e o Coro, todos espíritos de artistas do passado.

Graças a eles, Fu é alimenta­do e aprende tudo sobre o circo e o teatro. Ensinam-lhe, por exemplo, a se equilibrar no ara­me.

Por volta dos 10 anos. Fu es­tabelece seu primeiro contato com a vida real. Uma menina de rua, a Mi (Marta Guedes), inva­de o local através de um buraco, em busca de teto. O choque, num primeiro momento (exis­tem pessoas como ele, de carne e osso), resulta depois em afei­ção. Fu se enamora de Mi, pro­vocando ciúmes nos fantasmas adotivos.

A esse fio da meada, Rojas acrescenta histórias paralelas como a da Mulher da Casa (Ju­liana Flory), que resiste a mais um despejo; a da Pipa (Kátia Alexandre), única maneira do menino Fu transitar entre o passado e o futuro; e a do Ho­mem Alado (Palmares) e sua cachorrinha Mary (Kátia), his­tória na qual o primeiro tanto quis aprender a voar que lhe nasceram asas nas costas e ago­ra ensina o mesmo à sua me­lhor amiga.

Absurdas, mas nem tanto, as situações criadas pelo autor ganham lirismo e encantamen­to em cena. Há um momento em que Fu lembra que via o mundo através do umbigo da barriga da mãe. Aqui fora, ele não tinha medo da morte, mas da vida.

O crescimento – pessoal e ar­tístico – dos atores do Pombas é uma grata constata­ção para quem os a­companha desde 1989. Palmares se destaca pela expres­são corporal de tra­ços primitivos, pela pintura que vai dos pés à cabeça raspada, e pela própria nature­za do seu Serzinho, personagem carismá­tico que não é nada mas é tudo.

Carvalho Jr. vai em direção contrária: menos expansão, mais introspecção. Como Fedegoso (es­pírito de um ator que morreu queimado no teatro) e Homem Bí­lis (torcedor fanático, marido da Mulher da Casa), o ator combi­na, chaplinianamen­te, o peso e a leveza da existência.

Mauriz, o caçula do elenco, ainda car­rega o estigma das crianças de “Os Tronconenses”. Parece-lhe difícil romper com a máscara da­queles personagens. Sobretudo nos mo­mentos em que Fu se vê às voltas com sen­timentos demasiada­mente humanos, co­mo no reencontro com a mãe e no en­volvimento amoroso com Mi. No entanto, Mauriz tem a seu fa­vor o brilho dos olhos a todo instante e a­quela entrega em ce­na que ganha qual­quer espectador.

Marta buscou re­ferências nas meninas de rua para construir sua Mi. A composição tem consistência, mas ainda falta maior proximidade da atriz com a personagem. Ela às vezes che­ga lá, mas recua. E o texto in­dica que a história de Mi, fave­lada e mãe aos 11 anos, é mais profunda.

Kátia encarna uma Pipa, es­se brinquedo tão frágil que cri­anças e adultos empinam nos céus. Tanta subjetividade é ma­terializada em movimentos pela intérprete, no diálogo emocio­nante com Fu. Ele descarrega a linha para que ela voe cada vez mais longe a fim de encontrar a mãe do garoto. É uma cena to­cante.

Juliana Flory tem em suas mãos a carga propriamente dramática de “Ventre de Lona”. Faz Jéssica, a garota que abandona Fu, e a Mulher da Casa, a quem o menino identifica como sua mãe no futuro. São papéis viscerais, de grande carga existencial.

Juliana não os domina ple­namente, mas transmite o desespero diante dos cruéis desígnios do destino.

A direção de Rojas, mais uma vez, privilegia o instrumental do ator. O conteúdo dos gestos, da movimentação do elenco, do encadeamento das cenas, tudo depõe a favor do intérprete.

O despojamento também está presente na cenografia e no figurino de Márcio Tadeu. Cercado por lonas pintadas com motivos, ao que parece, rupestres, autóctones, um guarda­-roupa no centro do palco serve como “túnel” de onde surgem os personagens e para onde eles voltam, tal qual uma caixa de pandora.

A iluminação de André Boll dá corda ao imaginário que a peça propõe. São marcações precisas, distante da estilização gra­tuita. O mesmo ocorre com a sonoplastia, que traz, entre outras, composições de Tom Zé.

Com seu caráter quase artesanal, onde tudo se desmancha e ergue, onde o efêmero ganha status de infinito, “Ventre de Lona” dá conta de conjugar a sua poesia cênica. (Apesar do problema concreto da voz, com seus altos e baixos, que merece prioridade daqui para frente). O espetáculo cristaliza especifici­dades de um grupo estável – como a gana, o respeito e a hones­tidade com que o Pombas pisa o palco. Premissa de grandes ar­tistas.

Ventre de Lona – Texto e direção: Lino Rojas. Com Pombas Urbanas. Quinta a domingo, 20h. R$ 7,00 (quinta e domingo) e R$ 15,00 (sexta e sábado). Centro Cultural Elenko (rua Cardeal Arcoverde, 2.958, Pinheiros, tel. 870-2153). Até 28 de junho.

Texto e montagem se chocam em peça

São Paulo – Escrita e dirigi­da pelo jovem Samir Yaz­bek, “Antes do Fim” é pre­judicada, tudo indica, pela du­pla função do autor. Yazbek não consegue estabelecer um distan­ciamento suficiente entre seu texto e o que concebe para o pal­co. A sobreposição de planos da história complica ainda mais seu ritmo em cena.

A peça abre com o velório de Rodrigo, que matou a namorada Luciana e suicidou-se em segui­da. Tadeu, um dos melhores a­migos do rapaz, matuta em compreender a tragédia. E ele quem funciona como narrador para recapitular o namoro de Rodrigo e Luciana, na forma de flashback.

Daí para frente, acompa­nhamos a gênese do relacio­namento, sua ascensão e queda. A reconstrução do crime passional instiga. Mas o autor abre tanto o leque pa­ra desenhar as personalida­des conflitantes de Rodrigo e Luciana que o enredo torna-se maçante (tem os pais dele, o melhor amigo “do bem”, o melhor amigo “do mal”; e tem a melhor amiga dela, conselheira de plantão).

Na ânsia pela minúcia, o tex­to de Yazbek peca por passagens inverossímeis, ou pelo menos montadas assim. O encontro de Rodrigo com a enfermeira e o de Luciana com Ivo soam artifi­ciais, sobretudo pela ligeireza dos diálogos.

Mas o entrave maior está na figura de Tadeu (Wagner Reixelo). Todo vestido de preto, ele surge como um gu­ru espírita. A fala com auxílio de microfone torna sua voz mais etérea, corrobrada pela música new age ao fundo. Quando se condói ao final, i­maginando os tiros dispara­dos e perguntando ao Rodri­go, já morto, “Por que você não me ouviu, cara?”, então a peça descamba de vez para o tom religioso, com direito a mensagem do falecido para Tadeu “seguir em frente”.

Nessa “equação de várias variáveis”, como diz Tadeu a certa altura, “Antes do Fim” não apresenta grandes atua­ções. Os protagonistas Ro­drigo Penna (Rodrigo) e Eh­sa Nuiiez (Luciana) são in­térpretes que seguem à risca o perfil dos personagens e não têm impacto. O restante do elenco também se esfor­ça, mas os papéis não aju­dam, porque deslocados do eixo principal.

O rigor da marcação de pal­co, por conta de um cenário (Paulinho de Moraes) que traz um tablado, ele também, dividi­do em vários planos, em escala piramidal, também contribui decisivamente para o esquema­tismo que toma conta dos ato­res. Há uma tensão constante, que não é dissimulada sequer na cena em que o elenco deveria surgir mais à vontade: quando Rodrigo vai com um amigo à boate.

Yazbek poderia ter criado um torvelinho de paixão e ciú­mes menos complicado.

São Paulo – Já virou bordão: “Einstein estava certo…”. Quase 43 anos depois da sua morte, em abril de 1955, a comunidade científica continua confirmando teses que o físico e matemático alemão elaborou em vida mas não dispunha de nenhum satélite potente para provar suas idéias. É por essas, e por outras, que o monólogo “Einstein – Um Ato de Gabriel Emanuel” ganha sabor especial.

O ator Carlos Palma interpreta o texto de Gabriel Emanuel – pseudônimo do canadense Gordon Wiseman. Seu primeiro contato com a peça foi em 1995, quando assistiu à montagem chilena. Em princípio, Palma pensava em adquirir os direitos do texto para outro intérprete. Mas acabou, ele mesmo, quarentão, vivendo Einstein aos 70 anos. O resultado é tocante.

Einstein está prestes a participar de mais um daqueles jantares protocolares. Entre os seus chamados pela secretária Helen, que nunca vem, o personagem rememora, aos poucos, sua infância e juventude. Conta, por exemplo, como a bússola que ganhou do pai aos 5 anos, acamado, influenciou seu pensamento pelo resto da vida. Da mesma forma, a paixão pela música foi herdada da mãe, que lhe deu um violino que, pouco tempo depois, já estava tocando.

A ironia lhe era frequente. “Como meu desenvolvimento era retardado, eu era um adulto com mente de criança”, tenta se explicar o personagem. Aos 9 anos, não prestava atenção em sala de aula e vivia isolado pelos cantos, sem falar com ninguém.

Num cenário simples, composto por uma escrivania, uma poltrona e uma lousa, Einstein/Palma intercala o presente com o passado, mesclando biografia e idéias. Judeu, ele cita sua mágoa com o regime nazista alemão, que praticamente o expulsou da pátria em plena juventude. O físico chegou a ser convidado para ser presidente do Estado de Israel, mas não aceitou.

O monólogo inclui até uma explicação didática da Teoria da Relatividade, que publicou aos 26 anos – o Nobel de Física viria 16 anos depois, em 1921. A peça acerta em equilibrar aula e drama. Ou seja, não é um espetáculo propriamente escolar. O que está sendo representado é a  vida e o pensamento de uma dos gênios da humanidade. Suas inquietudes sobre razão e intuição, em que ambas não se excluem, podem ser encaradas como verdadeiras lições de vida.

Em sua caracterização, que inclui a oxigenação dos cabelos e bigode, com o benefício da calva já proeminente, Carlos Palma é a incorporação perfeita de Einstein. É rigoroso na composição dos gestos, do corpo arqueado, do andar vagaroso, do olhar que brilha ansioso por desvendar os mistérios do mundo. A direção de Sylvio Zilber também acentua o trabalho do ator, vencendo o desafio do monólogo com tranquilidade.