VALMIR SANTOS
Da Reportagem local 

Noite dessas, Barbara Heliodora reuniu-se no Rio com artistas como Fernanda Montenegro, Tonia Carrero, Ítalo Rossi e Sérgio Britto. A conversa girou em torno do lançamento da coletânea de textos da crítica de teatro, um painel da segunda metade do século 20. 

“O livro cobre a época em que esses monstros sagrados de hoje estavam começando a carreira”, diz a carioca Heliodora, 84. Um dos destaques de “Barbara Heliodora – Escritos de Teatro”, que sai pela editora Perspectiva, é agrupar em sua primeira parte ensaios teóricos da autora, entre 1944-1971, face menos conhecida pelas novas gerações. Organizadora do volume, a pesquisadora Claudia Braga estabelece como ponto de partida o primeiro artigo que Heliodora publica na imprensa, um estudo sobre o escritor inglês Geoffrey Chaucer em “O Jornal”, 23/4/ 1944. 

Seguem-se como que os anos de formação da crítica, que na análise de autores fundamentais, como na triangulação Sófocles-Eurípides-Eugene O’Neill, para falar da evolução da tragédia, quer na percepção de que o então incipiente moderno teatro brasileiro só alçaria vôos se atores e autores assumissem o lugar de onde falam, ou seja, o Brasil. “A maneira brasileira de interpretar ainda não foi encontrada, mas só será encontrada quando houver meios de treinar atores, e, sem dúvida, será com o trabalho com textos nacionais, em que são retratados brasileiros de todos os tipos, que eventualmente os atores poderão encontrar a melhor maneira de vivê-los”, escreve em 1959, entusiasmada na recepção de textos de Ariano Suassuna e Gianfrancesco Guarnieri. Em 2007, o panorama é outro. “Uma das mudanças mais importantes é que hoje, a grande maioria dos espetáculos é de autor brasileiro. Antigamente, a maioria era importada”, diz à Folha. 

A “pancada da ditadura”, diz, teria diluído uma produção ativa. “Prejudicou por dois lados: quem já estava escrevendo e tinha um certo corpo de obra, abandonou o teatro, porque viram que não podiam fazer nada; e impediu que novos vivessem de palco para dizer coisas mais significativas.” 

Após a abertura política, Heliodora tomou gosto pelo besteirol e muita gente não entendeu o motivo. “Foi uma maneira muito fácil e acessível de chamar o público de volta para o teatro. O besteirol vem de uma grande tradição no teatro brasileiro que é a da comédia de costumes, um esteio um pouco mais caricato.” 

Como não poderia deixar de ser, as críticas representam o maior filão na coletânea, que avança até 1994. Ao atrair desafetos pelo estilo incisivo, Heliodora diz que prefere não entrar em bate-boca. “Se alguém fica furioso, é melhor deixar se acalmar. Enfrento o trabalho com toda a equanimidade.” 

O diretor Enrique Diaz, da carioca Cia. dos Atores, discorda. Identifica na crítica de “O Globo” (desde 1990) “desrespeito, estreiteza de pensamento e leviandade”, como declarou em julho a “O Estado de S. Paulo”. “É problema dele, minha carreira não ilustra essa leviandade. Ele tem liberdade para achar isso, mas a ofensa não leva a nada”, diz Heliodora. 

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

M ais importante projeto do ano teatral em São Paulo, a temporada de “Os Efêmeros”, pela cia. francesa Théâtre du Soleil, com ingressos esgotados, estimula público e artistas a repensar seus papéis nessa arte. 

O espetáculo integral dura oito horas e compreende não só a cena, mas sua órbita. Assim que chega, o espectador caminha até uma das duas platéias, leste ou oeste. Escolhe um lugar, retira o adesivo com o número do respectivo assento e o cola no ingresso. Livre-arbítrio. Antes do início, pode-se ir ao bar comprar pratos feitos pelos próprios integrantes do Soleil. No intervalo, a demanda é maior e convém paciência. 

Os artistas que servem a comida não estão preocupados em ser garçons de fast-food. Muita gente vai bufar, mas eis a chance para resgatar a percepção dos tempos do outro e de si. O ato de comer agrega. A ambientação inclui mesas retangulares de madeira e bancos longos, em conformação que coloca o comensal de frente para o outro. Toalhas, velas, aroma dos pratos, fundo musical, tudo envolve a todos. O camarim é aberto. 

Em sua cosmogonia peculiar, o Soleil reafirma ideais socializantes, mesmo ao tecer universos particulares. Após montagens apoiadas em narrativas épicas de conflitos vividos por outros povos, a cia. volta-se para seu corpo e memória. Expõe fragmentos pessoais dos intérpretes numa dramaturgia de embarque e desembarque por épocas e lugares. 

Às vezes, parece que o trem sai dos trilhos pelo descomedimento, ausência de uma cabeça exterior que represe tantas emoções e comoções. Mas é sensação também passageira. Na subversão ao relógio, “Os Efêmeros” concilia emoção e consciência de mundo. Há uma sincera beleza em lidar com esses estados interiores, até como documento histórico da humanidade em seus dramas, tragédias e comédias. O teatro é consagrado em sua menor grandeza, como na minúcia dos objetos nas plataformas que deslizam sobre rodinhas ou no brio dos artistas que as empurram, protagonistas na coreografia e no olhar tanto quanto os colegas que atuam em cima dos tablados. 

Sob a perspectiva do teatro paulistano atual, o Soleil também diz muito. O modo de produzir é tão radical quanto o do grupo Oficina, por exemplo. A escala monumental lembra a perseverança do Vertigem. O naturalismo de cena em “Os Efêmeros” deixa entrever ainda a que ponto chegaria o “Prêt-à-Porter” do Centro de Pesquisa Teatral (CPT) se o projeto fosse redimensionado com mais fé e risco. Por isso, mas não só, a primeira turnê da companhia pela América do Sul em 43 anos é, desde já, memorável. 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem local 

Marília Pêra, Myriam Muniz, Suely Franco e outras atrizes já foram Mariazinha um dia, a funcionária pública “solteirona” e sexualmente reprimida de “Fala Baixo, Senão Eu Grito”. Quase 40 anos depois de seu nascimento, em 1969, a personagem da autora paulista Leilah Assumpção reinventa fantasmas para os tempos que correm, agora na pele de Ana Beatriz Nogueira. 

A atriz co-produz a montagem do Rio que estréia hoje no teatro Sérgio Cardoso. Mariazinha contracena com Eriberto Leão, o Homem, ou melhor, o ladrão que invade o quarto da protagonista e bagunça a realidade de quem se pensava “segura” na retidão do trabalho e da moral classe média. 

A figura masculina incita a mulher à emancipação. É um marginal que aprendeu na escola da vida da qual Mariazinha fugiu. Para romper o invólucro frágil do mundo que ela cria para si, o diretor convidado Paulo de Moraes (da Armazém Cia. de Teatro) apoia-se num dos símbolos do isolamento urbano: a TV. Há 20 aparelhos no cenário de Carla Berri. 

“Ele [Moraes] diz que foca o trabalho na solidão da mulher que vive na cidade grande, mas vai mais à frente: toca profundamente à solidão da alma humana”, diz Assumpção, 64, que conferiu a temporada carioca. A autora aponta pontos de contato entre as duas montagens. “Não é uma obra datada. A Mariazinha é menos engraçada, menos alienada em 2007, mas tão solitária quanto antes. 

É desesperador”, diz. 

Assumpção, a mesma de “Intimidade Indecente”, faz parte da geração de autores que surgiu no final dos anos 60, de Consuelo de Castro, Antônio Bivar, José Vicente (1945-2007) e outros. Atualmente, escreve “Ilustríssimo Filho da Mãe”, sobre um executivo de 40 anos em crise. 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Com 80 horas de atividades, o teatro vira pretexto para a programação das “Satyrianas – Uma Saudação à Primavera”. O evento que a Companhia de Teatro Os Satyros organiza de hoje a domingo, a partir da praça Franklin Roosevelt, na região central de São Paulo, toma proporções de que nem o grupo desconfiava.

Às 16h de hoje é dada a largada para cerca de 200 atrações de teatro, dança, música, literatura e artes visuais. Começa com o show ao ar livre, na praça, do grupo Ilú Oba de Min. Avança até a festa de encerramento, a partir de meia-noite de domingo, no teatro N.Ex.T. (r. Rego Freitas, 454, tel. 3106-9636).

“Neste ano, houve um inchaço que a gente precisa repensar”, diz o ator Ivam Cabral, 42, em avaliação na véspera da abertura. “Relutamos em profissionalizar o encontro justamente para manter o caráter amador”, diz o co-fundador dos Satyros, grupo criado há 18 anos e que, desde 2002, capitaneia o agito de cultura e de diversão na praça Roosevelt.

Público e artistas têm chance de se cruzar de hora em hora, praticamente, entre manhãs, tardes, noites e madrugadas. Todas as apresentações têm acesso livre, mas os organizadores esperam que o espectador colabore, definindo ele mesmo o valor de seu ingresso.

No ano passado, cerca de 12 mil pessoas acompanharam a programação. E a estimativa para este ano? “Só Deus sabe”, afirma Cabral.

O espírito amador que ele evoca é refletido, por exemplo, no mutirão espontâneo da maioria dos artistas. O orçamento geral é de cerca de R$ 25 mil, vindos da Secretaria Municipal da Cultura (em 2006, foram R$ 15 mil).

Segundo Cabral, boa parte dos recursos banca equipamentos e infra-estrutura que, nesta oitava edição, inclui a montagem de uma lona de circo (quadrada) na praça, com capacidade para 200 pessoas. É nesse espaço que acontece o projeto DramaMix.
Parceria dos grupos Satyros e Dramáticas em Cena, o DramaMix reúne 78 dramaturgos, respectivos diretores e cerca de 200 atores para fazer a leitura encenada de textos em intervalos de uma hora.

Entre as personalidades dessa mistura literal, estão os encenadores Gerald Thomas e Gabriel Villela, o ator Marco Ricca, a escritora Veronica Stigger e a apresentadora Adriane Galisteu.

Alguns espetáculos em cartaz em outros endereços da cidade também integram as “Satyrianas”, sob cachê “simbólico”. Caso de “Orestéia – O Canto do Bode”, que o Folias d’Arte apresenta em seu galpão, em Santa Cecília, e “A Casa do Gaspar ou Kaspar Hauser, o Órfão da Europa”, na sede do Ventoforte no Itaim Bibi.

Juliana Carneiro da Cunha faz 7 papéis em “Os Efêmeros”, que estréia na sexta-feira em SP; ingressos estão esgotados
 

Intérprete fala de sua trajetória européia, que se inicia com a dança e culmina no trabalho com a diretora Ariane Mnouchkine

Juliana Carneiro da Cunha coleciona poucos e memoráveis momentos na história do teatro e do cinema brasileiros -pôde ser vista pelo público nacional em trabalhos como como a peça “As Lágrimas Amargas de Petra von Kant” (1982), de Rainer Werner Fassbinder, em que contracenava com Fernanda Montenegro, ou o filme “Lavoura Arcaica” (2001), de Luiz Fernando Carvalho, ao lado de Raul Cortez. 

Chegou a hora de conhecer a Juliana Carneiro da Cunha que interpreta em francês há 17 anos no Théâtre du Soleil. A companhia está no Brasil pela primeira vez e é das mais admiradas no cenário internacional, dirigida por Ariane Mnouchkine há 43 anos.
 
O espetáculo “Os Efêmeros” (Les Éphémères), de 2006, passou pelo festival Porto Alegre em Cena e estréia em São Paulo depois de amanhã, na futura unidade do Sesc Belenzinho, com ingressos esgotados -está em negociação uma data extra, provavelmente no dia 24. 

“Sempre pensei que, quando o Théâtre du Soleil fosse ao Brasil, causaria um impacto produtivo. É um teatro único, que está de pé há mais de 43 anos e que mantém suas leis, suas regras de base claras”, diz Cunha, 58 anos. “Porque costuma acontecer dessas utopias e ideais durarem quatro, cinco anos, não mais.” Ela conversou com a Folha em julho, no final de uma das sessões no Festival de Avignon, no sul da França. 

Do Sumaré à Bélgica
Nascida no Rio e criada em São Paulo, Juliana Carneiro da Cunha cumpriu uma odisséia genuína pelo mundo das artes cênicas. Aprendeu os primeiros passos de dança aos 7 anos, em aulas com a professora húngara Maria Duschenes, sua vizinha no bairro paulistano Sumaré. 

Dez anos depois, partiu para estudos na Europa, emancipada aos 17 anos para viver na Alemanha e na Bélgica, onde integrou a primeira turma da escola de Maurice Béjart, o Mudra, ao lado da francesa Maguy Marin. 

Participou de coreografias e montagens teatrais do circuito independente europeu, mas voltou ao seu país em 1978, quando ficou grávida de Mateus. Em seguida, nasceu Joana. Eles são franco-brasileiros e hoje se dedicam, respectivamente, à literatura e ao cinema. 

“Eu saí como bailarina e, quando voltei, me chamavam para trabalhar mais como bailarina. Na época, tinha aquela questão: você prefere ser bailarina ou atriz. Respondia: “Eu sou intérprete, bailarina, atriz, cantora, muda, fico de cabeça para baixo, o que for necessário para o personagem'”. 

E foi quando Celso Nunes a chamou para fazer “As Lágrimas Amargas de Petra von Kant”, lembra. 

A intérprete voltou para a Europa em 1988, agora para dançar na companhia de Maguy Marin. Em paralelo, tentou realizar o sonho de entrar no Théâtre du Soleil, que conhecera em 1976, quando assistiu a “L’Age d’Or”, na Cartoucherie de Vincennes, sede do grupo. 

“Cheguei lá com amigos, tinha fila, serviram sopa, sanduíche, enfim, lembro-me completamente. E foi uma peça maravilhosa. Ficou essa vontade de um dia participar dessa trupe”, relembra. O que ocorreu 14 anos depois, em 1990, depois de estágio e teste. 

Em “Os Efêmeros”, Cunha interpreta sete personagens em nove histórias feitas da memória e do presente. É a que mais aparece, por assim dizer, mas no Soleil não existe a figura da primeira-atriz, do primeiro-ator. Além de Cunha, em meio a cerca de 30 intérpretes, despontam talentos como a francesa Dephine Cottu e a iraniana Shaghayegh Beheshti, para ficar nas mulheres. 

“O que você faria se soubesse que a Terra acabaria amanhã ou em uma semana? A gente improvisou em cima disso. Escolhíamos personagens vindos das lembranças da avó, da família. Situações transformadas, claro, mas pinçadas das profundezas pessoais”, diz Cunha.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

O ensaísta e romancista francês Georges Bataille angariou o epíteto de “pensador da transgressão”. A adaptação de “Minha Mãe” para o palco faz jus a isso, como se verá na montagem que estréia hoje em São Paulo. São cenas de enfrentamento do tabu do incesto para questionar noções de amor e violência, loucura e desejo no território do erotismo. 

Há cinco anos o escritor Elzemann Neves alimenta o projeto de adaptar e traduzir a obra, que chega ao palco por meio da Cia. Nua, com interpretação solo de Bia Toledo e direção de Inês Aranha. 

“Minha Mãe” (1966) é a primeira parte de uma trilogia inacabada do autor. No livro, a história é narrada pelo filho, que constrói a personalidade de Hélène, a mãe, a partir de sua imatura concepção de vida. A adaptação de Neves tem como desafio dar voz a Hélène, transformando-a no centro da ação. 

Na livre adaptação, Hélène dirige-se a Pierre, personagem que é como se fosse encarnado pela platéia. A ação se passa em 1906. Ela tem 32 anos, o marido acaba de morrer e o monólogo constitui sua tentativa de desnudar-se por inteiro ao filho. 

Ela dará notícias da vida libertina ao lado do marido, o homem que nunca a tocou depois de violentá-la aos 13 anos, mas que vive um casamento feito de orgias com terceiros. 

“A Hélène é muito envolvente, apesar de não ser simpática. É muito imperativa e cruel. Ela sofre um pouco pelas decisões, mas são dúvidas até certo ponto passageiras. Sua maneira de amar é bastante perturbada”, afirma a atriz Bia Toledo, 32. 

Em seu primeiro monólogo na carreira, metade da vida como atriz, Toledo multiplica-se entre as diversas máscaras de Hélène, além da dar “corpo” a Pierre a Réa, a prostituta com a qual a mãe introduz o filho no reino da libertinagem em que ela é rainha absoluta. 

Dirigindo-se ao público, a personagem explica: “Para ele, sou um quebra-cabeças de partes surpreendentes: doçura triste, melancolia fascinante, felicidade lasciva. A melancolia ele relacionava à maldade de seu pai. A alegria às minhas saídas depois do almoço, que podiam durar um dia inteiro”. 

As mudanças de tempo e espaço são pontuadas por meio da partitura física da atriz, conforme a encenação de Inês Aranha, especializada na preparação corporal de elencos. 

Oitavo Riocenacontemporânea recebe atrações do Brasil, Itália, França e Inglaterra
 

São 70 produções nacionais e estrangeiras; Oficina e Teatro da Vertigem estão entre os grupos paulistas que participam do festival
 

VALMIR SANTOS

Da Reportagem Local

Um dos principais irrigadores das artes cênicas cariocas nos últimos dez anos, o festival Riocenacotemporânea olha para trás para fazer seu “inventário”, o eixo eleito. A oitava edição, que começa hoje, leva o Oficina Uzyna Uzona, do diretor José Celso Martinez Corrêa, ao mesmo cenário onde apresentou “As Bacantes” em 1996: a zona portuária, no Centro Cultural Ação da Cidade. Desta vez, é encenado “Os Sertões”, cuja primeira peça abre o festival hoje à noite. 

Os dez dias de evento mexem ainda com outras memórias em cerca de 70 atrações nacionais e estrangeiras. Não são só espetáculos acabados. Há aqueles em processo, performances, instalações, leituras etc. 

A participação de grupos paulistas inclui também o Teatro da Vertigem, do encenador Antônio Araújo, que remonta “BR 3” em trecho da baía de Guanabara, repetindo a aventura sobre o rio Tietê, no ano passado; e a companhia Livre, de Cibele Forjaz, que leva “Vemvai – O Caminho dos Mortos”. 

Do Rio, acontecem as estréias de “Velatura – Estação Terminal”, com a companhia Ensaio Aberto; “Por uma Vida um Pouco Menos Ordinária”, de Gilberto Gawronski; e “Sutura”, por Felipe Vidal. 

Entre os 14 projetos internacionais, está a montagem de “Hey Girl!”, da italiana Societas Raffaello Sanzio, dirigida por Romeo Castellucci. Graças à tecnologia, uma menina se multiplica como um prisma transparente e mostra várias as facetas ao mesmo tempo. 

Do Reino Unido, vem o ator Tim Crouch, do Public Parts Theatre. Da França, o coreógrafo Josef Nadj. Da Espanha, a companhia La Carnicería Teatro, de Rodrigo García. Da Argentina, o grupo El Periférico de Objetos. De Portugal, uma mostra de espetáculos locais.