São Paulo – De Fellini, o espírito libertário. Do brasileiro anônimo, a so­brevivênCia. Em ambos, enfim, a resistência. “Folias Fellinia­nas” chacoalha as bases do país, expõe suas chagas e imediata­mente celebra a ética, em todas as suas instâncias, como única possibilidade criativa e transfor­madora para os tempos que cor­rem.

Quem, afinal, em sã consci­ência, pode compartilhar da pre­gação rasteira de que “ética demais atrapalha”? Como exercer a cidadania com a bandeira do “rouba, mas faz”? “Folias Felli­nianas” questiona tudo isso sem xenofobismo de araque. Faz um grito de alerta para esse Brasil neoliberal e globalizado que vem invertendo absurdamente os mínimos valores. A fala de um dos personagens é suprassumo: “Integridade, em tempos de crise, é crime”.

A montagem da Cia. Folias D’Arte atualiza o engajamento do teatro brasileiro nos anos 70, quando o “inimigo”, o regime militar, era mais visível. O su­porte agora está fundado não exatamente na política, mas no ser humano, na figura dos mi­lhões marginalizados socialmente e, ainda assim, depositári­os de esperanças a perder de vis­ta.

Tampouco se prega o discur­so direcionado dos Centros Po­pulares de Cultura (CPCs), no auge da União Nacional dos Estudante (UNE). Os tempos são outros. No espetáculo, o conteúdo político-ideológico é emoldurado pela alegoria, pelo vôo dos artistas.

Evoca-se o espírito mambembe, a comédia de arte, o musical, a festa popular, a poesia cantada, o painel suspenso que retrata a história do povo como nos murais de Torres García, enfim, a maté­ria-prima é toda ela composta do ato de criar, de transcender para derrubar os “muros”, para “salvar o sonho”.

“Folias Fellinianas” cita Euclydes da Cunha, Castro Al­ves, Joãosinho Trinta, entre ou­tros, para reciclar as memórias vivas. Aqui, os personagens não têm identidade. O Diretor (Gui­lherme Sant’anna), a Produtora (Nani de Oliveira), a Jornalista (Patrícia Barros), o Brasil (Ro­gério Bandeira), o Velho (Valdir Rivaben), a Mãe (Saryda Anda­ra), o Rapper (Edgar Bustaman­te) e o Anjo Branco (Fernando Correa) patinam em suas pers­pectivas a curto, médio ou longo prazo.

Reunidos por acaso em tor­no da gravação de um filme, eles serão mobilizados pela pre­sença de Ninguém (Renata Zhaneta), um mensageiro incumbido de entregar cartas, a pedalar por aí em sua bicicleta.

O texto de Reinaldo Maia, gestado em processo com o elenco, concede a Ninguém o tesouro a ser cobiçado: a plenitude de uma ética pessoal coeren­te com o mundo que o cerca; uma fluência de viver em con­traste com o final de século acelerado. A saída está no indivíduo e não na nação.

Esclarecidas as partes, tem início a canibalização de Ninguém, alçado à condição de “santo” graças às visões que têm por conta de uma dor de cabeça intermitente, pela qual roga apenas uma aspirina – mas lhe receitam a “canonização”.

O circo de horrores, com tintas neo-realistas, apresenta desde números sensacionalistas, como as irmãs siamesas (na sugestão para acabar com a fome, uma come o que a outra defeca, ciclo da miséria), até culminar com a morte de Ninguém, queimado vivo tal qual o índio Galdino Jesus dos San­tos.

É um espetáculo que não dá um soco no estômago e nem rouba o chão do espectador. Simplesmente não ignora a história que passa diante dos olhos de quem está disposto a ver. Ao peneirar o passado para constituir seu presente com verdade, “Folias Fellinianas” estabelece uma ponte contundente, porque embalada com o talento dos seus artistas.

Renata Zhaneta está à von­tade no papel masculino de Ninguém. Arma a voz e o corpo com desenvoltura, é tranqüila na passagem interativa com a platéia. Extrai magia na relação com a bicicleta, curiosamente o veículo que equilibra o personagem no chão da razão ética.

Guilherme Sant’anna não fica atrás com seu Diretor histérico, ganhando a empatia instan­tânea do público. As demais atuações também envolvem com criatividade. Uma ressalva para Rogério Bandeira (Brasil), com matizes remanescentes de “Cantos Peregrinos”, o que limita as possibilidades mil do personagem.

Na estréia, quarta-feira passada, “Folias Fellinianas” ressentia-se ainda, aqui e ali, de um excesso de retórica no texto. São algumas reiterações, dico  tomias (bem x mal, solidários x mercadores da alma) que terminam por dispersar a atenção do espectador.

O que fica, porém, é a coerência estética e ideológica da Cia. Folias D’Arte e do seu diretor, Marco Antonio Rodri   gues. Como em “Verás Que Tudo É Mentira” (1994), depois em “Cantos Peregrinos” (1997), trata-se de um projeto que elege a arte popular, em sua excelência, como veículo de formação de um público de teatro mais crítico e, por extensão, de seres humanos mais dignos com seus papéis na sociedade.

“Sonhar, viver, criar”, esse é o espírito. Pode haver engajamento mais honesto?

Folias Fellinianas – De Reinaldo Maia. Direção: Marco Antonio Rodrigues. Direção Musical: Sérgio Villafranca. Cenografia: Fernando Monteiro de Barros. Figurino: Atílio Belline Vaz. Preparação corporal e circense: Mariana Maia. Quinta a sábado, 21h; domingo, 19h. Teatro Aliança Francesa (rua General Jardim, 182, Vila Buarque, tel. 259-0086). R$ 10,00 (quinta) e R$ 20,00. Duração: 120 minutos. Até final de novembro. Apoio: Fundação Conrado Wessel.

Rodrigues dirige 4 peças

São Paulo – Com “Folias Fellinianas”, Marco Antonio Rodrigues soma quatro peças na atual temporada paulistana. Andrade (leia crítica abaixo)

O musical “Cantos Peregrinos”, de José Antônio de Souza, está em cartaz há um ano e meio, agora no Teatro Ruth Escobar, com a Cia. Folias D’Arte.

A comédia “O Assassinato do Anão do Caralho Grande”, de Plínio Marcos, que estreou há um ano, fica até hoje no Sérgio Cardoso, interpretada por 35 atores oriundos da Oficina Cultural Oswaldo de Andrade (leia crítica abaixo).

E a tragédia “Senhora dos Afogados”, de Nelson Rodrigues é encenada por alunos recém-formados no Teatro-Escola Célia Helena, onde, permanece em cartaz.

“É uma coincidência feliz poder trabalhar com essa gente que praticamente forma uma família, no bom sentido”, diz Rodrigues. “Para nós o teatro nunca deixou de ser engajado”

A Cia. Folias D’Arte tem cinco anos. Entre as montagens anteriores destaca-se “Verás que Tudo é Mentira” (1994), de autoria de Maia. 

Senhora dos Afogados – Sexta e sábado, 21h; domingo, 19h. Teatro Escola Célia Helena (rua Barão de Iguape, Liberdade, tel. 279-0470). R$ 10,00. Até dia 15.

Cantos Peregrinos – Sexta e sábado, meia-noite. Teatro Ruth Escobar (rua dos  Ingleses, 209, Bela Vista, tel. 289-2358). R$ 3,00 (consumação mínima).

“Assassinato…” traz atores sem vícios

São Paulo – O circo fala alto no peito do dramaturgo Plí­nio Marcos, 61 anos. Ele que já foi palhaço e tem no pica­deiro a base para o fazer artísti­co. “Amo os atores e por eles amo o teatro e sei que é por eles que o teatro é eterno e que jamais será superado por qualquer arte que tenha que se valer da técnica mecânica”, encerrou assim o seu célebre manifesto “O Ator”.

Em “O Assassinato do Anão do Caralho Grande”, dos textos mais recentes (1996), o autor de “Dois Perdidos Numa Noite Su­ja” (1965) retoma a defesa orgâni­ca do artista como ser em constante conflito com a sociedade em que vive.

Plínio sabe esquadrinhar o Brasil em que vive, O poder, em sua constatação mais medíocre, é representado pela prefeitura, pela justiça, pela mídia, na base da velha e viciada estrutura.

Do outro lado, a resistência humanista dos artistas. Aqui, re­presentados pelos ciganos do Gran Circus Atlas. São trapezis­tas, acrobatas, enfim, gente que trabalha sob lona e sobrevive da magia de encantar o público.

Essa dualidade na forma de olhar a vida ganha relevo na montagem do diretor Marco Antonio Rodrigues, com jovens das Oficinas Culturais Oswaldo de Andrade. O espetáculo estre­ou em janeiro e encerra tempo­rada hoje no Sérgio Cardoso.

Pelo caráter alegórico de “O Assassinato do Anão…”, um li­belo à arte do circo, Rodrigues tem a seu favor a energia com a qual o grupo de 35 atores pisa no palco.

São interpretações despoja­das e fundamentadas em pes­quisa cênica que leva em consi­deração o corpo como instru­mento crucial para desenhar personagens tão arraigados na cultura brasileira.

Fábio Ferretti (Dona Ciloca), Ireny Silva (Mãe Di), Nani de Souza (Zolá Manuche), Paulo Henrique (Macaco) e Denis Go­yos (Bicha Lili), para citar al­guns, têm seus personagens nas mãos. E são papéis no limite do estereótipo, felizmente recriados de acordo com o talento de cada um. (É louvável, por exemplo, a forma como Henrique coloca seu corpo e alma à disposição do seu Macaco, sem superficialidade).

O diretor costura a montagem com mão barroca. É minucioso na expressão dos atores, na ocupação harmônica do espaço, in­clusive no plano aéreo. A ceno­grafia (Atílio Beline Vaz) catalisa a cena com tranquilidade, transitando da periferia para o centro do palco sem prejuízo dos territórios dedicados ora ao “co­ro”, ora à atuação solo.

“O Assassinato do Anão…” consagra a força do ator jovem, despido de vícios, aberto para um novo com o qual dialoga de igual para igual, sem se apeque­nar. Isso quando o diretor – caso de Rodrigues – deixa.

O Assassinato do Anão do Caralho Grande – De Plínio Marcos. Direção: Marco Antonio Rodrigues. Cleber Toline, José Paulo Dantas, Ibrahim Lyra, Rodolfo Falcão, Mariana Maia, Natasha Rodrigues, Nei Gomes, Allan Benatti etc. Última sessão hoje, 20h. Teatro Sérgio Cardoso (rua Rui Barbosa, 196, Bela Vista, tel. 288-0136). R$ 10,00. Duração: 100 minutos.

Em comédia, Dip inspira reflexão

São Paulo – “Eu não quero mudar de computador, de você, de milênio!”, protes­ta a personagem de “Por Água Abaixo”, uma “comédia filosó­fica” escrita e interpretada por Angela Dip. Esta comediante de mão cheia condensa maturidade nesta que é das suas melhores aventuras pelo teatro, escrevendo e atuando com esmerado senso de inventividade e leveza.

A começar pela gênese do texto. Dip se inspira na história da professora de etiqueta e dan­ça Annie Taylor. Em 1901, esta doidivanas desceu as Cataratas do Niágara (EUA), protegendo seu corvo com apenas um barril. Resultado: esconações, aqui e ali, e muita fama à custa da co­ragem.

Pois a atriz surge com um barril-cenário-figurino e, em torno desse objeto esférico, ela convida o público a embarcar nas desventuras de uma mulher desesperada à beira do milênio, em crise como todos, mas a ape­nas alguns minutos de se atirar da catarata.

Os queixumes vão desde a pêndega com Deus sobre a ve­lhice, passam pela implicância com as regras gramaticais (no­tadamente os coletivos de “chi­nelos”, “cupins”, espelhando a busca da própria individualidade), enfim, e chegam aos pro­testos pela modernidade que impõe mais do que interage.

É com esse espírito desbra­vador que a mulher não se atri­bui um nome à personagem, conferindo-lhe um caráter uni­versal pela média acaba rom­pendo totalmente com as noçõ­es de espaço, explorando todas as direções. “O chão não é o li­mite, é o teto”, filosofa.

Nesse movimento centrífu­go, a mulher transforma-se em furacão de si. De outra forma, não conseguiria sair do maras­mo, ir adiante para “viver, dorrmir, sonhar, quem sabe?”, como deixa claro o bordão da anti-he­roína politicamente incorreta, chata e encantadora em sua transparência.

Angela Dip esbanja a segu­rança de uma Denise Stoklos em monólogo, corroborada pela direção de Vivien Buckup (“Pa­ra Sempre”, “Cenas de Um Ca­samento”), que a cada espetácu­lo afina sua relação com o traba­lho de ator e, como conseqüên­cia, o privilegia com equilíbrio. (Aliás, ressalta-se aqui o femi­nismo subliminar do texto).

A exigência corporal de Dip é atendida com muita técnica. “Por Água Abaixo” é uma montagem enxuta. Na sua brevidade de 50 minutos, estimula a refle­xão com recursos iminentemen­te artísticos (a extremidade o­posta da solidão) e, cereja no bolo, traz uma Angela Dip em estado de graça.

 

Por Água Abaixo – Texto e atuação: Angela Dip. Direção: Vivien Buckup. Sexta e sábado, meia-noite. Teatro Crowne Plaza (rua Frei Caneca, 1.360, Cerqueira César, tel. 289-0985). R$ 15,00. Duração: 50 minutos.

São Paulo – Há Tennessee Williams (1911-83) para todos os gostos. Pode-se encarar seus textos a partir da bruma indelével da superfície. Pode-se mergulhar mais fundo e deparar com seres atordoados pela existência. E neste patamar, ora rastejando, ora reunindo for­ça para dobrar o destino, que se vai enxergar nos olhos e tocar na alma dos seus personagens.

Em cartaz no Teatro Faap, a história de “À Margem da Vida” (44) se passa no plano baixo, o subsolo, espaço imaginário compreendido entre o asfalto e o teto de uma ponte. Para vir à público, no palco, a família Wingfield precisa descer as es­cadas de um cenário cinza e im­pessoal, como as paredes de concreto dos túneis do metrô.

Frieza e distanciamento vi­sual conferem com o enredo. Estamos diante de um núcleo humano em dissolução. Aman­da (ReginaBraga), a célula-mater, tenta a todo custo sustentar as aparências se agarrando aos fiapos do cotidiano comezinho.

Laura (Luah Guimarãez), a filha envolta em “bolha” de ti­midez gestada pela perna ligeiramente maior que a outra, pre­fere se abster de tanta hipocrisia e cria seu mundo paralelo, habi­tado pelos bichinhos de vidro que coleciona desde criança. E um esforço inglório, pois a freu­diana castração materna, aqui, é elevada à potência de morte, simbólica e gradativa.

Recai sobre Tom (Gabriel Nunes Braga), o varão dos Wing­field, a atitude dissonante. Não se trata de escape machista do autor. Ao contrário, o corte um­bilical do filho é questão de sobrevivência. Romper com o de­terminismo do lar constitui etapa das mais dificeis para jovens in­quietos diante das possibilidades da vida descortinada pelo tempo.

Tom foi submisso até o limi­te em que já não pertencia a si, mas à mãe e, por extensão, à ir­mã. Como o pai, que abandonou o barco no passado – mas é um personagem que flutua nas entrelinhas do texto com peso de­terminante -, ele também deixa o “bunker”.

“O homem é por instinto guerreiro, vai à guerra”, afirma Tom na vã ilusão de convencer Amanda do comichão poético que lhe invade e impede de ver o cor-de-rosa da realidade pintada pela mãe.

Tennessee Williams escreveu um drama que explicita o processo de crescimento pela via da dor. Em verdade, as op­ções de Laura e Tom são iguais. As escolhas, porque inerentes ao âmago de cada um, elas sim são diferentes.

Toda essa pungência de “À Margem da Vida” desponta com equilíbrio na montagem dirigida por Beth Lopes. Equilíbrio não propriamente de espírito, mas de estado. Há um domínio preciso da diretora na reorganização do espaço e da atuação que traduz a essência do dramaturgo norte-americano, sem verter tanta den­sidade para melodrama ou em­polação – um risco eminente.

Lopes conta com uma equipe dos sonhos de qualquer diretor. Daniela Thomas fez a direção de arte, com cenário de Felipe Tas­sara, iluminaação de Wagner Pin­to e música composta por Marcelo Pellegrini. Luz e trilha, em particular, harmonizam a delica­deza interior dos personagens com a tempestade por que pas­sam – cuja melhor metáfora é a britadeira cortando o concreto…

Na base da interpretação, o e­lenco passou pelas mãos de Re­nata Meio (“Domésticas”). Ao que parece, a coreógrafa traba­lhou mais no sentido de conten­ção do que propriamente expan­são, como requer um Tennessee Williams, contrastando com a fisicalidade recorrente dos espetá­culos anteriores de Beth Lopes.

Luah Guimarãez é quem des­pende maior esforço para levar sua Laura adiante. Há um tênue fio a separá-la da loucura, mas a consciência não lhe escapa por completo (“O que vamos fazer do resto de nossas vidas”, per­gunta) – o que também tem lá o seu custo.

Regina Braga consegue ex­trair humor do histerismo da Amanda. Como recomenda o au­tor, a mãe não deve ser interpre­tada sob o signo fácil do exage­ro, do estereótipo. A atriz não só segue à risca, como amplia as possibilidades da personagem, conferindo-lhe uma estatura mais demasiadamente humana na insegurança e na insensatez.

A revelação fica por conta de Gabriel Nunes Braga, filho de Regina. Seu Tom transita entre ação e narração com naturalidade. É encantador acompanhar o per­sonagem no desprendimento da família, na disposição em sair para a vida – ou “para o cinema”, como insiste no álibi de boêmio e poeta que é. Enfim, uma inter­pretação segura.

O ator André Boll surge sem comprometimento na segunda metade da peça no papel de Jim, Amigo de serviço de Tom, que a mãe tenta empurrar para Lau­ra sem sucesso.

Com esse Teneessee Willi­ams, Beth Lopes dá por encer­rada, definitivamente, a fase “O Cobrador” com a qual ficou estigmatizada nos últimos anos, à frente da Cia. de Teatro em Quadrinhos – sem desmerecer aquela montagem marcante no início da década, mas o tea­tro, como a vida, é ciclo. “À Margem da Vida”, superprodu­zida esteticamente simples, co­roa a maturidade e o talento de uma grande diretora parcimo­niosa na arte de tocar o público.

À Margem da Vida – De Teneessee Williams. Tradução: Marta Góes. Figurino: Verônica Julian e Flávia Ribeiro. Programação visual: Gringo Cardia. Quinta a sábado, 21h; domingo, 20h. Teatro Faap (rua Alagoas, 903, Higienópolis, tel. 3662-1992). R$ 25 e R$ 30,00.

“Doce Lembrança” reinventa saudade

São Paulo – A delica­deza que Beth Lopes pers­cruta em “À Mar­gem da Vida” sur­ge em estado bru­to em “Doce Lembrança”, a montagem que di­rigiu com seus a­lunos de interpre­tação na EAD/USP. A pe­ça permaneceu dois meses em cartaz, até final de agosto, e tem perspectiva de reestrear em breve.

Adaptação da obra fundamental de Ecléa Bosi – “Memória e Soci­edade: Lembran­ças de Velhos” -, o espetáculo expõe uma diretora que já se sabia aliada à exigência física dos atores, mas não se vislumbra­va, até aqui, uma diluição mais ver­tical de tempo e espaço, liberando-os, ao menos de vez em quando, da ação em si.

De cunho experimental, o trabalho resultou extremamente rico em signos, a começar pela ocupação inventiva do porão do Centro Cultural São Paulo. O público era recebido com bolos e pãezinhos, acompanhados de chá e café, bem ao estilo dos nossos avós.

Conquistado pela boca – a gastronomia como poderosa a­liada da memória -, sentamos na platéia semi-arena para acom­panhar a aventura de seis perso­nagens pelo túnel do tempo de suas vidas.

E tudo começa pelo extre­mo, lá na outra ponta, na infân­cia. “Pirulito que bate bate/ Pi­rulito que já bateu…”, entoam. A memória, essa instância sublime que conjuga tristeza e alegria, é recomposta aos poucos, em in­sights mútuos.

Da mesma forma, e paralelamente, vai-se dando a recons­trução – ou “reinvenção” – dos móveis e adereços. Aos poucos, eles ganham forma em cena.

Um amálgama de corpos ar­queados, cacarejos e cacoetes; mais panos, rendas, flores, fo­tos, cartas, documentos, sapa­tos, enfim, desenham um es­forço tremendo diante do senti­mento da saudade, tão peculiar à alma brasileira.

As principais passagens polí­ticas do País, como o auge da Era Vargas, são pincelados aqui e ali. Num Brasil que não leva a sério os dois extremos da vida, o velho e a criança, o entrelaçamento do privado e do público é alentador.

Quando se fala em terceira i­dade, esse “palavrão”, remete-se logo aos eternos problemas da Previdência Social. “Doce Lembrança” não passa ao largo disso, mas valoriza mais o indivíduo -ou a amizade e sua celebração em grupo.

A via aqui é a da felicidade possível e, porém, esmaecida num passado não muito distante e pouco distinto dos nossos au­cestrais. A cena final, em que cada personagem retorna ao cai­xote que lhe cabe nesta reta final da vida, é memorável.

Trata-se, sobretudo, do resul­tado de um elenco esforçado, dis­posto a empreender a gana da sua juventude, sem sobressaltos, em projeto tão comovente.

Doce Lembrança – Direção: Beth Lopes. Com Ana Gallotti, Eduardo de Paula, Fabiana Barbosa, Guadalupe Vivanco, Mara Leal e Vera Canolli. Cenografia: André Moia. Figurinos: Luciana Pareja. Iluminação: João Donda.

Eterno retorno de “Noturno”

São Paulo – Não é dificil ex­plicar o “eterno retorno” de “Noturno”. O musical de Oswaldo Montenegro, de volta ao cartaz, tem ingredientes na medida para seu público alvo: jovens munidos de adrenalina para se aventurar por aí, atrás de utopias d’antes não conquista­das – algo como a dupla paz-a­mor ou o triô liberdade-igualda­de-fraternidade.

Aquele espírito libertador e datado de “Hair”, nos anos 60, pouco legou à geração dos 90. Embaçados pelas perspectivas esotéricas – um tal ex-parceiro de Raul Seixas só corrobora o caldo retrô -, os “teens”, como querem, divagam na poesia do “chato” Oswaldo Montenegro.

“Chato” porque assim auto-denominou-se em uma das suas canções. Mas é assim, sincero em seu canto – como o sabem milhares de fãs bem crescidi­nhos – que Oswaldo Montenegro chega junto da moçada sem me­do de pisar na bola.

O musical, em seis anos de estrada, um CD, junta um bando de 60 atores, jovens em sua maioria oriundos da Oficina dos Menestréis, curso ministrado por Deto Montenegro e Candé Brandão, sempre no temporão Teatro Dias Gomes, onde a montagem segue em cartaz nas segundas e terças, alternativas e de casa invariavelmente cheia.

A trilha vai de Prince a Peter Gabriel. Destaque para as belas vozes de Tânia Maya e Débora Reis.

“Noturno” utiliza todo o es­paço do teatro (em uma pers­pectiva de 360 graus), conju­gando coreografias em massa e jogos de sombra de luz. A pla­téia é literalmente envolvida pela ação dos atores, ora no pal­co, ora dependurados em cor­das, ora ziguezagueando pelos corredores. Maiores detalhes sobre a empatia dos estudantes para com um espetáculo que prega a utopia como condição sine qua non, só conferindo. Poesia pouca é bobagem.

Noturno – Direção: Oswaldo Montenegro. Com Estela Cassilatti, Tânia Maya, Débora Reis, Gordo Marques, Marcelo Palma, Marco de Vita e outros. Segunda e terça, 21h. Teatro Dias Gomes (rua Domingos de Moraes, 348, metrô Ana Rosa, tel. 571-6177). R$ 15,00.