Acostumado a levar romances inteiros à cena, o diretor Aderbal Freire-Filho sente-se à vontade em “O Continente Negro”, que estréia hoje na Faap. 

O drama realista do chileno Marco Antonio De La Parra não é um livro, mas o fluxo narrativo lembra bastante o virar de páginas em que tempo, espaço e pessoas vão e vêm. 

A peça dispõe 12 personagens na paleta por meio de três atores, que imprimem tonalidades diversas sobre a impossibilidade amorosa entre homens e mulheres. Freire-Filho, 65, diz que o diálogo com as rubricas do autor foi “utilíssimo”, a começar pela teatralidade mínima, que não despreza silêncios e centra o foco nos atores. 

Os intérpretes Ângelo Antônio, Débora Falabella e Yara de Novaes integram o Grupo 3. Freire-Filho assistiu às peças anteriores do núcleo (“A Serpente” e “Noites Brancas”) e topou assinar a terceira.

Luiz Antonio Pilar assina direção da peça de Jordi Galcerán, que estréia amanhã em SP com Lázaro Ramos e Taís Araujo 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Um dos diretores do “reality show” “BBB 7”, exibido pela Globo até a semana passada, Luiz Antonio Pilar é, possivelmente, o nome mais indicado para encenar a primeira montagem brasileira da comédia espanhola “O Método Grönholm” (2003). 

A peça do catalão Jordi Galcerán (nascido em 1964), adaptada há pouco para o cinema (“O que Você Faria?”, do argentino Marcelo Piñeyro), encerra numa sala quatro candidatos a uma vaga de executivo numa multinacional. 

Eles chegam à última fase da seleção submetidos a provas de exclusão, “recursos desumanos” para saber se há algum infiltrado do departamento pessoal no pedaço. “O Método Grönholm”, que estréia hoje no Teatro das Artes, em São Paulo, é feito de enigmas assim. O título vem do sobrenome do sujeito que cria técnicas mirabolantes (e reais) de avaliação, como se saberá no apagar de luzes da peça adaptada por Domingos Oliveira. 

“Os candidatos são obrigados a desempenhar um papel para chegar ao objetivo, observados por olhares exteriores que irão julgar qual deles tem capacidade de exercer o cargo”, diz o diretor da versão brasileira. 

Analogia. “Como no “Big Brother”, ocorre uma alteração do chamado comportamento “in natura” da pessoa. Isso faz com que, em determinado momento, ela interprete um papel que julgue de acordo com aquilo que imagina esperarem dela”, completa. 

É emblemática a passagem em que os concorrentes são induzidos a escolher chapéus de palhaço, toureiro, bispo e político. Diante da hipótese de serem os únicos ocupantes de um avião em chamas, precisam argumentar por que seu personagem deve salvar-se com o único pára-quedas disponível. 

O contexto é de uma corporação, mas o comportamento politicamente incorreto dos personagens vividos na trama por Lázaro Ramos, Taís Araujo, Ângelo Paes Leme e Edmilson Barros está disseminado pela sociedade midiática, no diagnóstico de Pilar. 

Acento brasileiro
Artista ligado ao teatro há 22 anos, co-fundador, no Rio, da companhia e produtora Black & Preto, em 1997, Pilar, 46, sabe que existem outras questões subliminares em jogo na versão brasileira. Afinal, a única mulher do quarteto (rebatedora de piadas sexistas) e o homem mais arrogante e elegantemente vestido são negros. 

Protagonistas da telenovela “Cobras e Lagartos”, Ramos e Araujo promovem encontro inédito no palco. Há dois anos e meio, o casal assistiu à montagem argentina da peça. Vidrou na intriga e nas falas ardilosas. 

Procurou o autor e soube da aquisição dos direitos do texto pela CIE Brasil. Bateu à porta da produtora, que deu carta branca para a versão que chega amanhã aos palcos. 

Lázaro Ramos, 28, vê a chance de variar o registro cômico das últimas interpretações no cinema e na TV e busca revolver as possibilidades dramáticas que cultivou em nove anos de Bando de Teatro Olodum, em Salvador. 

Espetáculo que pré-estréia hoje no Sesi da avenida Paulista põe em cena contos sobre variações de amor e violência sem filosofia 

VALMIR SANTOS
Enviado especial a Curitiba

Projetada nacionalmente na Curitiba do início da década, com “A Vida É Cheia de Som e Fúria”, a Sutil Companhia de Teatro volta-se para o berço com distanciamento crítico em “Educação Sentimental do Vampiro”. O novo espetáculo, que pré-estréia hoje e abre temporada quarta no Teatro Popular do Sesi, em São Paulo, adapta contos de Dalton Trevisan, 81, dono e alvo da alcunha “o Vampiro de Curitiba”, como batiza um dos seus textos.

“A cidade em que vivíamos se tornou um trauma, uma marca nestes seis anos em que passamos mais tempo fora do que aqui. Nossa juventude pertence mais à era Lerner do que à do Dalton”, diz Felipe Hirsch, 35, citando o ex-prefeito Jaime Lerner, tido como “modernizador” em três mandatos. 

O diretor e os atores Guilherme Weber e Erica Migon receberam a reportagem durante o Festival de Curitiba. 

Para contrapor à cidade “eventual”, a Sutil escolhe jogar luz no subterrâneo escancarado por Trevisan. O universo ficcional do autor espreita o buraco da fechadura e roça a realidade das esquinas ou entre quatro paredes. “De maneira indireta, contudo, a gente lê o Dalton desde garoto. É uma obra de observação, autoparódica, sofisticada. Parece o humor inglês, que ri de si mesmo, se autoflagela”, diz Weber, 32. 

Ao interlocutor que foi lhe apresentar a idéia de adaptação pela Sutil, Trevisan teria pedido como cláusula principal do contrato a “obscuridade”, a conhecida indisposição de vir a público. “Um morcego condenado à caça nas trevas”, para usar uma citação sua. 

No primeiro espetáculo de autor brasileiro em quase 15 anos de história, a companhia segue à risca elipses, ausências de artigo e outras “partituras” da escrita trevisiana. 

O fio emocional das histórias pende do sujeito que espreita as “carótidas” das pessoas e da cidade, sugando-lhes a energia. 

“O que se cria sentimentalmente nas ruas de Curitiba, o que se conhece sobre o amor? 

Como se dá a formação do ser humano através dos olhos de Dalton? E quão desastroso pode ser tudo isso”, diz Weber. 

Todos os personagens, homens e mulheres, são movidos pelo amor e pelo desejo, mas nunca alcançam a perfeição, a felicidade presumida. “Apesar de dolorosa, essa via-crúcis reflete humanismo”, continua o ator, que contracena com Migon, Jorge Emil, Luiz Damasceno, Magali Biff, Maureen Miranda e Zeca Cenovicz. 

Violência
“Fiquei tanto tempo estudando a obra do Dalton, e o Ministério da Justiça veio e definiu a classificação indicativa: “violência familiar”. É o logo que temos que pôr em todo o material de divulgação”, diz Hirsch. 

Invertendo, ele acha que a questão é a familiaridade que se tem com a violência nos dias atuais, não só dentro de casa, mas no espaço público. 

“Dalton nos devolve a violência de modo genuíno, sem filosofia, sem banalização. Mas como ela deve ser observada: terrível e assustadora”, diz Weber. 

Por isso a inclinação para o tratamento expressionista nas concepções cênica e visual (cenografia de Daniela Thomas, figurinos de Veronica Julian e desenho de luz de Jorginho de Carvalho). O objetivo é criar uma atmosfera gótica inerente à visão de mundo dos contos. 

No meio do ano, a Sutil dá mais um passo em seu movimento antropofágico com outro paranaense: Paulo Leminski: “Inverno”, título provisório para adaptação do romance “Agora É que São Elas” (1984), previsto para o meio do ano no CCBB de Brasília. 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

O realismo que tem em Plínio Marcos (1935-99) um dos alicerces no teatro brasileiro encontra duas interlocutoras contemporâneas na cidade. 

Beatriz Carolina Gonçalves e Marici Salomão investigam o gênero em “Atos de Violência”, a partir de hoje no Espaço dos Satyros 1.

Dirigido por Hélio Cícero, o espetáculo discute a violência urbana por meio de dois textos. 

Em “Shangrilá”, de Salomão, dois jovens justiceiros (Marcelo Pacífico e Rogerio Brito) vaticinam sobre a importância da “faxina” no cortiço em que moram. Eles levam fé no “tiro de misericórdia” em sua guerra pela paz no pedaço. E deixam entrever fragilidade, carência e paradoxal coragem em se atirar para a vida sem rede. 

Mais que o retrato, importa o realismo que exponha “as contradições das almas” envolvidas, como diz Salomão, 43. “Pelo momento em que passa o país, é tão fácil quanto perigoso discutir a violência urbana, um modismo que pode acometer tanto a arte quanto a política.” 

A intenção é tratar os excluídos sem condescendências. Em “Umzé”, Gonçalves, 47, compõe a trajetória de duas mulheres (Lucia Romano e Thereza Piffer) que dividem a cela num presídio. “Parto da exclusão social como violência que gera mais violência”, diz a autora. 

O analfabetismo crônico, a chupeta e a imagem do colo dão indícios de uma pátria-mãe que abandona seus filhos. 

Gonçalves escreve para teatro desde 1993. Salomão, desde 1995. Há um ano e meio, as duas integram o grupo de estudos Dramáticas em Cena, do qual “Atos de Violência” é o primeiro projeto -contraponto do teatro de autor à escrita colaborativa (em geral, nascida de improvisos). Está prevista para junho encenação de textos de Cláudia Vasconcellos e Vera de Sá. O terceiro passo é reunir as quatro autoras em um só espetáculo, tendo Silvana Garcia como dramaturgista. 

Peças como “Angu de Sangue”, no Fringe, e “Besouro Cordão-de-Ouro”, na mostra oficial, expõem questões políticas
 

Tragicomédia “Gorilas” flagra um torturador em atividade e “O Chá” mostra decadência da elite a partir de um círculo de amigas

Enfim, são peças-ilhas num festival que, apesar da ostensiva e irritante ação de marketing dos patrocinadores, ainda seleciona peças por meio de fita de vídeo. O que resulta em constrangimentos como “O Contêiner”, d’A Outra Companhia (BA), em plena mostra oficial em que nunca deveria estar. 

No Fringe, a qualidade das produções curitibanas costuma suscitar dúvidas. A predominância de peças locais (nesta edição, 108 em um universo de 180) evidencia a mediocridade em temas, títulos e conteúdos apelativos. Entretanto, alguns artistas conseguiram criar dissonâncias.

Quatro grupos ocuparam o teatro da UFPR para mostrar repertório. Pausa Cia., Cia. Silenciosa, A Armadilha Cia. de Teatro e Cia. Provisória riscaram o chão no compromisso com a pesquisa e sintonia com o teatro contemporâneo.

Nesse projeto, um espetáculo bem-sucedido foi “Os Leões”, montagem de Nadja Naira, da Armadilha, para o texto do espanhol Pablo Miguel de la Vega y Mendoza. Os atores Alexandre Nero e Diego Fortes catalisam a força centrípeta do drama: dois homens solitários submetidos à convivência, um condicionado ao outro.

É de se perguntar, porém, por que esses mesmos artistas que primam pela encenação e interpretação não avançam em dramaturgias próprias.

Em outro esforço por demarcar território, Marcos Damasceno construiu, em 2003, um galpão no fundo do quintal da casa que aluga. Ali, mostrou “Sonho de Outono”, do norueguês Jon Fosse. Uma história sobre perdas bem fiel aos tons cinzas que fazem parte da vida.

Curitiba estréia montagens do monólogo “O Incrível Menino na Fotografia” e da tragicômica “Eu Odeio Kombi”
 

Festival segue até domingo na capital paranaense; peças, sobre a realidade brasileira, chegam a São Paulo nos próximos dias
 

VALMIR SANTOS
Enviado Especial a Curitiba

Três autores de São Paulo têm peças inéditas montadas na mostra principal do Festival de Teatro de Curitiba, que vai até domingo. Fernando Bonassi, Hugo Possolo e Newton Moreno tocam em temas que ora se atraem, ora se repelem: a miséria, o fracasso e o canibalismo. O tripé de uma possível contemporaneidade brasileira estréia em São Paulo nos próximos dias. 

Em “O Incrível Menino na Fotografia”, Bonassi, 44, leva para o palco, também como diretor, uma das narrativas do seu livro “Histórias Extraordinárias” (ed. Conrad). 

É um monólogo sobre um aluno de 14 anos paralisado diante do rito de passagem da foto obrigatória no grupo escolar, em 1936. 

Ele tem de ocupar uma cadeira, atrás de uma mesa, cercada por bandeira e outros símbolos nacionais. O personagem interpretado por Eucir de Souza se vê paralisado no tempo. 

Inércia à qual o autor associa o presente. “É um registro que simboliza muito do que o Brasil fez consigo dos anos 40 até aqui”, diz Bonassi. Para ele, o texto trata de um período “fundador” do estado de coisas a que a sociedade chegou com a falta de distribuição de renda. 

“No início, pensava ter em mãos um texto mais trágico, amargo, mas o Eucir e a equipe me ajudaram a descobrir também o viés cômico”, afirma Bonassi. “O Incrível Menino na Fotografia” tem apresentações amanhã e quarta, às 20h30, no teatro Paiol. 

Antes de ser co-fundador do grupo Parlapatões, no início dos anos 90, Possolo, 44, chegou a rodar por muitas estradas a bordo de uma perua Kombi, num projeto mambembe de teatro infantil. Parte do imaginário daquele veículo está em 
“Eu Odeio Kombi”, que Jairo Mattos, justamente um dos parceiros à época, dirige em sessões na quarta e na quinta, às 20h30, na Casa Vermelha. Mote: dois homens empilham seus fracassos durante uma viagem e, súbito, são acometidos pela dúvida hamletiana de continuar ou não a aventura. Passam a agir com sordidez e criam um campo de batalha para suas misérias pessoais. Nonsense. Sobra até para a Kombi, de cores verde e amarela. Eles tentam destruir o “terceiro personagem”. 

“Apesar de o humor estar presente, como sempre ocorre em meus textos, este não se pretende uma comédia. Não há aquela face do palhaço sob o eixo da alegria, mas do palhaço que não se encaixa no mundo, que usa roupas desajeitadas, que tropeça. Parti um pouco dessa idéia de desajuste”, afirma Possolo. 

Nova peça de Moreno
O canibalismo é trampolim para as três históricas curtas de “A Refeição”, de Newton Moreno, 38. O texto foi amadurecido durante intercâmbio, em São Paulo e em Londres, em 2004 e 2005, com a equipe do Royal Court Theatre, centro inglês de fomento à dramaturgia. 

A primeira se passa no quarto de um hospital, quando o ato canibal explode questões e vontades castradas de um casal. 

A segunda, no centro da cidade, onde um mendigo e um executivo formam um casal improvável. A terceira, numa tribo indígena, quando um antropólogo se vê acuado pelo pedido de um índio velho, último de sua tribo, que morre lentamente e quer empreender o movimento de volta às raízes. 

“A Refeição” é dirigida por Denise Weinberg e fez sua última sessão ontem.

VALMIR SANTOS 
Do Enviado a Curitiba 

O dramaturgo Celso Cruz, 41, costuma dizer que não é um autor de tese, aquele que, grosso modo, antepõe a reflexão à escrita. Mas ele acaba de defender doutorado na USP vinculado a seu processo de escrita, a tragédia na atualidade, como se vê nas quatro peças que dirige na mostra paralela Fringe. 

Seus personagens urbanos surgem metidos em ambientes fechados, enfrentam a solidão e a violência que carregam consigo ou não suportam lá fora -afinal, o inferno é o outro. “Seres abjetos, mas que, mesmo em situações-limite, demonstram alguma afetividade e consciência de sua própria condição”, diz Cruz. 

Gente como o delegado Dante (Guilherme Freitas) e o criminoso de codinome Beatriz (Dill Magno) em “Comendo Ovos”, apresentada no final de semana. Também há o torturador e a sua vítima em “Gorilas”, que se passa em 14/12/1968, dia seguinte à implantação do AI-5 (qua. e qui., no teatro Celeiro).