VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

Sentado no saguão de um hotel na região da av. Paulista, Michel Melamed “vende” seu negócio ao repórter, não à boca pequena, como o fazem os homens engravatados nas mesas vizinhas. O poeta e ator carioca fala, gesticula e fuma o seu novo espetáculo, “Dinheiro Grátis”, ruído paradoxal que reverbera em São Paulo a partir de sábado, no Tucarena, após temporada no Rio, onde foi recebido com algumas críticas negativas. A cidade já o conhece de “Regurgitofagia”, quando deitava o verbo ligado a dois cabos que, diz, descarregavam choques elétricos ao menor espirro da platéia. O sucesso o levou à França, EUA e, em agosto, à Alemanha. Melamed, 29, também escreveu e co-dirige “Dinheiro Grátis” com Alessandra Colasanti. O espaço cênico é uma arena cercada por arame farpado, imagem que lembra o território proibitivo de um campo de concentração. O ator quer furar esse bloqueio para se comunicar com o público espontânea e dialeticamente. Fala numa terceira via para a cena, o protagonismo que vai daqui, espectador e “co-autor”, para lá, palco, e não apenas o contrário. A seguir, trechos da conversa em que o artista comenta a sua “Trilogia Brasileira”, ainda sem patrocínio, a ser completada com “Homemúsica”. Ele tem a convicção de que seu teatro se aproxima do rock’n’roll pela transgressão na forma e no conteúdo. Deve ter guitarra, mas não uma banda.  
 

DO NOME – É “Dinheiro Grátis” porque a gente está vivendo um momento em que o valor homogeneizador e único é esse, o dinheiro. Para qualquer classe social, seja no campo, na cidade, no primeiro mundo, no subdesenvolvimento, dinheiro é um valor supremo. E não é. Quer dizer, pode vir a ser, para quem quiser optar por isso. O problema é que a grande maioria não opta por isso, mas está entrando na barca. E tem essa frase na peça: “São 6 bilhões de projetos que têm que ser afirmados”. É a humanidade. Não tem mais Che Guevara, não tem mais sebastianismo, não virá um salvador. Aparelhe-se para que você esteja pronto para exercer sua diferença e sua criatividade.”
 

DA POESIA – A poesia é o principal. É a formação de onde venho, é meu projeto, é minha ambição no sentido mais dúbio, porque é uma pretensa humildade, mas ao mesmo tempo uma afirmação de que é isso mesmo. Numa das cartas de [Antonin] Artaud, quando ele estava internado, ele falava: “Se escrevo poemas não é para publicá-los ou recitá-los, mas para vivê-los”. Quer dizer, eu me relaciono com outras linguagens, acho que elas têm especificidades, mas tudo emana da página em branco, da solidão.
 

DO ARAME – Tem duas coisas. Uma, a provocação e profanação do espaço. Há um diálogo com “Regurgitofagia”, que era o contrário, o espectador do seu lugar interferia diretamente na minha pele com a descarga elétrica. E a outra coisa é o fato de que existe um impeditivo. Para a gente ficar junto aqui, nesta noite, o arame farpado será um impeditivo? É a visualização da incomunicabilidade a ser suplantada pela afirmação, sim, da comunicação. Muitas vezes a construção da cena é dialética, um texto aponta para uma direção enquanto a ação aponta para outra, e a idéia de síntese é do espectador.
 

DA CORRUPÇÃO – Dinheiro na cueca, mensalão, acho tudo isso podre. Mas acho tão perigoso quanto, hoje, só se bater nessa tecla. Parece que o PT inventou a corrupção no Brasil. A corrupção é disseminada. Violação do painel do Senado, quanto tempo tem isso? Anões do Orçamento, as ambulâncias. Temos de tomar cuidado. A corrupção não é partidária e não é de agora. Todo dia tem uma denúncia em algum lugar do país. 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

O diretor Roberto Lage tem predileção pelo teatro de idéias, aquele que imbrica reflexão e risco. Celso Frateschi é um contador de histórias na acepção mais elementar do ofício de ator. Depois de Dostoiévski (“Sonho de Um Homem Ridículo”, 2005), os parceiros da associação Ágora Teatro, criada em 1998 na Bela Vista, vão ao encontro da batida perfeita e universal de William Shakespeare em “Ricardo 3º”.

A montagem desse drama histórico, que estréia amanhã num Ágora reformado e ampliado, é coerente com o projeto de Lage, 59, e Frateschi, 54. Eles pertencem à geração dos anos 60 e 70. Lêem o teatro como arte engajada no entendimento deste século 21. “Ricardo 3º” interessa-os pela profundidade e radicalidade com que Shakespeare revela o homem político na origem do capitalismo.

“O momento de transição que a gente está vivendo, não especificamente brasileiro, mas mundial, lembra de alguma maneira a passagem da Idade Média para o Renascimento, o início do pensamento individualista que levou à transformação da sociedade européia”, diz Lage. “Hoje, atingimos esse ponto de exacerbação do indivíduo, de mudanças nos padrões éticos.”

Segundo o diretor, tal arquétipo não vem para contemporizar a crise política do país, por mais que as metáforas falem por si. Frateschi já trabalhava na adaptação da peça desde o final dos anos 90. A intenção é espreitar o homem ocidental de lá para cá.

O drama se passa logo após o fim da Guerra das Duas Rosas (1455-85), quando as casas de York e de Lancaster travam uma disputa sangrenta pelo trono da Inglaterra. O então duque de Glocester, Ricardo (Frateschi) salta a linha sucessória, na qual é o sétimo, com uma estratégia avassaladora: manda matar irmão, sobrinhos, casa-se com uma viúva de quem tramou a morte do marido e do sogro, enfim, faz tudo para conseguir a coroa. Não dura muito tempo no trono de sangue, até que é assassinado e faz girar a “roda da fortuna” dos vícios.

“Estou tão imerso em sangue que um crime me leva a outro crime. As lágrimas da piedade não habitam esses olhos”, diz Ricardo 3º, num dos lampejos de franqueza para com a platéia. Manco, com a mão esquerda debilitada, o personagem alinha a deformidade física à imoralidade. Expõe, por exemplo, a cara-de-pau na hora de seduzir uma viúva que enterra o marido ou apela à cumplicidade do espectador. “Eu agradeço a Deus pela minha humildade”, diz ele, com humor.

Lage quer refletir na encenação a opção estética pela menor grandeza. Busca “um teatro sem adjetivos”, essencial na dramaturgia e na interpretação. A montagem soma 14 atores, entre eles Renata Zhaneta, Plinio Soares, Patrícia Gaspar e Isabel Teixeira.

O palco reformado do Ágora (pela cenógrafa Sylvia Moreira) surge em três planos e lembra a arquitetura elisabetana dos tempos de Shakespeare. Há novas poltronas, mas o ritmo dos acontecimentos em “Ricardo 3º”, ao cabo, são de causar desconforto.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Dono de movimentada bilheteria no circuito Bela Vista, o teatro Imprensa também quer experimentar a produção “off”. Abre hoje o seu Espaço Vitrine, com capacidade para 50 espectadores.

“Vamos aproveitar uma sala do teatro que funcionava como escritório e virou um espaço multiuso. Já teve exposições, oficinas e agora recebe espetáculos”, diz Cintia Abravanel, diretora-presidente do Centro Cultural Grupo Silvio Santos, que engloba o Imprensa.

Abravanel fala em acolher os espetáculos “alternativos” que ficam pouco tempo em cartaz “por falta de estrutura ou patrocínio”.

Mais: fala em fazer com que o público “prestigie a arte e participe de uma ação social” ao trocar o ingresso por um livro ou um agasalho. O centro vai subsidiar os custos dos primeiros espetáculos do espaço.

O primeiro espetáculo é “Rapsódia dos Divinos”, que vai revezar as próximas quartas-feiras, até 23/8, com os solos “A Pomba Enamorada”, interpretado por Maria Assunção, e “O Barril”, por Ângela Dip.

Dirigido e concebido por Paulo Ribeiro, “Rapsódia dos Divinos” se propõe a ser um espetáculo poético-musical construído por meio de compilações de textos literários brasileiros e portugueses. Os personagens passam pelas cantigas medievais e alcançam movimentos contemporâneos.

Na próxima quarta-feira, é a vez de “A Pomba Enamorada”, adaptação de conto homônimo de Lygia Fagundes Telles, co-dirigido por Antônio Karnewale e Maria Assunção (ela é protagonista).

É a história de uma mulher que se apaixona platonicamente por um homem com quem dançou uma única valsa na vida.

O terceiro espetáculo do projeto Vitrine Cultural é “O Barril”, em que a comediante Ângela Dip trata de pensamentos e situações narrados por uma mulher, momentos antes de ela atirar-se numa catarata a bordo de um barril. A direção é de Vivien Buckup.

Quando cumprimentam uma pessoa, o burquinense Hassane Kassi Kouyaté e o francês D’de Kabal levam a mão ao coração. Eles têm fé no teatro, como desejam mostrar em “Sozaboy – Pétit Minitaire” (corruptela para “pequeno soldado”), espetáculo apresentado somente hoje e amanhã no Sesc Santana.

Num palco praticamente nu, eles usam poucos objetos, como uma cadeira, um fuzil e um microfone. A dupla de atores se apóia sobretudo na palavra, falada e cantada, para conduzir o público à história de um adolescente aprendiz de motorista seduzido por um uniforme militar e submetido a três anos no front.

Nesse período de guerra civil, ele perde a mulher, a mãe, a casa, a aldeia e até a sua imagem, já que o tomarão por fantasma. Essas vozes reverberam em cena.

“A peça é uma escultura feita de som, luz, corpo e verbo”, diz Kouyaté, 42, que herdou a tradição do “griot” em seu país, Burkina Fasso. Os griots são poetas e cantadores da cultural oral africana. Por isso a aliança com o também rapper D’de Kabal, 32.

A musicalidade das palavras é fundamental na direção de Stéphanie Loïk -haverá legendas eletrônicas em português. Ela adaptou “Sozaboy”, romance do escritor e ativista nigeriano Ken Saro-Wiwa (1941-95), enforcado pelo regime militar de seu país por defender a minoria ogoni.

O projeto teatral evoca crianças-soldados numa favela urbana ou num Iraque sob bombardeio. “A peça fala desses conflitos por meio da janela do amor”, diz Hassane, filho do também ator Sotigui Kouyaté, que já esteve aqui com a companhia de Peter Brook.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local

Ao final de “Acorda Brasil”, nova peça do empresário e colunista da Folha Antônio Ermírio de Moraes, ouve-se um locutor: “Esta é uma obra de ficção. Qualquer semelhança com a realidade não é coincidência, já que ela foi inspirada na orquestra dos talentosos jovens que estudam na escola de música instalada no bairro de Heliópolis” -a maior favela de São Paulo, com 120 mil habitantes.

No seu terceiro texto para o teatro, Moraes, 77, volta a inscrever o nome do país no título e a tocar em problemas nacionais com direito a proposições.

Agora, o mote é a inclusão social por meio da educação. O espetáculo, que estréia hoje no teatro Shopping Frei Caneca, descreve as relações de um jovem violinista que dá aulas na periferia e enfrenta vários obstáculos, da resistência inicial dos aprendizes ao tiroteio próximo à sala de encontro.

“É um violino ou é uma metralhadora?”, pergunta-lhe a diretora da escola pública, dando o tom da violência naquele território coabitado pelo tráfico de drogas. Ela mesma já foi assaltada na porta da escola precariamente equipada.

“Acorda Brasil” quer mostrar a superação desse professor de violino e, sobretudo, a transformação daqueles adolescentes por meio da arte, da música.

“Decidi colocar esse assunto na linguagem teatral na esperança de que tais idéias penetrem de maneira profunda no público em geral e nas pessoas que podem colaborar com projetos semelhantes para a redenção da nossa juventude”, afirma Moraes, no material de divulgação.

Segundo a assessoria de imprensa do espetáculo, desta vez o empresário -que não se considera propriamente um dramaturgo- preferiu se esquivar de entrevistas. “Espero que o público se comova com a peça e, sobretudo, com o êxito alcançado pelo Instituto Baccarelli.”

Iniciativa do maestro Sílvio Baccarelli, a organização sem fins lucrativos atua desde 1996 em parceria com a iniciativa privada e o Ministério da Cultura. O instituto inspirou a peça por meio da criação e da manutenção de projetos como a Sinfônica Heliópolis, a Orquestra do Amanhã e o Coral da Gente.

Dezessete crianças e adolescentes da comunidade, envolvidos nesses projetos, também participam do espetáculo, que conjuga música e canto -a sinfônica comparece com 65 instrumentistas. Entre os artistas que contracenam com o elenco mirim, estão Petrônio Gontijo e Arlete Salles.

“Apesar do fundo realista da história, me permiti a liberdade poética em vários momentos”, diz o diretor José Possi Neto. Ele afirma que é a primeira vez que encena “um trabalho sobre exclusão social” e que foi “mobilizado” pela disponibilidade dos jovens atores e músicos de Heliópolis.

Em sua primeira peça, “Brasil S/A” (1996), Moraes tratou dos malefícios da carga de impostos na vida de um empresário. Fundo algo biográfico para quem encabeça o grupo Votorantim.
Já “S.O.S. Brasil” (1999), o segundo texto, expôs a crise da saúde pública a partir de um hospital minado financeira e administrativamente por um político e uma enfermeira corruptos. Moraes preside o hospital da Beneficência Portuguesa, em São Paulo.