Cia. de Antônio Araújo estréia leitura de peça de Lagarce, concebida fora do processo colaborativo, típico do grupo
 

Aniversário de 15 anos da companhia acontece em novembro, mas já ganha exposição na Galeria Olido na próxima semana
 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

No ano de seu 15º aniversário, em novembro, o grupo paulistano Teatro da Vertigem passará 2007 “arrumando a casa”. Não no plano físico, pois nem sede possui e o material cênico se espraia pela casa dos artistas, mas no plano da auto-estima. 

A abrupta interrupção da temporada de “BR-3” no ano passado, por problemas econômicos, quase acabou com o grupo. A peça ficou apenas dois meses e meio em cartaz em trecho do rio Tietê. “Foi muito traumático”, afirma o diretor Antônio Araújo. 

O reequilíbrio vem na forma de um projeto extraordinário na trajetória do Vertigem, que ocupa um palco convencional e elege um texto que não foi concebido em sistema colaborativo. “História de Amor (Últimos Capítulos)” não é um espetáculo, mas uma leitura encenada, uma “mise en place”, diriam os franceses como o autor, Jean-Luc Lagarce (1957-95). 

O texto trata de um romance-a-três. Suas últimas linhas podem resumir, ou não: “(1990) Um homem escreveu uma peça. Naquele dia, chegaram um outro homem e uma mulher. 

Os três lêem juntos o texto. Talvez representem a peça – são atores- ou apenas a descubram como se descobre o texto de um amigo”, na tradução de Araújo e Alexandra Moreira. 

A temporada que pré-estréia hoje para convidados na Galeria Olido traz o núcleo do grupo, como os atores Luciana Schwinden, Roberto Audio e Sergio Siviero, o desenhista de luz Guilherme Bonfanti e a assistente de direção Eliana Monteiro. 

A seguir, Araújo, 40, fala do projeto, de política cultural, de produção teatral na cidade e do “lugar da crise” em que o Vertigem sempre se encontra para interpretar o mundo à volta.
 

VIRADA O grupo como que zera, vira a página da inadimplência, das dívidas por conta de “BR-3”. Num certo momento, pensei que ele poderia acabar. Foi muito traumático. É até sintomático que tenhamos conseguido segurar, com o apoio decisivo da Petrobras e da Secretaria Municipal da Cultura. E agora estamos saindo do buraco com uma proposta chamada “História de Amor”.
 

LAGARCE Não conhecia suas peças. Fizemos uma leitura dramática de “História de Amor” na Semana Lagarce que aconteceu na USP, em 2006, por meio do Consulado da França. É um texto curioso, pois trabalho em processo colaborativo e ele fala de um encontro amoroso de dois homens e uma mulher, mas que, num segundo plano, é como se fosse um encontro de um dramaturgo, um atriz e um diretor. É um texto metalingüístico, em aberto.
 

LEI DE FOMENTO São Paulo tem hoje uma pulsação teatral por conta da Lei de Fomento. Mas não é ela que vai garantir que o resultado de um espetáculo seja genial, mesmo porque sua ênfase é na pesquisa. Se não se garante essa possibilidade da experimentação e do risco, a gente não tem salto qualitativo. Lembro-me que, quando estive no Royal Court [centro que apoia a dramaturgia em Londres], eles diziam investir muito em 15 anos para aparecer uma Sarah Kane [autora inglesa]. Acho uma postura conservadora ficar pensando apenas no grande salto estético.
 

GIL, ALCKMIN E SERRA Sobre o [ministro Gilberto] Gil [Cultura], tenho a mesma sensação em relação ao governo Lula: eu esperava uma ousadia maior, o que continuo esperando no segundo mandato. Já no Estado, a gestão de [Geraldo] Alckmin na área da cultura foi anódina, morna. O [José] Serra tem muito mais sensibilidade cultural, e eu aposto em avanços.

Filha de Soffredini monta “Mais Quero Asno que me Carregue que Cavalo que me Derrube”, de 1969
 

Comédia baseada em “Farsa de Inês Pereira” volta ao TBC; para Renata Soffredini, história é “premonitória” ao antecipar questões culturais

“É uma opção que prescinde de cenário, despojada nos figurinos, no desenho de luz, e se apóia no jogo do ator com a platéia, como se o público e os personagens estivessem numa visita à casa da mãe da Inês”, diz. 

É o primeiro espetáculo profissional da recém-criada Globe-SP Company, ligada ao centro de formação fundado três anos atrás

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

Há dez anos Ulysses Cruz não monta um Shakespeare. 

Há dez anos não estréia peça em São Paulo. Isso muda a partir de hoje, no Sesc Pompéia, onde começa a temporada de “Os Dois Cavalheiros de Verona”, comédia de iniciação do bardo inglês de quem o diretor já levou suas principais tragédias na década de 90: “Hamlet”, “Macbeth” e “Rei Lear”. 

“Deveria ter começado por essa [“Os Dois Cavalheiros de Verona’]. Há enorme probabilidade de ela ter sido a primeira [que Shakespeare escreveu]”, diz Cruz, que co-assina a direção com Ricardo Rizzo. 

O destino, sabe-se lá, o fez inverter a cronologia. De trás para frente, é desejo de Cruz montar as 38 peças do dramaturgo. Foram quatro profissionais até agora. Mas reconhece que, a manter esse ritmo, e aos 53 anos, pode não dar conta. 

O desafio tornou-se mais plausível há três anos, quando abriu no bairro paulistano de Pinheiros, em parceria com o realizador Paulo Plagus, um centro de formação de ator batizado Globe-SP (homenagem ao Globe Theatre de Londres, onde Shakespeare encenava suas peças no século 16). 

É a primeira turma formada a cumprir temporada no circuito. Não é um espetáculo de escola. Serve para o centro dizer a que veio por meio de sua recém-nascida companhia, a Globe-SP Company. Por isso a perspectiva do rito de passagem que Cruz sublima em “Os Dois Cavalheiros…”. 

“É uma peça que mostra claramente a passagem para a idade adulta. Boa para hoje, quando a maioria dos jovens não sabe bem para onde correr. Proteus e Valentinos [os protagonistas] estão crescendo e tentando entender o amor, as relações amorosas e como isso afeta nossas vontades. São enviados por seus pais para uma cidade progressista a fim de se tornarem cavalheiros. Como um pai com dinheiro envia hoje seu filho para estudar fora.” 

Enredo
Os amigos Proteu e Valentino partem de Verona para a corte de Milão. Lá, eles se apaixonam pela mesma mulher, Júlia, filha de um duque local. Tornam-se rivais. A confusão aumenta com a chegada de Sílvia, ex-namorada de um deles. Em meio a traições, exílios, fugas e impagáveis criados-bufões, os cavalheiros descobrem o valor da amizade e se casam com as respectivas amadas. 

Para Cruz, é uma comédia romântica. “Só que escrita por Shakespeare, então não é babaca, melosa e idiota. É carregada de ação, lindas palavras, delicadezas. Tem aquele poder mágico, arrebatador, que só Shakespeare soube produzir.” Dizendo-se fascinado pelas releituras, o diretor transpõe a ação para uma dancing dos anos 50, ao som de bolero, tango e outros ritmos. 

“Atualmente, em Londres, está em cartaz uma produção da Royal Shakespeare Company para “Muito Barulho por Nada” que se passa na Cuba de Fidel, com direito a Buena Vista Social Club e tudo”, conta. 

Televisão
Cruz passou os últimos dez anos trabalhando sobretudo em TV: “Xuxa – No Mundo da Imaginação”, “Sítio do Picapau Amarelo” e minisséries, entre outros. Diz que foi por “puro desejo de experimentar”. 

“Não acredito em reencarnações. Se tivesse outra vida, viveria uma somente no teatro. Mas só tenho uma. Fiquei com o saco cheio dos mesmos problemas, do mesmo ritual. Depois, ninguém passa impunemente por “Hamlet”. Ele produziu em mim o desejo da ação. Adoro meu trabalho na TV, onde sou tratado e respeitado como mestre exatamente pela carreira no teatro.”

“Západ”, em russo, quer dizer Ocidente, a parte do hemisfério terrestre onde o sol se põe, em correlação ao Oriente, onde nasce. Correlação rara na natureza humana ou na geopolítica. Em 2006, a primeira fase do projeto foi pedagógica. O ponto de partida: cartas que dois soberanos trocaram no século 16, a rainha inglesa Elizabeth 1ª e o czar russo Ivan, o Terrível. 

Os criadores, entre eles Márcio Medina (cenografia e figurinos), Lúcia Chedieck (desenho de luz), Daniel Maia (direção musical) e Maria Thaís (direção) não leram efetivamente as cartas nem brandiram as biografias desses monarcas. O interesse se deu pelo subtexto histórico, a lida de universos culturais distintos, Europa Oriental e Europa Ocidental, e a gênese do Estado moderno, fronteiras e soberanias. 

Para transformar tal universo em teatro, foram escalados um Anjo e um Bufão. Eles são sombras e sóis de Ivan e Elizabeth. E a Cia. Balagan instigou três autores a visitar a juventude, a vida adulta e a maturidade desses protagonistas sujeitos a outros tempos e territórios. 

A dramaturgia de “A Tragédia do Poder” é exemplo do discurso polifônico em todos os campos de sua criação. São três movimentos autônomos e umbilicais, ora vistos em sessões diferentes, ora em única noite. 

Alessandro Toller escreveu sobre a juventude de Ivan e Elizabeth em “De Neve e Neblina”. As potências de amor e de poder compõem um ambicioso projeto juvenil de ambos. 

Newton Moreno transforma os soberanos em bestas-feras e estrelas de um circo de horrores em que duelam pela supremacia do trono de sangue em “A Peleja de Ivan, o Temível, Czar da Rússia & Elizabeth 1ª, Isabel, para os Íntimos, Monarca Virgem da Inglaterra”. 

Luís Alberto de Abreu arremata a maturidade em “Dies Irae”, em que o Anjo dá a ambos a consciência de suas ações por meio de um dossiê de fotos, livros, filmes etc. Dias de ira. 

Maria Thaís diz que não quer um drama histórico e mira o nosso contemporâneo, em que “Deus, anjos e homens querem crer um nos outros, e disso se escreve nossa redenção ou nossa tragédia”, como pondera o Anjo, caído, de Abreu. 

Artistas da Argentina, do Chile e da Venezuela partilham suas experiências com brasileiros em debates, oficinas e ensaios abertos

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

Ainda está aquém do corredor privilegiado que é Porto Alegre, dada a aproximação geográfica, mas São Paulo demonstra, pelo menos no âmbito dos artistas, vontade de melhorar a relação cultural com os países latino-americanos.

O teatro dá mais um passo com a o ciclo “O Teatro na América Latina – Encontros e Desencontros”, uma iniciativa do Teatro Kaus Cia. Experimental. Em parceria com o Instituto Cervantes, o grupo realiza de amanhã a domingo debates, espetáculos e oficina gratuitos com artistas convidados da Argentina, do Chile e da Venezuela, que partilham suas experiências com brasileiros.

Em maio do ano passado, a cidade viu a Cooperativa Paulista de Teatro organizar a 1ª Mostra Latino-Americana de Teatro de Grupo, com cinco países. Em 2005, o Folias d’Arte, um dos grupos empenhados numa vizinhança mais ativa, criou o espetáculo “El Día que me Quieras”, do venezuelano José Ignacio Cabrujas. Em 2004, o Teatro-Escola Célia Helena publicou quatro peças inéditas no volume “Teatro da América Latina”.

“Os países da América Latina sempre tiveram a percepção de que a cultura com maiúscula estava do outro lado do mar”, diz o dramaturgo argentino Santiago Serrano, que dá oficina e participa de debates. Tal paradoxo, acredita, estaria mudando porque melhorou a auto-estima.

“O mútuo desconhecimento entre as Américas espanhola e portuguesa parece residir na falta de uma verdadeira vontade de integração de parte das elites governantes desde o século 19”, afirma outro participante do ciclo, o diretor e tradutor peruano Hugo Villavicenzio, radicado no Brasil desde 1975.

“Reconhecer as nossas diferenças é fundamental. O teatro latino-americano tem muitos aspectos comuns, sua preocupação com a história recente, seu envolvimento social e político, seu vigor criativo, seu experimentalismo etc. Tudo isso tem que ser conhecido pelas novas gerações”, diz.

Para Serrano, projetos como o que acontece esta semana servem, “não para borrar as diferenças e globalizar a cultura, mas sim para descobrir nossa própria identidade em relação a outros povos vizinhos”.

O ciclo faz parte de projeto mais amplo do Teatro Kaus, batizado “Fronteiras – O Teatro na América Latina”, selecionado no Programa de Fomento. Estão previstas a abertura da sede do grupo, na rua Augusta; a montagem de duas peças em fevereiro, “A Revolta”, de Serrano, e “El Chingo”, do venezuelano Edílio Peña; e o lançamento de um caderno com o registro de todos os processos.

Diretor retoma a obra do dramaturgo pela sexta vez ao anunciar a montagem de “Senhora dos Afogados” para 2007
 

De 1947, uma das peças míticas e “desagradáveis” do autor terá encenação apoiada no grotesco e no expressionismo
 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

“É burra a decisão de se fazer um Nelson Rodrigues trágico e mítico. Não se deve esquecer que se trata de uma tragédia brasileira na qual o grotesco é fundamental. Se Shakespeare sabia usá-lo tão bem, a comédia no meio da tragédia, por que o Nelson não pode fazer muito mais? Ele não tem nada a perder; é brasileiro, latino-americano, não é um inglês.”