Quatro espetáculos, como “Os Meninos e as Pedras” e “As Turca”, trazem personagens oriundos do Oriente Médio
 

Três dos quatro espetáculos paulistanos com essa temática têm sessão hoje; preço do ingresso varia de R$ 14 a R$ 40

Uma mulher judia também está à frente de outra peça em cartaz, o monólogo “Feliz Aniversário”, com Danielle Maia. 

Elenco reúne expoentes do humor, como Ilana Kaplan, veteranos como Glória Menezes e atores do “circuito alternativo”

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

No terceiro Shakespeare em 30 anos de carreira, somada a fase amadora (já atravessou “A Tempestade” e “Hamlet””), Marco Ricca vive o dissimulado e traiçoeiro Ricardo 3º, personagem-título da peça que ele desejava protagonizar e produzir desde os anos 90. O sonho é materializado no espetáculo que estréia hoje para convidados, no teatro Faap, e cumpre temporada a partir de amanhã. Ricca surge ao lado de 14 atores, um elenco dos mais ecléticos já reunido na cidade. Estão lá comediantes talentosos como Denise Fraga, Ary França e Ilana Kaplan, a contracenar com a experiência de Glória Menezes e Roney Facchini, mesclados a intérpretes projetados na cena mais experimental, como Edu Guimarães, Laerte Mello, Marcos Suchara, Maurício Marques e Maria Manoella. Todos sob a batuta de Jô Soares, que engata o segundo projeto para teatro em menos de três anos (o primeiro foi “FrankensteinS”). O que sugere mais entusiasmo para com a arte que abraçou com mais força nos anos 60 e 70 (leia ao lado). Soares também assina tradução e adaptação da sangrenta história do “javali” que encurrala suas “ovelhas” sem defesa, para usar uma imagem do texto, mas depois acaba ele mesmo enfrentando o resultado do lance de dados que jogou. Essa quintessência do teatro, o jogo, encontra terreno fértil nessa peça do início da carreira de Shakespeare (1593), inspirada nos 30 anos da guerra dos clãs York e Lancaster. Ricca, 43, incorpora as múltiplas faces do conspirador da Coroa, Ricardo 3º. “Tem horas que parece que são dois espetáculos: um faço não para, mas com a platéia, e outro acontece internamente, na maneira de contar essa história”, diz. Estudiosos da obra costumam comparar o encantador e cruel conspirador da Coroa a um mestre-de-cerimônias, em meio ao castelo e campos de batalha. “Não é exatamente o que a gente faz, mas essa leitura é possível, como quem convida à carnificina oficial”, explica o protagonista.

VALMIR SANTOS 
Da Reportagem Local 

Sentado no saguão de um hotel na região da av. Paulista, Michel Melamed “vende” seu negócio ao repórter, não à boca pequena, como o fazem os homens engravatados nas mesas vizinhas. O poeta e ator carioca fala, gesticula e fuma o seu novo espetáculo, “Dinheiro Grátis”, ruído paradoxal que reverbera em São Paulo a partir de sábado, no Tucarena, após temporada no Rio, onde foi recebido com algumas críticas negativas. A cidade já o conhece de “Regurgitofagia”, quando deitava o verbo ligado a dois cabos que, diz, descarregavam choques elétricos ao menor espirro da platéia. O sucesso o levou à França, EUA e, em agosto, à Alemanha. Melamed, 29, também escreveu e co-dirige “Dinheiro Grátis” com Alessandra Colasanti. O espaço cênico é uma arena cercada por arame farpado, imagem que lembra o território proibitivo de um campo de concentração. O ator quer furar esse bloqueio para se comunicar com o público espontânea e dialeticamente. Fala numa terceira via para a cena, o protagonismo que vai daqui, espectador e “co-autor”, para lá, palco, e não apenas o contrário. A seguir, trechos da conversa em que o artista comenta a sua “Trilogia Brasileira”, ainda sem patrocínio, a ser completada com “Homemúsica”. Ele tem a convicção de que seu teatro se aproxima do rock’n’roll pela transgressão na forma e no conteúdo. Deve ter guitarra, mas não uma banda.  
 

DO NOME – É “Dinheiro Grátis” porque a gente está vivendo um momento em que o valor homogeneizador e único é esse, o dinheiro. Para qualquer classe social, seja no campo, na cidade, no primeiro mundo, no subdesenvolvimento, dinheiro é um valor supremo. E não é. Quer dizer, pode vir a ser, para quem quiser optar por isso. O problema é que a grande maioria não opta por isso, mas está entrando na barca. E tem essa frase na peça: “São 6 bilhões de projetos que têm que ser afirmados”. É a humanidade. Não tem mais Che Guevara, não tem mais sebastianismo, não virá um salvador. Aparelhe-se para que você esteja pronto para exercer sua diferença e sua criatividade.”
 

DA POESIA – A poesia é o principal. É a formação de onde venho, é meu projeto, é minha ambição no sentido mais dúbio, porque é uma pretensa humildade, mas ao mesmo tempo uma afirmação de que é isso mesmo. Numa das cartas de [Antonin] Artaud, quando ele estava internado, ele falava: “Se escrevo poemas não é para publicá-los ou recitá-los, mas para vivê-los”. Quer dizer, eu me relaciono com outras linguagens, acho que elas têm especificidades, mas tudo emana da página em branco, da solidão.
 

DO ARAME – Tem duas coisas. Uma, a provocação e profanação do espaço. Há um diálogo com “Regurgitofagia”, que era o contrário, o espectador do seu lugar interferia diretamente na minha pele com a descarga elétrica. E a outra coisa é o fato de que existe um impeditivo. Para a gente ficar junto aqui, nesta noite, o arame farpado será um impeditivo? É a visualização da incomunicabilidade a ser suplantada pela afirmação, sim, da comunicação. Muitas vezes a construção da cena é dialética, um texto aponta para uma direção enquanto a ação aponta para outra, e a idéia de síntese é do espectador.
 

DA CORRUPÇÃO – Dinheiro na cueca, mensalão, acho tudo isso podre. Mas acho tão perigoso quanto, hoje, só se bater nessa tecla. Parece que o PT inventou a corrupção no Brasil. A corrupção é disseminada. Violação do painel do Senado, quanto tempo tem isso? Anões do Orçamento, as ambulâncias. Temos de tomar cuidado. A corrupção não é partidária e não é de agora. Todo dia tem uma denúncia em algum lugar do país. 

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

Em duas apresentações gratuitas que fez no Sesi Sorocaba, no início da semana, Paulo Betti, 53, teve uma prova do potencial do espetáculo “A Canção Brasileira”, que estreou no Rio em 2005 e chega para curta temporada paulistana no Sesc Santana.

“É uma peça absolutamente popular, um delírio”, diz o ator, que assina seu primeiro musical.

A exultação tem a ver com o mote, o rapto de uma personagem carismática, a recém-nascida Canção Brasileira, por um trio de chorões: Violão, Cavaquinho e Flauta. Eles a levam para o morro e propõem um divertido inventário das suas influências, de modo a evitar a contaminação estrangeira, como o assédio da Valsa e do Fado.

No entanto, não tem jeito: a Canção desce o asfalto e se enamora do Tango. O texto de teatro de revista de Luis Iglesias e Miguel Santos estreou em 1933 e trazia, no elenco, Vicente Celestino e Gilda de Abreu, artistas que terminaram se casando em cena.

Na linha dos sucessos
A montagem que vem à luz agora é a versão do roteiro de Luiz Antônio Martinez Corrêa (1950-1987), diretor assassinado a facadas num apartamento do Rio. Ele vinha de sucessos com o gênero, como “Theatro Musical Brazileiro – Parte 1 (1860/1914)”, de 1985, e “Theatro Musical Brazileiro – Parte 2 (1914/1945)”, de 1986, sempre em parceria com Marshall Netherland.

A dupla já tinha planos para a montagem da opereta “A Canção Brasileira” (a opereta é um tipo de teatro musicado, leve, que entrelaça diálogos).

O roteiro deixado por Corrêa não estava completo, faltavam as partituras das músicas compostas por Henrique Vogeler (1888-1964), alemão radicado no Brasil. O processo de resgate foi parcimonioso. Primeiro, a irmã do diretor, Maria Helena Martinez, encontrou o roteiro. Em 1994, ela foi procurada por French Gomes da Costa, antigo freqüentador do teatro musicado, que assistiu à primeira montagem de 1933 e tinha cópia da partitura original.

“Depois da morte do Luiz Antônio, eu ficava na praça Tiradentes [no Rio], à noite, conversando com as pessoas que andavam por ali sobre os musicais e o teatro brasileiro. Uma vez, comentei que não conseguia achar essas partituras. Até que French apareceu em frente à minha casa e me deu de presente todas as partituras do espetáculo. Considero isso um milagre”, afirma Maria Helena, 82, que também colaborou na adaptação -ela é irmã ainda de outro diretor teatral, Zé Celso, do Oficina.

Em cena, são três músicos e 14 atores, entre eles Édio Nunes, Wladimir Pinheiro, José Mauro Brant, Erom Cordeiro e Juliana Betti. Depois de São Paulo, o espetáculo seguirá para Santos, Campinas, Santo André, Bauru e Poços Caldas.

Pelo resgate popular, “A Canção Brasileira” faz coro com outra produção carioca em cartaz na cidade, “Otelo da Mangueira”, no Sesc Anchieta.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

O diretor Roberto Lage tem predileção pelo teatro de idéias, aquele que imbrica reflexão e risco. Celso Frateschi é um contador de histórias na acepção mais elementar do ofício de ator. Depois de Dostoiévski (“Sonho de Um Homem Ridículo”, 2005), os parceiros da associação Ágora Teatro, criada em 1998 na Bela Vista, vão ao encontro da batida perfeita e universal de William Shakespeare em “Ricardo 3º”.

A montagem desse drama histórico, que estréia amanhã num Ágora reformado e ampliado, é coerente com o projeto de Lage, 59, e Frateschi, 54. Eles pertencem à geração dos anos 60 e 70. Lêem o teatro como arte engajada no entendimento deste século 21. “Ricardo 3º” interessa-os pela profundidade e radicalidade com que Shakespeare revela o homem político na origem do capitalismo.

“O momento de transição que a gente está vivendo, não especificamente brasileiro, mas mundial, lembra de alguma maneira a passagem da Idade Média para o Renascimento, o início do pensamento individualista que levou à transformação da sociedade européia”, diz Lage. “Hoje, atingimos esse ponto de exacerbação do indivíduo, de mudanças nos padrões éticos.”

Segundo o diretor, tal arquétipo não vem para contemporizar a crise política do país, por mais que as metáforas falem por si. Frateschi já trabalhava na adaptação da peça desde o final dos anos 90. A intenção é espreitar o homem ocidental de lá para cá.

O drama se passa logo após o fim da Guerra das Duas Rosas (1455-85), quando as casas de York e de Lancaster travam uma disputa sangrenta pelo trono da Inglaterra. O então duque de Glocester, Ricardo (Frateschi) salta a linha sucessória, na qual é o sétimo, com uma estratégia avassaladora: manda matar irmão, sobrinhos, casa-se com uma viúva de quem tramou a morte do marido e do sogro, enfim, faz tudo para conseguir a coroa. Não dura muito tempo no trono de sangue, até que é assassinado e faz girar a “roda da fortuna” dos vícios.

“Estou tão imerso em sangue que um crime me leva a outro crime. As lágrimas da piedade não habitam esses olhos”, diz Ricardo 3º, num dos lampejos de franqueza para com a platéia. Manco, com a mão esquerda debilitada, o personagem alinha a deformidade física à imoralidade. Expõe, por exemplo, a cara-de-pau na hora de seduzir uma viúva que enterra o marido ou apela à cumplicidade do espectador. “Eu agradeço a Deus pela minha humildade”, diz ele, com humor.

Lage quer refletir na encenação a opção estética pela menor grandeza. Busca “um teatro sem adjetivos”, essencial na dramaturgia e na interpretação. A montagem soma 14 atores, entre eles Renata Zhaneta, Plinio Soares, Patrícia Gaspar e Isabel Teixeira.

O palco reformado do Ágora (pela cenógrafa Sylvia Moreira) surge em três planos e lembra a arquitetura elisabetana dos tempos de Shakespeare. Há novas poltronas, mas o ritmo dos acontecimentos em “Ricardo 3º”, ao cabo, são de causar desconforto.

VALMIR SANTOS
Da Reportagem Local 

No desfile de 1994, quando a Mangueira amargou o 11º lugar no Carnaval carioca, um dos seus passistas, Gustavo Gasparani, traduziu a tragédia numa composição de sua lavra, “Primeira Estação do Samba”, de fundo obviamente triste. “Nem Beth Carvalho nem Alcione cantariam”, diz o também ator e dramaturgo, que sublimou aquele episódio num musical em que ata Shakespeare à escola sem medo de ser feliz.

“Otelo da Mangueira”, uma homenagem “poético-fantasiosa” à Estação Primeira, à cidade do Rio, à sua cultura e a seu povo, como concebe Gasparani, 39, ganha temporada paulistana a partir de amanhã, no teatro Sesc Anchieta. Aquela canção de 1994 vem à tona no encerramento.

Passista há 18 anos e um dos fundadores da Cia. dos Atores (1988), Gasparani criou projeto paralelo a seu grupo para transpor o clássico do século 17 para o Rio da década de 40.

A peça é ambientada naquela “era primitiva”, segundo o autor, em que o samba ainda não havia encontrado a cultura urbana e transitava do erudito para o popular -alguns compositores eram admirados pelo maestro Heitor Villa-Lobos, por exemplo.

No texto inspirado em Shakespeare, a guerra contra os turcos se transforma na luta para vencer o Carnaval. A batalha em Chipre, conforme o enredo, tem seu paralelo na disputa pelo samba-enredo. As armas, espadas e canhões equivalem aqui a cuícas, taróis e surdos de marcação.

“O primeiro solilóquio de Otelo, quando ele briga com Desdêmona, eu retirei inteiro e botei a poesia de Carlos Cachaça, dando-lhe o mesmo significado”, diz Gasparani -mas o lenço como “objeto do crime” está lá, intocável.

Gasparani interpreta Dirceu, o Iago do original que empurra Otelo (único nome mantido, interpretado por Marcelo Capobiango) para o inferno dos ciúmes. Quem faz Desdêmona é Susana Ribeiro, em substituição a Cláudia Ventura. O diretor convidado do espetáculo é Daniel Herz, da Cia. Atores de Laura.

No que define como mosaico mangueirense e shakespeariano, em prosa e verso, Gasparani emenda 17 sambas ao longo do espetáculo, de clássicos como “Alvorada” (Cartola, Carlos Cachaça e Hermínio Bello de Carvalho) a raridades como “Deus Onipotente Criador” (Cícero dos Santos).

Ao som de cinco músicos, os 13 intérpretes, alguns da comunidade de Mangueira, cantam, dançam ou atuam sobre uma estrutura cenográfica que remete aos desníveis do morro.